클림트를 사랑한 여인..

고전주의와 사실주의 색채로 낭만을 그린 인상파 화가, 에드가 드가 Edgar Degas, 1834.07.19 ~ 1917.09

Tue, 09 Feb 2010 17:48:37 +0900

에드가 드가
(Edgar Degas, 1834년 7월 19일 ~ 1917년 9월 29일)

프랑스의 유명한 화가이자 조각가이다. 인상주의의 창시자 중 한 사람으로 평가받고 있다.

루이 르 그랑 중등학교를 졸업하고 파리 대학 법학부에 들어갔으나 학업을 포기하고 1855년 앵그르의 제자 루이 라모트의 소개로 국립미술학교에 입학했다. 루브르 박물관을 드나들면서 거장들의 그림을 익혔다. 1856년에는 유럽을 여행하며 뒤러, 만테냐, 렘브란트, 고야 같은 고전주의 거장들의 그림을 공부했다.

1872년 어머니의 고향인 미국의 뉴올리언스로 떠나 미국의 역동성을 목격했다. 1873년 파리로 돌아와 인상주의 화가들과 본격적인 교류를 시작했다.말년에는 지병인 눈병이 악화되어 시력을 거의 잃는 바람에 주로 조각에 몰두했다. 그는 평생 독신으로 지냈다.

<발레수업>

에드가 드가가 가장 선호했고, 작품으로도 그가 여러번 그렸던 테마 중 하나는 발레리나일 것이다. 발레의 매력과 발레리나의 아름다움에 매료된 드가는 그들의 복합적인 몸짓을 빠짐없이 화면에 담아내고자 노력하였으며, 마치 작은 기계 인형과도 같은 그들은 움직임을 연구하고 몸의 비틀림을 해부학적으로 분석하였다.

이 유명한 작품에서 - 아마 발레학교를 주제로한 연작 중 가장 유명한 작품일 것이다 - 드가는 한 발레 수업의 연습장면을 묘사한다. 선생은 당시 유명했던 ‘쥘 페로’로, 여기저기 흩어져 있는 학생들의 주의를 모으려 애쓰는 모습이다.

실제 화면 속에서 수업에 참여하는 발레리나들은 일부에 불가하다. 이 장면을 묘사하기 위해 드가는 방의 구석에 초점을 맞추어 배경의 대부분을 관람객의 시야에서 배제시키는 대단히 독창적인 구도를 고안해냈다. 드가는 원근법에 의해 묘사된 발레리나들을 따라, 관람객의 시선이 화면 아래쪽 발레리나의 어깨에서부터 반대쪽벽까지 이동하도록 만드는 놀라운 공간 구성을 선보인다. 또한 드가는 구성의 풍부함을 더하기 위해 화면 왼쪽 구석의 분무기라든가, 화면 아래 쪽 발레리나의 다리 뒤에 보이는 강아지와 같은 세부묘사에도 결코 소홀하지 않았다.

때때로 드가는 유쾌한 시선으로, 별로 우아하다고 할 수없는 발레리나의 움직임을 연구하기도 했다. 예를 들어 화면 속의 한 발레리나는 등을 긁고 있고, 또 한쪽에서는 짜증스런 제스처로 목에 있는 리본을 고쳐 매고 있다. 또한 서로 잡담을 나누고, 팔짱을 끼고, 머리에 있는 꽃을 만지는가 하면 시선을 다른 곳으로 돌리고 있기도 하다.

드가의 관심을 끌었던 것은 발레리나들의 비틀린 신체와 우아한 못짓이었다. 그는 해부학적분석에 입각한 과학적인 시선으로 어린 발레리나들을 관찰했고, 말이 질주하는 모습을 연구했다. 드가의 명작들은 이처럼 끊임없는 연구와 수많은 습작들을 바탕으로 탄생한 것이다. 드가는 습작을 통해 각 인물들의 신체동작을 따로따로 연구하였고, 이러한 이유로 드가는 종종 사진엽서를 통해 영감을 얻기도 했다.

문은 창문이 있는 옆방을 향해 열여있고 창문 너머로는 파리의 거리가 눈에 들어온다. 이처럼 독창적인 구성은 드가 작품의 전형적인 특징으로, 그는 평범하지 않은 화면구성을 즐겨 사용했다. 언제나 그랬던 것처럼 이번에도 그는 방의 일부분을 화폭에서 배제시켰고, 화면 오른쪽에 발레리나의 튀튀의상, 그리고 화면아래쪽 발레리나의 발과 분무기를 일부가 잘려나간 모습으로 그려 넣었다. 따라서 관람객은 마치 공간이 묘사된 화면 바깥쪽으로 계속 이어지는 것과 같은 느낌을 받게 된다.

<무대 위의 무희>

드가는 복잡한 파스텔화 기법을 능숙하게 사용 할 수 있었다. 이 그림 역시 모노타입에 파스텔로 색을 입히는 방법으로 그려졌는데, 이러한 기법은 다른 여러 작품에서 반복되는 실험을 통해 얻어진 결과였다.

드가는 1877년의 전시회에 발레 무대를 주제로 한 4점의 작품을 출품하여, 비평가들로부터 큰 호평을 받았다. 귀스타브 카유보트가 사들인<무대 위의 무희> 역시 이때 출품된 것이다.

죠르주 리비에레는 드가의 작품에 대해 “이 파스텔화를 본 후에 당신들은 오페라에 갈 필요가 없을 것이오.”라고 평하며, 무대 위의 사실적인 모습을 순간적으로 포착해내는 그의 예리한 관찰력에 찬사를 보냈다. 드가는 발레 공연의 분위기와 발레리나의 매력을 간결한 표현만으로 화폭에 생생히 재현해냈다.

과감하게 배치된 주인공과 그녀가 서 있는 무대는 위에서 아래를 내려다보는 구도로 그려져 있어, 관람자로 하여금 마치 극장의 박스 관람석에서 공연의 한 장면을 바라보는 것처럼 느끼게 만든다. 드가는 간결한 필치를 통해 공연의 한 순간을 재빠르게 포착함으로써 작은 화폭 위에 역동적인 발레의 모습과 환상적인 공연의 분위기를 담아내고 있다.

작품에 나타나는 몽상적이고 비실재적인 표현으로 인해, 비평가들은 작품의 제목을 바꾸어 부르게되는데, 이리하여 원래의 제목 <발레>는 작품을 보다 잘 표현할수 있는 <무대 위의 무희>로 바뀌게 되었다.

<더많은 그림을 보시려면>

신예술 창조에 전력한 인상주의의 개척자. 거장 클로드 모네(Claude Oscar Monet)

Tue, 09 Feb 2010 15:34:41 +0900

클로드 모네 Claude Monet (1840. 11.14. ~ 1926.12.5.)

소년시절을 르아브르에서 보냈으며, 그곳에서 화가 으젠느 부댕에게 외광묘사에 대한 화법을 배웠다. 르누아르, 시슬레, 바지유 등과 공부했고 초기에는 마네 영향을 받아 인물화를 그렸으나 점차 풍경화를 그렸다. 파리 근교에 살면서 세느 강변의 밝은 풍경을 통해 인상파 양식을 개척했다. 1874년 [인상-일출]을 선보인후 인상파란 이름이 모네를 중심으로한 화가집단에 붙여졌다. 이후 8회 계속된 인상파전에많은 작품을 출품하여 인상주의의 대표적 지도자로서의 위치를 굳혔다.

<생라자르 역>

샤를 보들레르는 “파리는 사람의 마음보다 더빨리 변한다.”고 했다. 끊임없이 변화하는 파리의 생명력은 인상주의 회화에 중요한 모티브를 제공했다.

<까치>

바티뇰의 생라자르 역은 파리의 근대성을 상징하는 곳이었다. 모네는 증기가 만들어내는 효과와 기관차가 도착할 때 플랫폼을 휘감는 대기의 분위기에 매료되었고, 섬세한 시선을 통해 유리와 철골 구조물로 건축된- 이는 당시 유행하던 건축 경향이었다- 생라자르 역의 모습을 화면에 포착했다.

모네는 증기의 변화하는 밝기와 색상을 적절한 색채 사용을 통해 완벽하게 화면에 표현해냈다.

보랏빛 색조는 노란색, 분홍색, 그리고 하늘색으로 점점 바뀌고 있으며, 연기로 가득한 대기의 모습을 마치 보는 이의 후각과 촉각마저 자극할 것처럼 완벽하게 재현했다.

모네는 희미한 보라색을 대기의 색상으로 생각했고, 이를 자신의 그림에서 표면을 얇게 덮고 있는 코팅제와 같이 사용했다.

배경에는 독특한 파리 시내 건물들의 모습이 보인다. 나폴레옹 3세는 오스만 남작에게 도시 개조를 위림했고, 당시 파리 시내는 개조 작업이 막 끝난 상태였다. 오스만은 특히 민중들이 다시 봉기했을 때를 대비하여 바리케이드를 치기에 적합한 좁은 골목을 평평한 대로로 바꾸는 작업에 열중하였다.

에밀 졸라는 “마치 이전 시대의 화가들이 숲과 강에서 사상을 찾았던 것 처럼, 오늘날의 화가들은 기차역에서 그것을 찾아야만 한다.”라고 기술했다.
파리는 인상주의 화가들에게 중요한 모티브를 제공했으며, 기차역의 역동적인 대기는 모네에게 짧은 순간의 모습, 즉 인상을 화폭에 옮기기에 덩벗이 좋은 기회를 제공했다.

<개양귀비꽃>

오래전부터 모네와 바지유는 같은 꿈을 가지고 있었다. 그들은 살롱에서 여러 번 낙선한 뒤, 사재를 털어 그들처럼 전시회를 기획했다. 1873년 12월27일 예술가 협회가 탄생하였고, 이듬해 4월 첫 번째 전시회를 열었다. <개양귀비꽃/아를장뙤이유의양귀비> 역시 이때 전시된 작품들 중 하나이다. 이 유명한 작품 속에서 모네는 모임의 친구들과 자주 찾던 아를장뙤유 주변의 개양귀비꽃이 만발한 들판을 묘사했다.

<더많은 그림을 보시려면>

프랑스, '바르비종파'지만 농촌을 바라본 '만종'과 '이삭 줍는 여인들'을 그린 화가 장 프랑수아 밀레(Jean Francoi

Tue, 09 Feb 2010 15:32:13 +0900

▶ 주요 약력
노르망디 지방 그레빌 출생. 1833∼1836년 셰르부르에서 그림공부를 하다가 1837년 장학금을 얻어 파리로 진출하여 P.들라로슈의 제자가 되었다. 루브르미술관에서 푸생, 르냉, 샤르댕 등의 영향을 받았으나, 도미에의 작품에서 결정적인 영향을 받았다. 1848년 살롱에 출품한 《곡식을 키질하는 사람》(루브르미술관 소장)은 그 후 농민생활을 그리는 최초의 계기가 되었다)만년에는 사회적으로도 인정받아 화가로서의 영광을 누렸으며, 1868년 프랑스의 최고훈장인 레종 도뇌르 훈장을 받았다.

▶ 주요 작품
《씨 뿌리는 사람》(1850) 《이삭줍기》(1857) 《걸음마》(1858) 《만종》(1859) 등은 발표 당시부터 주목을 끌었으며, 만년의 가작 《봄》에는 빛의 효과에 있어서 인상파를 예고하였다. 그 밖에 《우유 짜는 여인》《저녁기도》《실 잣는 여인》《괭이 가진 남자》《젊은 어머니와 아기》 등이 있고, 소묘와 판화 등의 작품도 많다

<이삭 줍는 여인들>

추수가 끝난 글판에서 세 여인이 남은 이삭을 줍고 있다. 주울 수 있는 이삭의 양은 기껏해야 얼마 되지 않았지만, 그 조차 지주의 허락을 받아야 가능한 일이었다. 이는 농촌에서의 삶에서 가장 드라마틱한 장면을 보여주고 있는 작품이지만,

여기에는 다른 화가들이 대중에게 제시해왔던 목가적인 이상향과는 거리가 먼 삶의 냉혹함이 담겨 있다. 밀레는 사실 주의적인 표현으로 장면을 묘사하는 동시에 영웅적인 위대함도 부여한다. 작품에 강조된 여인들의 숭고함은 그림을 보는 이들이 그들에게 갑싼 동정심을 보낼 수 없도록 만든다.

<만종>

<이삭 줍는 여인들>은 1857년 살롱에 출품되어, 평단과 대중으로부터 강한 비판을 받았다. 비판은 주제 자체에 관한 것이라기보다(농촌의 삶이라는 주제가 살롱에서 이처럼 격렬한 비난에 직면하게 된 것은 전례가 없는 일이었다), 지극히 사실적으로 표현된 여인들의 모습에 관한 것이었다. 당시 언론은 야외 노동으로 인해 붉게 탄 여인들의 거친 몸과 손에 주목했다. 현실에 대한 태도는 분명 같은 시기의 귀스타브 쿠르베에 비해 덜 공격적이었지만, 어쨌든 이 작품이 사회적인 주제와 현실을 바라보는 또 다른 시각을 통해 대중에게 다가갔던 것만은 분명하다.

배경에는 추수 작업을 끝내가는 g한 무리의 농부들이 보인다. 추수한 밀을 가득 실은 운반마차와 높이 쌓아올린 단은 땅에 떨어진 이삭을 주워야만 하는 여인들의 초라한 수확과 극명한 대조를 이룬다. 여인들의 뒤로 펼쳐지는 농촌 풍경과 배경에 보이는 하늘은 풍경화가로 잘 알려진 밀레의 재능을 유감없이 보여준다.

장시간의 노통으로 인해 이삭을 줍는 여인들의 손은 붉게 타고 갈라진 모습이다. 밀레는 이 세 여인의 피곤에 지친 몸과 굽은 어깨를 묘사함으로써 이들이 겪어야 했던 고된 삶을 대중들에게 적나라하게 드러낸다( 때문에 이 그림은 ‘가난의 세 여신’이라는 이름으로 불리기도 했다.)그러나 한편으로 그는 세 여인의 숭고함과 도덕적 정신성을 강조하여 동정심이 끼어들 여지를 남겨놓지 않는다.

밀레는 바르비종파의 일원이었다. 그러나 그의 관심은 풍경보다는 농촌에서의 삶에 있었다. 그의 작품 속에 나타나는 일하는 농부들은 목가적인 이상과 현실의 객관적 반영이라는 가치 사이에서 적절한 균형을 유지한다. 당시 낭만주의의 흐름은 밀레의 화면구성에도 스며들어 있는데, 화면 속 비참한 일상의 모습을 보편적인 이미지로 고양시키는 반시간적인 분위기가 이를 잘 보여준다.

*바르비종파: 19세기 중엽 프랑스에서 활동한 풍경화가의 집단.

<더 많은 그림을 보시려면>

피리부는 소년, 프랑스 인상파의 아버지 에두아르 마네(Edouard Manet [1832.1.23 ~ 1883.4.30])

Mon, 08 Feb 2010 19:25:20 +0900

“당신은 그들이 생각하는 것과 전혀 다르다고 큰 소리로 얘기하십시오.” 졸라는 마네에게 격앙된 어조로 편지를 썻다.

“당신은 경탄할만한 방법으로 위대한 작품을 창조하였으며 열정적으로, 그리고 혁신적인 기법으로 빛과 그늘의 진실, 사물과 피조물의 실체를 표현했습니다.”

소설가 에밀졸라는 에두아르 마네의 작품을 여러 차례, 공공연히 옹호하였으며, 당시 비평가와 대중들에게 혹평을 받았던 <올랭피아>와 <피리 부는 소년>에 찬사를 보냈다. 마네는 졸라가 보여준 우정과 이해에 대한 보답으로 이 유명한 작품을 제작했다.

에밀 졸라는 책상 앞에서 앉아 허공을 응시하고 있으며 그의 손에는 책이 한 권 펼쳐져 있다. 그가 문학가라는 사실을 보여주는 것은 무표정한 얼굴이나 정적인 포즈가 아니라 그를 둘러 싸고 있는 주변의 사물들이다.
화면 속에는 여러 책과 소책자들이 무심하게 흩어져 있고 에밀 졸라가 마네를 옹호하기 위해 쓴 팸플릿과 함께 벽에는 마네의 <올랭피아>가 걸려 있다.

<에밀 졸라의 초상> 1968년_에두아르 마네

마네의 명작 옆에는 일본판화 한 점과 벨라스케스 작품의 사본이 보인다. 이 세 작품들은 졸라가 자신의 글을 통해 피력했던 마네의 예술론에 대한 해석을 상징한다. 여러 가지 사실들을 종합해 볼때, 이 그림은 단순한 초상화 이상의 의미를 담고 있다. 이 작품은 예술적인 교감을 나누었던 졸라에 대한 오마주인 동시에 그의 친구 졸라의 이상을 통해 표현한 마네 자신의 자화상이기도 하다.

바지 안쪽 옆에 있는 줄무늬가 인물의 편화 현상을 가져온다. 피리부는 소년은 검은 색 윤곽으로 둘러싸여 배경에서 따로 떨어져 나온 듯하다. 단순한 구성과 이차원적인 화면으로 인해 그림은 마치 트럼프 카드 혹은 에피날 이미지(19세기 성행했던 채색판화)같아 보인다.

<올랭피아>가 야기한 스캔들로 인해, 1886년 살롱의 심사인단은 <피리 부는 소년>을 낙선시키기로 결정했다. <피리 부는 소년>은 마네가 스페인 여행에서 돌아온 후 벨라스케스와 고야의 작품을 모델로 하여 제작한 것으로 마네의 작품 중에도 걸작으로 손꼽힌다.

작품의 모델은 마네의 친구인 르조슨 사령관이 그에게 데려온 황제친위대의 피리 부는 소년이다. 모델이 나이가 어린 소년이고 화면구성이 매우 단순함에도 불구하고, 마네는 커다란 크기의 화폭에 마치 공식 초상화를 그리듯이 주제를 표현해냈다. 사실적으로 생생하게 묘사된 소년은 화면 중앙에 당당한 모습으로 서 있으며, 색채의 표현 역시 단순화되어, 모자 위의 노란색을 제외하고는 전적으로 붉은색,검은색, 그리고 흰색의 대비 효과에 의존한다. 종종 트럼프 카드와 비교되곤 하는 이차원적 이미지에 깊이감을 부여하는 것은 소년의 발 아래에 생기는 그림자이다. <피리 부는 소년> 1866년_에두아르 마네

<막시밀리언의 사형 집행> 에두아르 마네

위대한 스페인의 회화 전통 이외에 이미지의 편화에 영향을 준 중요한 요인으로 지적되는 것은 바로 일본미술이다. 일본판화의 선형적 도안은 당대의 화가들에게 광범위하게 영향을 미쳤다.

<풀밭 위의 점심> 1863년 에두아르 마네

1863년 살롱의 심사는 대단히 엄격했다. 출품된 작품의 3/4이 거절당했고, 황제 나폴레옹 3세는 이 작품들에 대해 따로 ‘낙선전’이라는 이름으로 전시회를 열기로 결정했다. 낙선전에 전시된 작품들 중에는 제임스 맥닐 휘슬러, 앙리 팡탱 라투르, 그리고 에두아르 마네의 작품들이 속해 있었고, 엄청난 스캔들을 불러일으킨 이 <풀밭 위의 점심식사> 역시 이 작품들 가운데 하나였다. 티치아노의 <전원음악회>와 라파엘로의 <파리스의 심판>으로부터 영감을 얻어 제작된 <풀밭 위의 점심식사>에는 화면 뒤쪽의 여인을 제외하고 두 명의 남성과(이들 중 한명이 마네의 동생 외젠이다.) 그가 아끼던 모델 빅토린 뫼랑이 등장한다.

마네의 작품이 갖고 있는 탁월함과 진보적 성격을 알아볼 수 없었던 비평가와 대중들은 작품이 불경스럽고 무례하다고 생각했다. 화면 속 두남자가 입은 옷은 당시 유행하던 스타일이었지만, 당시 분위기는 도저히 이 작품을 용납할 수 없었다. 마네는 <풀밭 위의 점심식사>를 제작하는 동안 이 작품이 이토록 커다란 스캔들에 휩싸이리라는 것을 전혀 예상하지 못했다. 그는 16세기 거장들의 작품을 모티브로하여, 고전과 근대가 공존하는 작품을 창조하려 했을 뿐이었다.

화면 속 인물들의 포즈는 라파엘로의 <파리스의 심판>을 묘사하여 제작한 마르킨토니오 라이몬디의 판화에서 따온 것이다. 그러나 마네가 진정한 모델로 생각했던 것은 16세기 베네치아 거장들의 작품, 그중에서도 특히 티치아노의 <전원음악회>였다.

마네는 부지런히 루브르를 드나들며 오래된 거장들의 작품에 대해 연구했다.

여인은 관객을 바라보며, 마치 관객들에게 도전하는 듯 보인다. 흔들림 없는 그녀의 시선에서 나체로 있는 것에 대한 부끄러움은 찾아 봇 수 없다. 이와 같은 여인의 모습은 작품을 둘러싸고 일어난 스캔들을 더욱 크게 만들었다. 고대의 언어를 근대의 문법으로 풀어낸 마네의 능력과, 이 작품의 탁월함을 알아볼 수 있는 사람은 소수에 불과했다.

에두아르 마네는 정물의 ‘회화의 시금석’, 즉 훌륭한 화가가 되기 위해 반드시 거쳐 가야 할 시험대라고 생각했다. 빅토린의 옷 위에서 쏟아져 불밭 위로 흩어진 식사의 흔적들, 즉 빵과 과일바구니, 물병에 대한 세부묘사는 정물화 장르에 대한 마네의 특별한 재능을 잘 보여준다.

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<올랭피아> 1963년_에두아르 마네

<풀밭 위의 점심 식사>가 커다란 스캔들을 불러일으킨 후, 1865년 마네는 또 다시 이 강렬한 인상의 유화를 살롱에 출품했다. 마네의 <올랭피아>는 티치아노가 그린 비너스를 본 뜬 것으로, 마네가 이 작품을 <병사들에게 능욕당한 그리스도>와 함께 살롱에 출품한 것이, 비너스의 그림을 <가시면류관을 쓴 그리스도>와 께 칼 5세에게 바친 베네치아 화파의 거장 티치아노를 염두에 둔 것이었는지는 확실하지 않다.

당시 아카데미 취향의 누드화에 대한 마네의 반발이 드러난다. 이번에도 마네의 모델이 된 것은 빅토린 뫼랑이었다. 모델의 뚜렷한 개성, 편안한 포즈, 뻔뻔하고 오만한 시선, 전혀 이상화되지 않은 나체의 적나라함, 당시 유행하던 장신구는 보는 이로 하여금 작품 속이 상황이 마치 당대의 일인 것 처럼 느끼게 했다.

당시 ‘올랭피아’는 창녀들이 가장 흔히 사용하던 예명이었으며, 게다가 여인의 발치에 있는 검은 고양이의 모습은 <올랭피아>를 대중과 비평가들에게 용서받지 못할 작품으로 만들어 버렸다. 마네의 친구이자 지지자였던 에밀 졸라는 작품 <올랭피아>는 마네가 가진 화가로서의 재능을 가장 잘 보여주는 작품이다. 무엇보다 밝은 색조와 어두운 색조를 적절히 배치하는 능력, 어두운 색조의 미묘한 뉘앙스를 자유자재로 표현하는 능력이 돋보인다. 그의 세련된 색채 구사는 배경의 색채 배합에서 정점에 이른다. 그림의 주인공에게 꽃다발을 건네는 흑인 여성이 검은색 배경으로부터 따로 떨어져 나온 듯 보이는 것은 이 같은 섬세한 색조의 차이 때문이다.

<보르도의 항구>

<더많은 그림을 보시려면>

소소하고 편안한 삶을 그린 인상파 화가 - 오귀스트 르누아르 [Auguste Renoir]

Fri, 05 Feb 2010 17:59:27 +0900

도시의 무도회

1878년 이후 느루아르는 인상주의 양식에 혁신을 가져올 새로운 기법들을 연구하기 시작했다.
그는 인상주의 그룹과 거리를 두고 살롱으로의 길을 선택했다. <아이들과 함께 있는 샤르팡티에 부인의 초상>(뉴욕 메트로폴리탄 미술관 소장)은 그가 전통으로 회귀했음을 확실히 보여주었던 작품으로, 이를 통해 이미 살롱의 시선은 그에게 호의적으로 바뀌어 있었다.

르누아르는 1882년 인상주의 전시회에 이의를 제기하며 불참을 선언했는데, 이 같은 진보적인 이유 또한 동시에 가지고 있었다.
전자는 르누아르의 표현대로 그를 '앞이 보이지 않는 길'로 인도했던 인상주의의 위기와 관련된 것이었으며, 후자는 시장성 있는 작품을 그려야 한다는 절박한 현실적 요구였다.
이 두 점의 회화 <도시의 무도회>와 <전원의 무도회>는 르누아르가 인상주의와 고전주의 예술 사이에서 균형을 유지하고 있던 양식의 변환기에 그려진 작품이다.

-도시의 무도회- 1883년
화면 속 우아한 여인의 모델은 당시 미술계에서 유명한 인물이었던 쉬잔 발라동이었다.
그녀는 모리스 위트릴로의 어머니로, 르누아르에서부터 툴루즈 로트렉에 이르기까지 많은 화가들의 모델이 되었으며, 후에 화가로 전향하였다.

화면구성이나 주제의 선택에서 인상주의적인 부위기가 드러나는 한편, 선의 표현에 있어서는 앵그르와 라파엘로의 고전주의 회화로 복귀하고자 하는 화가의 의지가 엿보인다.

-앙드레의 집에서 본 로덩의 풍경-

르누아르는 "1883년 즈음에 내 작품에는 일종의 단절이 일어났다.", "나는 이전에 인상주의 양식을 쫓았으나, 내가 그림을 어떻게 그리는지, 데생을 어떻게 하는지조차 모르고 있었다는 결론에 도달했다."고 말했다.

활기가 넘치는 전원 무도회 장면을 담고 있는 작픔으로, 우아한 분위기와 복합적인 양식의 작품<도시 무도회>와는 대조를 이룬다. <도시의 무도회>와 마찬가지로 화면 속 남자의 모델이 된 것은 폴 로트였지만, 흰색 드레스를 입고 매력을 뽐내던 쉬잔 발라동의 모습은 르누아르의 연인인 알린 샬리고로 바뀌었다. 풍만한 신체를 가진 알린의 아름다움은 부드러운 선으로 인물의 형태와 양감을 강조하는 고전 회화의 경향으로부터 영향을 받은 것으로 추정되며, 이것이 화가가 추구하던 새로운 양식에 완벽함을 더한다.

-토르소_빛의 효과 습작-

이탈리아를 여행하면서 르누아르는 인상주의자들이 아카데미 취향과 가깝다고하여 거부했던 고전 회화에 눈을 뜨게 되었다. 르누아르는 그의 친구 샤를팡티에 부인에게 쓴 편지에서 "라파엘로를 보고 싶어 열병이 날 지경이다."라고 기술했다.

80년대에 그려진 르누아르의 작품에는 양식 면에 있어서 진보적인 변화가 두드러지게 나타난다. 그것은 고전 회화의 전통에 충실한, 단순하고 견고한 형태를 향한 변화인데, 그 안에서 선은 형태를 결정하는 중요한 요소로 작용한다.

-갈렛풍차의 무도회-
르누아르는 다른 인상주의자들과 마찬가지로, 휴일의 연회에서부터 극장 관람석에 이르기까지 중산층의 삶을 다룬 주제에 커다란 관심과 애정을 가지고 있었다. 친구들과 만나 즐겁게 춤을 추는 모습이나 테이블에서 일상적인 대화를 나누는 모습 등 19세기 후반 파리의 휴일 정경을 이토록 생생하게 보여주는 작품은 얼마 되지않는다.

파리의 시민들은 야외에 테이블을 마련하고 춤과 웃음으로 휴일의 시간을 만끽했다. 르누아르는 대단히 빠른 필치로 찰나의 순간을 포착아여, 순간의 들뜬 감정이나 생동감을 놓치지 않고 화면에 담았다. 능수능란한 색채의 사용 또한 화면에 생동감을 부여하는 요소이다.

모네,시슬레와 마찬가지로 르누아르 역시 빛과 그늘의 표현, 그리고 변화하는 대기의 표현에 매료되었다. 나무들 사이로 쏟아지는 햇빛은 손님들의 얼굴과 의상을 비추고 지면의 얼룩을 만들어낸다. 빛의 효과에 대한 연구는 인상주의 회화기법의 가장 기본적인 요소였다.

1877년 인상주의 전시회에 전시된 <갈렛풍차의 무도회>는 르누아르의 가장 유명한 작품 중 하나이며, 동시에 인상주의와 관련된 르누아르 회화의 특성을 잘 보여주는 작품이다. 작품의 주제는 어느 일요일 오후,파리 시민들이 가장 많이 찾는 몽마르트르의 무도회장 '물랭 드 라 갈레트'의 유쾌한 정경이다. 르누아르의 친구들이 작품을 위해 모델이 되었고, 모든 작업은 근처의 야외 정원에서 이루어졌다.

르누아르는 빠른 붓놀림과 빛의 효과를 표현하는 특별한 능력으로, 즐겁고 들뜬 분위기를 놀라울 정도로 생생하게 화폭에 담아냈다. 작품의 생생한 사실성으로 인해 그림을 보는 이는 마치 화면 속에서 사람들의 떠들썩한 소리, 옷깃이 스치는 소리, 그리고 배경에 깔리는 음악의 리듬이 실제로 들려오는 것 처럼 느끼게 된다.

-아니에르의 세네강-

풍경 묘사를 특히 즐겼던 친구 모네, 시슬레, 피사로와는 달리 르누와르는 인물의 묘사에 보다 큰 관심을 가지고 있었다. 이 작품에서 르누아르의 의도는 집단 초상화를 그리는 것이 아니라 일상생활의 한 장면을 화폭에 담음으로써 영속성을 부여하는 데 있었지만, 그럼에도 불구하고 우리는 작품을 통해 그가 그를 위해 포즈를 취해준 친구들의 표정을 묘사하는데 상당한 주의를 기울였다는 것을 알 수 있다.

-피아노 치는 두 소녀-

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[야수파] 삶과 그림을 사랑한 화가 - 마티스

Wed, 03 Feb 2010 20:37:44 +0900

아이와 함께하는 그림 이야기

삶과 그림을 사랑한 화가 - 마티스

앙리 마티스의 그림은 눈을 즐겁게 하는 화려한 색깔로 이루어져 있어요.
그 색들은 마치 스스로 살아 움직이는 듯 보입니다.

▲ 앙리 마티스 <달팽이>

당시의 다른 화가들은 마티스의 작품이 지나치게 밝고 대담하다고 생각했어요.
그래서 마티스와 마티스처럼 그렸던 화가들을 "야수파"라고 불렀어요.
마치 "야수"를 그려 놓은 것 같다고 놀려 댔지요.

▲ 앙리 마티스 <왕의 슬픔>

마티스는 그림이 지친 하루로부터 쉴 수 있는 안락의자 같아야 한다고 생각했어요.
그는 무엇보다 아름다운 여인들을 그리는 것을 좋아했지요.
여인들은 흔쾌히 그의 모델이 되어주었어요. 마티스는 풍성하게 자란 식물과 꽃, 독특한 무늬의 천으로 방을 꾸며 놓았습니다.

▲ 앙리 마티스 <춤>

색채의 춤
부유한 미술 애호가이자 수집가인 세르게이 슈츄킨은 러시아 모스크바에 있는 자기 별장에 걸기 위해 마티스에게 큰 그림 세 점을 그려 달라고 부탁했어요.
<색채의 춤>은 그 그림 가운데 하나 입니다.
춤추는 즐거움과 사람들의 날아오르는 듯한 움직임이 대비되는 강렬한 색채 속에 잘 어우러져 있어요. 마티스는 색은 단순할수록 사람들의 마음에 더 깊이 파고든다고 생각했어요.

마티스는 그림을 그리는 솜씨가 뛰어났지만, 나이가 들어서는 또 다른 독특한 기술을 만들었어요. 마티스는 그 기술을 "가위로 그리기"라고 불렀지요.
마티스가 원하는 색을 조수들이 종이에 칠하면, 그는 도형, 식물, 동물 같은 다양한 형태를 밑그림도 그리지 않고 바로 오려 냈어요. 마티스는 그 형태들로 선과 색채가 멋지게 어우러진 커다란 작품들을 만들었지요.

▲ 앙리 마티스 <분홍 작업실>

▲ 앙리 마티스 <연보라색의 드레스>

마티스는 72살 때 암으로 큰 수술을 받았어요. 의사에게 작품을 마무리할 수 있게 몇년만 더 살게 해 달라고 애원할 정도로 그림 그리기를 좋아했지요.
마티스는 다 나은 뒤에도 오랫동안 서서 그림을 그릴 수가 없었어요. 그래서 누워서나 앉아서도 쉽게 할 수 있는 종이 오리기를 시작하게 되었답니다.

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[이안아트] 이안아트 갤러리 브로셔 소개

Tue, 02 Feb 2010 12:39:29 +0900

IAANART
ART & GALLERY

이안아트 갤러리 브로셔, 팜플렛 소개

이안아트 갤러리의 모든 것을 한눈에 볼 수 있는 브로셔입니다.
홈페이지 문의 게시판을 통해
연락처와 성함을 남겨주시면 브로셔, 팜플렛을 보내드립니다.

<신청하기>

▲ 이안아트 갤러리 브로셔, 팜플렛입니다.

▲ 이안아트 갤러리 브로셔는 총10 장으로 이루어져 있습니다. 갤러리 소개, 약도, 작품 소개등 이안아트 갤러리에 대한 모든 사항들이 기재되어 있습니다.

▲ 갤러리에서 제작 가능한 각종 명화 리플리카들을 작가별로 보실 수 있으며, 명화의 제작방식도 소개되어 있네요.

▲ 드가, 고흐, 세잔,.. 등 많은 작가들의 명화를 소개하는 페이지 입니다.

▲ 명화외에도 국내 활동작가님들의 동양화, 유화 작품이 소개되어 있습니다.

▲ 그림 전시에 관한 전반적 사항에 대해 상세히 의논해드립니다.

▲ 필요하신 모든 분들께 우편으로 보내드립니다.

<이안아트 갤러리 브로셔 - 신청하기>

학교에 어울리는 그림 ? - 교육용 세계 명화, 리플리카 소개

Thu, 28 Jan 2010 17:33:47 +0900

IAANART
ART & GALLERY

교육용명화 리플리카 소개

|캔버스에 활동작가의 유화 붓터치로
뚜렷한 질감처리와 원화의 느낌을 그대로 복원합니다.

명화복제는 세계 유명작가의 작품을 그대로 재현한 작품으로
캔버스천에 전문화가가 붓터치를 넣어 원작을 보는 듯한 느낌이 듭니다.

▲ 활동작가님께서 명화의 사실적인 붓터치를 재현합니다.

|유명작가의 명화이름표와 교육용 작품설명서가 함께 전시됩니다.

작가명과 작가의 연대가 기록된 명화 이름표와
학생들이 쉽게 이해할 수 있도록 제작된 교육용 작품설명서가 함께 전시됩니다.

▲ 명화 이름표입니다. 작가명과 작가 연대가 적혀있습니다.

▲ 교육용 작품설명서입니다. 해당 작품의 배경, 화가의 배경, 연대 등 이해하기 쉬운 작품 설명이 적혀있습니다.

▲ 작품이 전시된 예입니다. "모네" 의 "책 읽는 여인" 이라는 명화와 명화이름표, 작품설명서 액자가 함께 전시되어있네요.

|전시사례

▲ 언북초등학교 전시사례입니다.

▲ 인창중학교 전시사례 1

▲ 인창중학교 전시사례 2

▲ 인창중학교 전시사례 3

▲ 성수고등학교 전시사례입니다.

<이안아트 방문하기>

바실리 칸딘스키 빛이번쩍이는 아름다운 추상

Thu, 21 Jan 2010 16:02:20 +0900

<인상-제4번>

이 화면에 무엇이 그려져 있는지를 알아보기는 그리 어렵지 않다. 우리 눈앞에는 우선 화면 가운데 크게 크로로즈업된 말과 기수의 모습이다. 사람도 동물도 불필요한 세부는 무시되고 굵고 검은 윤곽선으로 대담하게 표현되어 있는데, 고개를 숙이고 가만히 서 있는 말에 당당하게 올라앉아 주위에 군림하고 있는 인물의 모습은 생생한 붓의 자취를 뚜렷이 보여주는 채색의 효과에 의해 한층 강한 인상을 준다. 그 뒤쪽에는 여러 가지 길거리 풍경이 보인다. 중앙의 뒤쪽에는 삼각형의 박공이있는 신전 비슷한 건물이 있고 말을 탄 인물 뒤로 굴뚝 같은 것이 보인다. 화면 왼쪽에는 뒤로 이어진 흰 벽이 그려져 있고 그 앞에서 두 사람이 무언가 이야기를 하면서 걷고있다. 오른쪽 말의 엉덩이 쪽에도 인물이 몇 사람 서 있고 그 위에 빨강과 주황색으로 그려진 둥근 형태가 비누방울처럼 몇 개 떠 있다. 이 작품은 횃불행렬이라는 별명으로도 불리는데, 그것은 이 비누방울 같은 둥근 형태가 여러 사람이 들고 횃불을 연상시키기 때문일 것이다. 사실 조각상처럼 가만히 움직이지 않는 중앙의 말과 인물이 주는 묵묵한 고요함에 대하여 이 횃불들은 어딘가 떠들썩한 움직임을 화면에 주고 있다.

<바실리 칸딘스키>

바실리 칸딘스키는 모스크바에서 부유한 상인의 아들로 태어났다. 처음 유화를 그린것은 열세 살 때였다고 전해지는데 그러나 처음에는 법률을 공부하려고 모스크바 대학에 다녔다. 그가 진지하게 화가를 지망하게 된 것은 대학에 다니던 중 러시아 시골의 법률 제도를 조사하기 위한 현지 도사 때문에 각지를 방문했을 때 지방에서 옛날부터 전해지는 민속 예술의 실례를 접하고 깊이 감동했기 때문이다. 어쨌든 1895년 모스크바에서 프랑스 인상파전을 보고 모네의 짚더미에 충격을 받았을 무렵에는 이미 화가가 될 결심을 굳히고 있었다.

“어느 날 생각에 잠긴 채 스케치에서 돌아와 아틀리에 문을 여는 순간 나는 갑자기 무어라고도 말할 수 없는 이상한 아름다움으로 번쩍이는 그림 한 점을 발견했다. 나느 깜짝 놀라 발을 멈추고 그 그림을 가만히 바라보았다. 그것은 전혀 주제가 없는 그림으로, 얼른 보아 무엇인지 알 수 없는 대상이 그려져 있고 전체가 밝은 색채의 반점으로 이루어져 있었다. 그러나 좀더 가까이 다가가서 보고는 마침내 그것이 무엇인지 알았다. 그것은 이젤 위에 옆으로 눕혀 놓은 내 그림이었던 것이다” -칸딘스키의 회고록 中

자기의 그림에서 객관성이라든가 어떤 대상의 묘사라는 것은 불필요할뿐더러 오히려 방해가 된다는 것을 깨달았다. 말할 나위도 없이 그것은 화면에서 대상을 제거해 버리는 추상회화의 출발점이었다.

그는 예술이 단순한 장식과 구별되기 위해서는 예술가의 감동에 바탕을 둔 내적 필연성이 있어야 한다고 생각했다. 뛰어난 감수성을 타고난 동시에 매우 지적인 예술가이기도 했던 칸딘스키는 일찍부터 그 생각을 명확한 이론의 형태로 표명했다. 즉 칸딘스키에 따르면 예술 작품이란 내적 요소라는 두 가지 요소로 이루어진다. 내적 요소란 예술가의 혼이 느낌 감동이며 예술가는 그 감동을 감각을 통해 작품으로 조형화 한다. 한편 관객은 역으로 그 조형화된 작품을 자기의 감각으로 받아들여 자기의 혼 속에서 예술가가 느낀 것 같은 감동을 체험한다. 이 쌍방의 감동이 없으면 예술은 성립하지 않는다. 이점에서는 회화 예술도 음악과 똑같아서 둘 다 전달에 지나지 않는다.

만약 예술 작품이 그러한 것이라면 예술가는 감각을 통해 자기 영혼의 감동을 표현하여 보는 사람의 영혼에 호소하도록 하는 외적 요소를 찾아내야한다. 그리고 마치 음악에서 음률이 어떤 현실의 소리를 재현하고 있지 않더라도 듣는 사람의 영혼에 호소할 수 있듯이, 색채나 형태도 그 자체만으로 직접 보는 사람에게 호소할 수 있다. 여기에서 추상예술이 성립의 이론적 근거를 얻게 된다.

칸딘스키가 자기의 이론을 전개하면서 종종 음악과의 유사성을 끌어들였다는 것은 그의 작품을 이해하는데 중요한 열쇠를 제공해 준다. 사실 외계의 자연을 재현하지 않고 순수하게 감각적인 요소를 영혼의 감동을 불러일으키려는 추상회화의 야망은 음악의 세계에서는 처음부터 달성되어 있는 것이다. 칸딘스키 혼자만이 아니라 쿠프카나 피카비아나 들로네 등 초기에 추상회화를 추구한 사람들이 종종 음악의 범례를 회화에 적용하려 했던 것은 어떤 의미에서는 당연하다고 하겠다.

사실 칸딘스키에게 색채는 어떤의미에서 음가의 음과 같은 것이었다. 그는 자신이 특히 좋아하는 파랑에 관하여 다음과 같이 말하고있다.
“음악적으로 말한다면 옅은 파랑은 플루트와, 짙은 파랑은 첼로와 비슷하다. 그리고 더 짙은 파랑은 콘트라베이스를 연상시킨다. 그리고 일반적으로 말해 파랑은 그 깊이와 장중암에서 파이프오르간의 저음부의 울림과 닮았다.”

이러한 음악적 효과는 색채만이 아니라 형태나 구도에서도 찾아볼 수 있다. <인상-제4번>에서 우리가 앞에서 햇불이라고 생각했던 저 비누방울 같은 둥근 형태는 중앙의 무거운 형태에 대해 경쾌한 리듬을 도입하여는 순수하게 조형적인 배려에 따른 것이라고 생각할 수 있다. 또한 배겨에서 건물이나 벽과 같은 건축적 요소를 그리면서도 완전한 수평선이 하나도 없는 이 화면에서는 굵어졌다 가늘어졌다 하며 자유로운 변모를 보이는 검은 윤곽선이 각기 독자적인 정감과 긴장감을 지니면서 다채로운 선율처럼 화면을 뛰어다니고 있다. 그리고 사실 이 화면의 말 등에서 엉덩이에 이르는 강한 호선은 즉흥 시리즈의 마지막에 등장하는 완전히 추상적인 <검은 호선이 있는 작품> 등에 그대로 등장한다.

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[동양화,산수화,한국화]의 아름다움

Wed, 20 Jan 2010 17:58:22 +0900

일지의 맹호도

향묵의 죽

성촌의 대나무

매헌의 목동

소산의 산수화

운현의 산수화

예진의강가

우진의 포도

신곡의 산수화

미당의 산수

육당의 잉어

운제의 산수화

성촌의 닭

석지의 산수화

운봉의 산수화

매헌의 흑돼지

풍속도

옥천의 죽

해산의 오리

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