육각망치

전세계의 특이한 건물들

Tue, 18 Aug 2009 16:51:12 +0900

복잡 미묘하게 삐뚤어진 하우스 (Sopot, 폴란드)

Hundertwasser 빌딩 (다름슈타트, 독일)

바구니 빌딩 (오하이오, 미국)

캔사스 시티 도서관 (미주리, 미국)

거꾸로된 집 (, 테네시, 미국)

Habitat 67 (몬트리올, 캐나다)

큐빅 하우스 (로테르담, 네덜란드)

바위에 있는 예배당 (애리조나, 미국)

춤추는 빌딩 (프라하, 체코)

주전자 하우스 (텍사스, 미국)

맨체스터 민사 법무 센터 (맨체스터, 영국)

캡슐 타워 (도쿄, 일본)

스톤 하우스 (Guimarães, 포르투갈)

신발 하우스 (펜실베이니아, 미국)

UFO가 하우스 (Sanjhih, 대만)

구멍난 하우스 (텍사스, 미국)

국립 중앙 도서관 (민스크, 벨로루시)

그랜드 리스본 (마카오)

구겐하임 박물관 (빌바오, 스페인)

컨테이너 시티 (런던, 영국)

하우스 어택 (비엔나, 오스트리아)

공군 사관 학교 채플 (콜로라도, 미국)

솔라 하우스 (Odeillo, 프랑스)

베이징 국립 경기장 (베이징, 중국)

패션쇼 몰 (라스베이거스, 미국)

룩소르 호텔 & 카지노 (라스베이거스, 미국)

시빅 센터 (산타 모니카)

작은 오이를 닮은 빌딩 (런던, 영국)

노르 링컨 버로우즈 빌딩 (하노버, 독일)

후지 TV 건물 (동경, 일본)

UCSD Geisel 도서관 (샌디에고, 캘리포니아, 미국)

The Bank of Asia a.k.a 로봇 빌딩 (방콕, 태국)

오피스 센터 (카우 나스, 리투아니아)

참조
http://gawno.com/2009/06/55-strange-buildings-of-the-world/

[영상] 외관이 변하는 기묘한 건물들

Fri, 10 Jul 2009 11:10:27 +0900

건축물을 이루는 미적가치, 구조적가치, 기능적가치는 때때로 서로를 배척하기도 하지만 때로는 서로 어울리기도 합니다. 아래의 건물은 미적가치와 기능적가치가 어울리는 경우라고 볼 수 있을 것 같네요.

오스트리아의 'Kiefer technic showroom'라고 합니다.

단순히 외관이 변한다기 보다는 채광양도 변하는 등 기능적 효과도 있는 디자인이라고 보아야겠네요.

FLARE 시스템이라고 하는데,
사면이 밖으로 드러난 조각을 건물에 부착하여 전기적 장치로 움직입니다.
그래서 빛을 받느냐 그렇지 않느냐에 따라 다양한 패턴을 보여주는 것입니다.
물론 밤에는 제대로 안보이겠군요.

이러한 장치 역시 태양면에 어떻게 접촉하느냐에 따라 건물 내부 온도 조절에 영향을 줄 수 있을 것 같으며
온도차에 의한 자연적 공기 순환도 가능한 시스템으로 보이는군요.

[영상] 퀸의 보헤미안 랩소디

Sun, 03 Jan 2010 19:29:11 +0900

잊혀진 옛 장비들이 부르는

보헤미안 랩소디

[영상] 헤이 쥬드 맛깔나게 부르는 꼬마

Fri, 10 Jul 2009 10:56:45 +0900

Hey Jude Kid

전쟁 무기도 때로는 아름답다 #2

Sun, 03 Jan 2010 19:28:47 +0900

전쟁의 도구로 쓰이지만

때로는 이렇게 아름다울 수 있습니다.

(image : http://www.darkroastedblend.com/2007/06/jets-clouds-effects.html)

별 모양의 요새도시가 만들어진 이유

Fri, 10 Jul 2009 10:10:53 +0900

Bourtange, 네델란드

오늘 날에는 하나의 도시로 밖에 보이지 않는 이 곳들은 사실상 예전에는 성벽으로 둘러쌓인 요새였던 곳입니다. 일반적으로 해자와 성벽으로 둘러싼 도시라면 원형을 생각하기 쉬운데 이렇듯 괴이한 모습의 도시가 등장하게 된 이유는 무엇일까요? 심미적 기준? 이렇게 높은 곳에서 바라보아야만 그 진가가 드러나는데 그 때문에 만들었다고 보기는 힘듭니다. 그럼 종교적 상징? 전쟁터에서 그러한 것을 찾기는 힘들겠습니다. 그럼 대체 무슨 이유 때문이었을까요?

이러한 별모양의 요새 건축이 나타난 시기는 15세기 중반부터입니다. 바로 흑색화약과 대포가 등장하면서부터입니다. 이제 점차 감이 옵니다. 기존 요새건축의 경우 원형으로만 구축되어 있어 공격하는 측은 어디에서 공격하더라도 성벽과 수직으로 맞붙게 됩니다. 즉, 대포와 같은 공성병기가 성벽을 가격할 때 가장 큰 충격이 가해지는 형태의 건축물이라는 사실입니다. 그것을 보완하기 위해 다각형의 구조형태, 한쪽 성벽을 다른 한쪽이 보호해 줄 수 있는 다각형의 형태로 진화한 것이 이와같은 별모양의 요새가 탄생하게 된 배경입니다. 포탄이 성벽을 비스듬하게 때리면 당연히 그 힘은 분산될 수 밖에 없습니다. 마치 경사장갑을 채택했던 T-34에 대포를 날려봐야 비껴나갈 수 밖에 없듯 말입니다. 그렇다고 수직으로 공격하기 위해서 각도를 조절하다보면 다른쪽 성벽에 붙에 되어 오히려 그들이 공격을 받을 위험이 커지게 됩니다. 그 때문에 15세기 중반부터 만들어진 요새의 경우 이와같이 다각형 모양의 요새가 나타나게 되었습니다.

물론 지금은 그 독특한 모양새 때문에 관광지로 각광받고 있지만 말입니다.

고류카쿠(五稜郭), 일본 하코다테

Palmanova, 이탈리아

naarden, 네델란드

saint-martin-de-re, 프랑스

Almeida, 포르투갈

이후에 대포가 더 발달하게 되면서 요새 위주의 전투 역시 변화하게 됩니다만 그전까지는 이와같은 건축양식이 발달하게 되었던 것입니다.

reference
http://en.wikipedia.org/wiki/Star_fort
http://deputy-dog.com

러시아의 칼 공예품들

Fri, 10 Jul 2009 09:22:22 +0900

화약무기가 주를 이루는 현대에서는 칼과 같은 무기들은 사실상 공예품에 불과한지도 모르겠습니다. 물론 아직도 컴뱃 나이프가 만들어지긴 하지만 매우 특수한 경우에서만 사용되고 있지요. 본 포스팅의 사진들은 러시아 쪽의 칼 공예품 사진입니다. 칼 공예품이 화약무기로 인해 쇠퇴하여 발달했다고 생각하기 쉽지만 예로부터 있어왔었고 러시아에서는 1500년대 말부터 기록되어 있다고 합니다. 솔직히 말해서 청동기 시대의 칼도 제례용으로 쓰였다고 하지만 그것도 따지고 보면 제사장의 권위를 나타내기 위한 장식적 의미가 강했다고 해석할 수 있을 듯 합니다.

동양권에서는 검(양쪽에 날이 있는)을 주술적 의미를 부여합니다. 도교 계통에서 나타나는 복숭아로 깍아 만든 검이라던가, 엽적은 엮어 만든 검과 같이 종교적 의미를 부여하는 경우가 많은데 고래로 부터 내려온 상징적 의미가 남아 있어 그런게 아닐까 싶군요. 청동기 시대에 만들어진게 돌의 깍아 틀을 만들고 그 속에 녹인 청동을 부어 만든 것이기 때문에 매우 귀했고 또한 잘 부러졌기 때문에 무기로 사용되었다고 보기는 힘듭니다. 그건 나중에 철이 나오고 나서도 큰 변화가 없었다고 보여집니다. 철이 본격적으로 제련되고 무기로 각광받기 시작한 것은 한참 후의 일.

말이 길어졌는데 여튼 최근에도 무기공예품은 계속 나오는걸 보니 칼이 주는 매력은 그리 쉽게 사그라들지 않는듯 합니다.

무기 공예품 하면 또 빼놓을 수 없는게...

GOLD PPK

GOLD AK!

등이 있겠습니다.

물론 다마스커스강 나이프도 빼놓을 수 없겠지만요

reference
http://englishrussia.com

[Rock] Super Band - Blind Faith

Sun, 28 Jun 2009 01:27:25 +0900

"Super Cream"으로 불리웠던 그룹 : 블라인드 페이쓰 (Blind Faith)

문서출처: http://www.emh.co.kr/forum.pl?BlindFaith [이명헌경영스쿨] 이 문서를 게시하거나 프린트하려면 위 문서출처를 반드시 포함해야 합니다. (저작권정책)

'수퍼 크림'이라는 별칭이 붙었던 그룹입니다.
최고의 락밴드인 크림(Cream)의 해체에 아쉬워 하던 팬들에게 에릭 클랩튼과 진져 베이커, 여기에 그룹 트래픽(Traffic)을 통해 천재 뮤지션의 평판을 얻고 있던 건반주자 겸 보컬리스트 스티브 윈우드가 합친다는 소식은 그 자체만으로도 많은 상상을 불러 일으킨 이벤트였습니다. 비유하자면 메틀리카의 라스 율리히와 제임스 햇필드가 스티브 바이(또는 죠 새트리아니), 빌리 쉬핸과 팀을 만든 것 정도가 될까요? 그 정도로 센세이셔널한 사건이었습니다.

트래픽 활동을 통해서 리듬앤블루스 보컬을 특유의 바이브레이션 없는 매끈한 창법으로 훌륭하게 소화해냈던 스티브 윈우드의 보컬과 건반이 당대 최고의 뮤지션이랄 수 있는 에릭 클랩튼과 진져 베이커의 연주 위에서 어떻게 조화될 것인지 많은 기대를 모았던 밴드입니다.

비행기 모형을 들고 있는 소녀의 누드를 앨범 커버로 채택해서 논란이 되기도 했던 셀프 타이틀 앨범 "Blind Faith"는 대가들이 모여서 만든 앨범답게 제작 기간이 길지 않았음에도 독창적인 컬러를 갖고 있으면서도 매력적인 곡들이 많이 담겨 있는데요. "Sea of joy"나 "Can't find my way home" 같은 곡은 40여년이 지난 지금도 많은 인기를 모으고 있는 명곡이죠. 특히 "Sea of joy"는 크림풍의 도입부로 시작해서 스티브 윈우드의 해먼드 올갠과 팽팽한 보컬이 진져 베이커의 기교적인 드럼과 잘 어울린 곡으로, 에릭 클랩튼의 아르페지오 위에 얹힌 중반부의 아름다운 바이얼린 솔로는 트래픽의 포크적 정취와 크림의 락적인 면모가 최상의 조화를 이루고 있는 느낌을 줍니다.

Blind Faith - Sea Of Joy

이 앨범을 비롯해서 크림의 앨범을 들을 때마다 드는 생각은 에릭 클랩튼이라는 뮤지션이 정말 대단하다는 건데요. 요즘에는 거의 팝 스타라고 할 수 있을 정도로 편안한 모습으로 듣기 편한 노래를 부르고 있습니다만 60년대 말이나 70년대 연주는 블루스에서 하드락까지 정말 종횡무진 화려한 연주를 들려주고 있습니다. 크림 시절의 와와를 가미한 공격적 솔로나 블라인드 페이쓰 시절의 감각적인 백킹은 스티브 레이 본을 강하게 의식했던 블루스 기타리스트 에릭 클랩튼이나 언플러그드 라이브를 하는 최근의 이미지와 너무나 다르죠.

똑같이 야드버즈를 거쳤던 지미 페이지나 제프 벡과는 또 다른 면에서 에릭 클랩튼은 대단히 다채로운 컬러를 갖고 있습니다. 단순히 블루스 기타리스트로 규정할 수 없는 풍부한 감각과 연주력을 가진 뮤지션입니다. 로져 워터스의 솔로 데뷔 앨범 "The pros and cons of hitchhiking"에서의 펜더 스트래토캐스터의 느낌을 잘 살린 블루스 풍 연주와 크림 시절의 "White room"에서 들려 준 리프 및 격정적인 솔로 사이의 차이는 정말 작지 않습니다.

스티브 윈우드는 80년대에 "Higher love", "Back in the high life again" 등으로 싱글 챠트를 석권하기도 했습니다. 60년대부터 활동했던 락/재즈/블루스 뮤지션이 20-30년이 지나서도 싱글 챠트 1위곡을 내놓을 수 있는 풍토, 그런게 있기 때문에 영, 미 쪽이 대중음악을 계속 선도해 나가고 있지 않나 생각됩니다.

Blind Faith - Can't Find My Way Home

[Folk] 페어포트 컨벤션(Fairport Convention) - < Liege & Lief >

Sun, 28 Jun 2009 01:26:03 +0900

페어포트 컨벤션(Fairport Convention) < Liege & Lief >

문서출처: [네오뮤직커뮤니티] 본 글은 izm.co.kr에서 팝 칼람리스트 임진모님의 기고글을 원문 발췌하고 본인이 국내외 사이트에서 수집한 자료를 바탕으로 내용을 재구성하여 올리는 글입니다.

“영국의 음악역사를 탐구하는 브리티시 포크의 걸작”

1960년대는 비틀스의 록 혁명 시대이자 밥 딜런의 포크 혁명기이기도 했다. 비틀스처럼 일렉트릭 밴드를 꾸리는 유행에 못지않게 전 세계의 젊은이들이 너도나도 밥 딜런처럼 통기타를 연주하며 시대를 이야기했을 정도로 포크 음악의 반향은 컸다. 영국도 밥 딜런의 영향 아래 놓였지만 지정학적 역사와 환경이 달랐기 때문에 '브리티시 포크(British Folk)'는 미국 포크와는 지향과 색깔에 있어서 차이를 드러낼 수밖에 없었다.

영국 포크의 정체성을 논할 때 반드시 거론되는 문제작이 바로 페어포트 컨벤션(Fairport Convention)의 1969년 < Liege & Lief > 앨범이다. 영국의 BBC라디오2 방송국은 이 앨범을 '역사상 가장 중요한 포크 레코드'로 선정했다. 그것을 과장이라고 여긴다 하더라도 '브리티시 포크의 역사적 걸작'이란 평가는 부인하기 어렵다. 만약 1960년대와 1970년대에 구체화된 영국 포크의 대표작 하나를 택하라면 이 앨범은 단연 영순위다. (오리지널 앨범에다가 당시 스튜디오에서 녹음한 다른 곡들과 BBC 세션을 묶어 디럭스 버전으로 선보이게 된 것은 개인적으로 감개무량 그 자체다)

지금의 젊은 세대가 들을 때는 감수성 차이로 금방 동화되기는 쉽지 않은 이 앨범이 커다란 역사적 위상을 차지하는 데는 두 가지 이유가 있다. 먼저 포크를 통기타 포크로 해석하는데 그치지 않고 당대의 트렌드인 일렉트릭 록과 섞어 독특한 포크 사운드를 들려주고 있기 때문이다. '포크 록'이야 밥 딜런의 전유물이기는 하지만 페어포트 컨벤션의 포크 록은 즉흥적이면서도 울림이 사색적이다.

또 하나 이유는 영국 음악역사와의 관련성이다. 두 번째 앨범인 < What We Did On Our Holidays >와 3집 < Unhalfbricking >을 내놓고 평단의 주목과 함께 승승장구하던 그룹은 뜻밖에 버밍햄에서 공연을 마치고 집에 돌아가는 중에 밴이 충돌하면서 드러머 마틴 램블과 드레스메이커가 사망하는 비극을 맞았다. 고통 속에 그들은 윈체스터 외곽에서 11마일 떨어진 햄프셔 다운스의 '팔리 챔버린'이란 외딴 곳에서 칩거하며 암중모색을 꾀했다.

이때 그룹의 베이스주자인 애슐리 허칭스(Ashley Hutchings)는 < Unhalfbricking >에서 민요 '선원의 생활(A sailor's life)'를 11분짜리로 해석한 이후로 가일층 영국의 전통과 음악사 탐색에 골똘하게 되었다. 이 무렵 그룹 멤버들은 창작 대신에 영국의 지나간 역사가 남겨놓은 민요를 현대화하기로, 그것에 집중하기로 마음먹었다. < Liege & Lief(충실하게 그리고 기꺼이) >의 'Come all ye', 'Farewell, farewell', 'Crazy man Michael' 등 3곡을 제외한 나머지 'Reynardine', 'Matty groves', 'Tam lin' 그리고 'The medley(the lark in the morning/ Rakish paddy/ Foxhunter's jig/ Toss the feathers) 등 다섯 곡은 전부 영국 전래의 민요들이다.

이 앨범이 지금도 영국인들 뇌리에 깊이 박혀있는 것은 이처럼 아름다운 음악과 하모니로 재현된 자신들 영국의 역사를 접하는 각별함이 작용하기 때문이다. 미국의 우디 거스리와 답 딜런의 초기 민요채집과 맥을 같이하는 것이지만 한창 세계적인 록 바람으로 앞서 가기에 분주하기만 하던 시대에 시계추를 되돌린다는 것은 참신했고 동시에 깊은 맛을 제공했다. (우리에게는 생경한 영국의 음악전통을 알리기 위해 앨범의 속지는 역사의 중요한 편린들을 소개하고 있다)

깊은 샘에서 길어 올린 물처럼 순수하고 정제된 맛은 이 앨범의 생명이다. 영국의 역사는 굴절 그 자체로 즐거운 동시에 아련한 속성을 지니고 있기에 과거 행(行)은 '희로애락'이라는 인간 정서를 새기는 작업이기도 하다. 앨범을 관통하는 미학은 'Matty groves', 'The medley', 'Tam lin'과 같은 토속적이나 상대적으로 빠른 울림 그리고 'Reynardine'에서 나타나는 처연함이다. 어쩌면 이 처연함이야말로 당대의 앨범 청취자를 붙잡은 힘일지도 모른다. 창작곡인 'Farewell, farewell'과 'Crazy man michael'에서 그 구슬픈 애상 조(調)는 정점에 도달한다. 이 두 곡은 앨범의 베스트 트랙들이기도 하다.

페어포트 컨벤션은 비록 초창기의 라인업이 빠르게 해체되었지만 이후 각 멤버들이 브리티시 포크의 총아들로 빛나는 각개약진을 함으로써 더욱 유명해졌다. 음악감독이자 나중 아내 린다 톰슨과 함께 일련의 수작을 만들어낸 리처드 톰슨(Richard Thompson)이 이 그룹 출신이라는 것 하나만으로도 이미 거대하다. 베이스를 친 정신적 리더이자 이후 그룹 스틸리 스팬(Steeleye Span)을 만든 애슐리 허칭스와 기타를 연주한 사이먼 니콜(Simon Nicol)도 빼놓을 수 없다. 3집 때 세션이었다가 정식 멤버가 된 데이브 스와브릭(Dave Swarbrick)은 고감도 바이올린과 비올라 연주로 이 앨범의 사운드와 느낌을 결정했다.

하지만 그 누구보다도 노래하는 샌디 데니(Sandy Denny)를 기억해야 한다. 투명하면서도 처연한 음색으로 어떤 곡을 들어도 즉시 그녀의 것임을 알게 하는 샌디 데니는 영국 포크 아니 전체 포크 음악을 대표하는 여성 보컬로 남아 있다. 직접 곡을 쓰고 부른 < What We Did On Our Holidays >의 'Fotheringay'와 < Unhalfbricking >의 'Who knows where time goes?'-이제는 '클래식 엘레지'로 불리는 곡들이다-에 이어 < Liege & Lief >에서도 샌디 데니는 'Reynardine'과 'Farewell, farewell'로 다시 한 번 진가를 유감없이 발휘한다. 1947년생인 그녀는 서른 한 살인 1978년에 사망했다.

상기한 앨범 3장, 페어포트 컨벤션의 마스터피스이자 브리티시 포크의 명작들인 3장의 앨범은 모두 1969년 한해에 출시되었다. 멤버들의 뜨거운 열정을 알 수 있는 대목. 애슐리 허칭스는 지금도 그 때, 팔리 챔버린 집에서 모여 마냥 즐겁게 연주하던 시절을 떠올리면 마음이 뜨거워진다고 술회한다. “집안을 소란 일색이었다. 날마다 깨는 즉시 연주에 매진했다. 멤버들 누구나 중요한 역할이었고 그것은 너무나 매혹적이었다. 그런 새로운 방식으로 오래된 곡에 도전하는 것은 아마도 처음 있는 일이었을 것이다.” 그런 열정이 명작을 잉태했다. 명작의 공통분모는 아티스트의 무모한 실험, 한없이 흘리는 피와 땀이다. 페어포트 컨벤션의 걸작 < Liege & Lief >는 우리에게 다시금 아티스트와 앨범의 기본을 일깨운다.

Fareport Convention - Fotheringay

Fareport Convention - Farewell, Farewell

[참 조] ▒ ▒ ▒ Fareport Convention - Biography ▒ ▒ ▒

The best British folk-rock band of the late '60s, Fairport Convention did more than any other act to develop a truly British variation on the folk-rock prototype by drawing upon traditional material and styles indigenous to the British Isles. While the revved-up renditions of traditional British folk tunes drew the most critical attention, the group members were also (at least at the outset) talented songwriters as well as interpreters. They were comfortable with conventional harmony-based folk-rock as well as tunes that drew upon more explicitly traditional sources, and boasted some of the best singers and instrumentalists of the day. A revolving door of personnel changes, however, saw the exit of their most distinguished talents, and basically changed the band into a living museum piece after the early '70s, albeit an enjoyable one　　　 with integrity.

When Fairport formed around 1967, their goal was not to revive British folk numbers, but to play harmony- and guitar-based folk-rock in a style strongly influenced by Californian groups of the day (especially the Byrds). The lineup that recorded their self-titled debut album in 1968 featured Richard Thompson, Ian Matthews, and Simon Nicol on guitars; Ashley Hutchings on bass; Judy Dyble on vocals; and Martin Lamble on drums. Most of the members sang, though Matthews and Dyble were the strongest vocalists in this early incarnation; all of their early work, in fact, was characterized by blends of male and female vocals, influenced by such American acts as the Mamas & the Papas and Ian & Sylvia. While their first album was derivative, it had some fine material, and the band was already showing a knack for eclecticism, excavating overlooked songs by Joni Mitchell (then virtually unknown) and Emitt Rhodes.

Fairport Convention didn't reach their peak until Dyble was replaced after the first album in 1968 by Sandy Denny, who had previously recorded both as a solo act and with the Strawbs. Denny's penetrating, resonant style qualified her as the best British folk-rock singer of all time, and provided Fairport with the best vocalist they would ever have. What We Did on Our Holidays (1969) and Unhalfbricking (1969) are their best albums, mixing strong originals, excellent covers of contemporary folk-rock songs by the likes of Mitchell and Dylan, and imaginative revivals of traditional folk songs that mixed electric and acoustic instruments with a beguiling ease.

Matthews had left the band in early 1969, and Lamble (still in his teens) died in an accident involving the group's equipment van in mid-1969. That forced Fairport to regroup, replacing Lamble with Dave Mattacks, and adding Dave Swarbrick on fiddle. Their repertoire, too, became much more traditional in focus, and electrified traditional folk numbers would dominate their next album, Liege and Lief (1969). Here critical thought diverges; some insist that this is unequivocally their peak, marking a final escape from their '60s folk-rock influences into a much more original style. This school of thought severely underestimates their songwriting talents, and others feel that they were at their best when mixing original and outside material, and contemporary and traditional styles, in fact becoming more predictable and derivative when they opted to concentrate on British folk chestnuts.

The Liege and Lief lineup didn't last long; by the end of the '60s, Ashley Hutchings had left to join Steeleye Span, replaced by Dave Pegg. More crucially, Denny was also gone, helping to form Fotheringay. Thompson was still on board for Full House (1970), but by the beginning of 1971 he too had departed, leaving Nicol as the onl　　　y original member.

Fairport have kept going, on and off (mostly on), for the last 25 years, touring and performing frequently. It may be too harsh to dismiss all of their post-Thompson records out of hand; Angel Delight (1971), the first recorded without the guitarist on board, was actually their highest-charting LP in the U.K., reaching the Top Ten. Nicol's exit in late 1971 erased all vestiges of connections to their salad days. Fairport was now not so much a continuous entity as a concept, carried on by musicians dedicated to the electrified British folk style that had been mapped out on Liege and Lief.

So it continues to this day, supported by a devoted fan base (Dirty Linen, the top American roots music magazine, originally began as a Fairport Convention fanzine). Denny would actually return to the group for about a year and a half in the 1970s, prior to her death in 1978; Nicol rejoined in 1976. Keeping track of Fairport's multitudinous lineup changes is a daunting task, and the group has coexisted on an erratic basis with the various other projects of the most frequent members (Nicol, Mattacks, and Pegg, the last of whom has played with Jethro Tull since the late '70s). They played annual reunion concerts during the 1980s and '90s (sometimes joined on-stage by Fairport alumni like Thompson), events that turned into some of the most popular folk festivals in Europe. They've also released some albums of new material intermittently throughout the last couple of decades, mostly pleasant, unexceptional traditional-oriented outings that appeal primarily to diehards.

The most distinguished graduates of Fairport, however, have continued to shape the British folk and folk-rock scene with notable solo and group projects. Richard Thompson is one　　　 of the most critically acclaimed singer/songwriters in the world; Ian Matthews made some interesting recordings as a solo act and with Plainsong and Matthews Southern Comfort; Denny sang with Fotheringay and released several solo albums before her death; and Hutchings carried on the most traditional face of British folk-rock with Steeleye Span, the Albion Band, and the Etchingham Steam Band.

Fareport Convention - Mr Lacey

블루스 명곡모음 앨범 전곡듣기 Feel the Blues Vol.Ⅵ-3

Sun, 28 Jun 2009 01:24:00 +0900

Feel the Blues

블루스 명곡모음 앨범 전곡듣기 Feel the Blues Vol.Ⅵ-3

The Red Hot Blues - 11 - Records Of The Blues

Essex Blues Band - 12 - Soul For Sale

Peter Green - 13 - Just Another Guy

Fleetwood Mac - 14 - Something Inside Of Me

Gary Moore - 15 - Blues For Narada

[참 조] ▒ ▒ ▒ Red Hot Blues - Discography ▒ ▒ ▒

News About the Blues [2001년]
	1 Not by Man Alone 3:05 2 99 Pounds 3:18 3 You Walked Out on Me 4:39 4 Damn Your Eyes 4:10 5 Bad Thing 3:00 6 Where You Been So Long 5:04 7 Guilty 5:25 8 Waitin' on the Hurricane 5:38 9 Last Call for Love 5:33 10 News About the Blues 3:17

[참 조] ▒ ▒ ▒ Peter Green & Fleetwood Mac - Biography ▒ ▒ ▒

플리트우드 맥의 역사는 가장 뛰어난 백인 블루스 기타리스트의 한 명으로 인정되는 피터 그린으로부터 비롯되었다. 다른 많은 천재들이 그랬듯, 약물 남용과 편집광적인 괴팍한 성격으로 특징 되는 피터 그린은 1946년 10월 29일, 런던에서 피터 그린봄(Peter Greenbaum)이라는 본명으로 태어났다. 어린 시절부터 머디 워터스(Muddy Waters)와 비비 킹(B.B. King) 등 유명한 블루스 뮤지션들의 여러 작품들과 유태인의 전통 음악에 영향을 받은 그는 1966년, 이후 카멜(Camel)에서 활동하게 되는 키보드 연주자 피터 바든스(Peter Bardens)의 그룹 피터 비스 루너스(Peter B's Looners)의 멤버가 된다. 이 즈음 브리티시 블루스 계의 대부로 손꼽히는 존 메이욜(John Mayall)의 그룹 블루스브레이커스(Bluesbreakers)는 에릭 클랩튼(Eric Clapton)의 탈퇴로 기타리스트의 자리가 비어 있었고, 결국 열 아홉 살의 피터는 블루스브레이커스의 정식 멤버가 된다.

‘플리트우드 맥’이라는 그룹명이 만들어지게 된 계기는 꽤 재미있다. 피터가 스무살 생일을 맞이하자 존 메이올은 그에게 생일 선물로 몇 시간 동안 스튜디오를 마음껏 사용할 수 있도록 했다. 몇 시간의 세션을 통해 그는 연주곡 하나를 녹음했는데 그 곡의 제목이 바로 ‘Fleetwood Mac'이다. 이 독특한 제목에 대해 피터는 블루스브레이커스의 멤버들인 믹 플리트우드와 존 맥비가 세션에 참여하여 연주를 했기 때문에 그들의 이름을 딴 이 제목을 떠올릴 수밖에 없었다고 밝힌 바 있다. 1967년, 에릭 클랩튼이 다시 복귀를 하자 피터 그린은 자신이 그룹을 떠날 때가 왔음을 알아챘다. 결국 그는 과한 음주를 이유로 존 메이올에게 해고당한 믹 플리트우드와 함께 새로운 밴드를 시작하기로 하고 자신들이 연주했던 노래의 제목을 그대로 그룹명으로 하여 플리트우드 맥을 결성한다.

리바이 세트(Levi Set)라는 그룹의 기타리스트였던 제레미 스펜서, 그리고 (임시)베이시스트 밥 브루닝(Bob Brunning)을 맞이한 밴드는 1967년 8월 13일, 영국 재즈 및 블루스 페스티벌을 통해 공식적인 무대 데뷔를 이루었다. 곧 블루스브레이커스로부터 존 맥비를 영입하여 완전한 라인업을 갖춘 플리트우드 맥은 신생 레이블 <블루 호라이즌(Blue Horizon)>과 계약을 맺고 10월에 첫 싱글 ‘I Believe My Time Ain't Long'을 발매한다. 이듬해에 이들은 브리티시 블루스의 정수를 담은 두 앨범 [Peter Green's Fleetwood Mac]('68)과 [Mr. Wonderful]('68)로 영국 내에서 그 실력을 인정받았다. 이후 피터는 열 여덟 살의 기타리스트 대니 커원을 새로이 발굴해냈고 트리플 기타의 편성이 된 밴드는 유럽 내에서 완전한 전성기를 맞이하게 된다.

'69년 한 해 동안 첫 히트 싱글 ‘Black Magic Woman'을 필두로 하여 영국 차트 1위를 차지한 ’Albatross'와 ‘Oh Well' 등 초기 플리트우드 맥을 대표할 수 있는 여러 싱글들이 발매되었다. [English Rose]와 [The Pious Bird Of Good Omen], [Fleetwood Mac In Chicago], 그리고 [Then Play On] 등 1969년에 발표된 네 장의 앨범들에서 이들이 지닌 역량은 여지없이 드러난다.

1970년 봄, 환각제의 남용으로 심각한 정서 장애에 시달리던 피터 그린이 갑작스레 밴드를 떠났다.

▶ Band Line Up ◀

Peter Green - vocals, guitar, harmonica
Jeremy Spencer - vocal, guitar
John McVie - bass
Mick Fleetwood - drums

While most bands undergo a number of changes over the course of their careers, few groups experienced such radical stylistic changes as Fleetwood Mac. Initially conceived as a hard-edged British blues combo in the late '60s, the band gradually evolved into a polished pop/rock act over the course of a decade. Throughout all of their incarnations, the onl　　y consistent members of Fleetwood Mac were drummer Mick Fleetwood and bassist John McVie ? the rhythm section that provided the band with its name. Ironically, they had the least influence over the musical direction of the band. Originally, guitarists Peter Green and Jeremy Spencer provided the band with its gutsy, neo-psychedelic blues-rock sound, but as both guitarists descended into mental illness, the group began moving toward pop/rock with the songwriting of pianist Christine McVie. By the mid-'70s, Fleetwood Mac had relocated to California, where they added the soft rock duo of Lindsey Buckingham and Stevie Nicks to their lineup. Obsessed with the meticulously arranged pop of the Beach Boys and the Beatles, Buckingham helped the band become one　　 of the most popular groups of the late '70s. Combining soft rock with the confessional introspection of singer/songwriters, Fleetwood Mac created a slick but emotional sound that helped 1977's Rumours become one　　 of the biggest-selling albums of all time. The band retained its popularity through the early '80s, when Buckingham, Nicks, and Christine McVie all began pursuing solo careers. The band reunited for one　　 album, 1987's Tango in the Night, before splintering in the late '80s. Buckingham left the group initially, but the band decided to soldier on, releasing one　　 other album before Nicks and McVie left the band in the early '90s, hastening the group's commercial decline.

The roots of Fleetwood Mac lie in John Mayall's legendary British blues outfit, the Bluesbreakers. Bassist John McVie was one　　 of the charter members of the Bluesbreakers, joining the group in 1963. In 1966 Peter Green replaced Eric Clapton, and a year later drummer Mick Fleetwood joined. Inspired by the success of Cream, the Yardbirds, and Jimi Hendrix, the trio decided to break away from Mayall in 1967. At their debut at the British Jazz and Blues Festival in August, Bob Brunning was playing bass in the group, since McVie was still under contract to Mayall. He joined the band a few weeks after their debut; by that time, slide guitarist Jeremy Spencer had joined the band. Fleetwood Mac soon signed with Blue Horizon, releasing their eponymous debut the following year. Fleetwood Mac was an enormous hit in the U.K., spending over a year in the Top Ten. Despite its British success, the album was virtually ignored in America. During 1968, the band added guitarist Danny Kirwan. The following year, they recorded Fleetwood Mac in Chicago with a variety of bluesmen, including Willie Dixon and Otis Spann. The set was released later that year, after the band had left Blue Horizon for a one　　-album deal with Immediate Records; in the U.S., they signed with Reprise/Warner Bros., and by 1970, Warner began releasing the band's British records as well.

Fleetwood Mac released English Rose and Then Play On during 1969, which both indicated that the band was expanding its music, moving away from its blues purist roots. That year, Green's "Man of the World" and "Oh Well" were number two hits. Though his music was providing the backbone of the group, Peter Green was growing increasingly disturbed due to his large ingestion of hallucinogenic drugs. After announcing that he was planning to give all of his earnings away, Green suddenly left the band in the spring of 1970; he released two solo albums over the course of the '70s, but he rarely performed after leaving Fleetwood Mac. The band replaced him with Christine Perfect, a vocalist/pianist who had earned a small but loyal following in the U.K. by singing with Spencer Davis and the Chicken Shack. She had already performed uncredited on Then Play On. Contractual difficulties prevented her from becoming a full-fledged member of Fleetwood Mac until 1971; by that time she had married John McVie.

Christine McVie didn't appear on 1970's Kiln House, the first album the band recorded without Peter Green. For that album, Jeremy Spencer dominated the band's musical direction, but he had also been undergoing mental problems due to heavy drug use. During the band's American tour in early 1971, Spencer disappeared; it was later discovered that he left the band to join the religious cult the Children of God. Fleetwood Mac had already been trying to determine the direction of their music, but Spencer's departure sent the band into disarray. Christine McVie and Danny Kirwan began to move the band towards mainstream rock on 1971's Future Games, but new guitarist Bob Welch exerted a heavy influence on 1972's Bare Trees. Kirwan was fired after Bare Trees and was replaced by guitarists Bob Weston and Dave Walker, who appeared on 1973's Penguin. Walker left after that album, and Weston departed after making its follow-up, Mystery to Me (1973). In 1974, the group's manager, Clifford Davis, formed a bogus Fleetwood Mac and had the band tour the U.S. The real Fleetwood Mac filed and won a lawsuit against the imposters ? after losing, they began performing under the name Stretch ? but the lawsuit kept the band off the road for most of the year. In the interim, they released Heroes Are Hard to Find. Late in 1974, Fleetwood Mac moved to California, with hopes of restarting their career. Welch left the band shortly after the move to form Paris.

Early in 1975, Fleetwood and McVie were auditioning engineers for the band's new album when they heard Buckingham-Nicks, an album recorded by the soft rock duo Lindsey Buckingham and Stevie Nicks. The pair were asked to join the group and their addition revived the band's musical and commercial fortunes. Not onl　　y did Buckingham and Nicks write songs, but they brought distinctive talents the band had been lacking. Buckingham was a skilled pop craftsman, capable of arranging a commercial song while keeping it musically adventurous. Nicks had a husky voice and a sexy, hippie gypsy stage persona that gave the band a charismatic frontwoman. The new lineup of Fleetwood Mac released their eponymous debut in 1975 and it slowly became a huge hit, reaching number one　　 in 1976 on the strength of the singles "Over My Head," "Rhiannon," and "Say You Love Me." The album would eventually sell over five million copies in the U.S. alone.

While Fleetwood Mac had finally attained their long-desired commercial success, the band was fraying apart behind the scenes. The McVies divorced in 1976, and Buckingham and Nicks' romance ended shortly afterward. The internal tensions formed the basis for the songs on their next album, Rumours. Released in the spring of 1977, Rumours became a blockbuster success, topping the American and British charts and generating the Top Ten singles "Go Your Own Way," "Dreams," "Don't Stop," and "You Make Loving Fun." It would eventually sell over 17 million copies in the U.S. alone, making it the second biggest-selling album of all time. Fleetwood Mac supported the album with an exhaustive, lucrative tour and then retired to the studio to record their follow-up to Rumours. A wildly experimental double album conceived largely by Buckingham, 1979's Tusk didn't duplicate the enormous success of Rumours, yet it did go multi-platinum and featured the Top Ten singles "Sara" and "Tusk." In 1980, they released the double-album Live.

Following the Tusk tour, Fleetwood, Buckingham, and Nicks all recorded solo albums. Of the solo projects, Stevie Nicks' Bella Donna (1981) was the most successful, peaking at number one　　 and featuring the hit singles "Stop Draggin' My Heart Around," "Leather and Lace," and "Edge of Seventeen." Buckingham's Law and Order (1981) was a moderate success, spawning the Top Ten "Trouble." Fleetwood, for his part, made a world music album called The Visitor. Fleetwood Mac reconvened in 1982 for Mirage. More conventional and accessible than Tusk, Mirage reached number one　　 and featured the hit singles "Hold Me" and "Gypsy."

After Mirage, Buckingham, Nicks, and Christine McVie all worked on solo albums. The hiatus was due to a variety of reasons. Each member had his or her own manager, Nicks was becoming the group's breakaway star, Buckingham was obsessive in the studio, and each member was suffering from various substance addictions. Nicks was able to maintain her popularity, with The Wild Heart (1983) and Rock a Little (1985) both reaching the Top 15. Christine McVie also had a Top Ten hit with "Got a Hold on Me" in 1984. Buckingham received the strongest reviews of all, but his 1984 album Go Insane failed to generate a hit. Fleetwood Mac reunited to record a new album in 1985. Buckingham, who had grown increasingly frustrated with the musical limitations of the band, decided to make it his last Fleetwood Mac project. When the resulting album, Tango in the Night, was finally released in 1987, it was greeted with mixed reviews but strong sales, reaching the Top Ten and generating the Top 20 hits "Little Lies," "Seven Wonders," and "Everywhere."

Buckingham decided to leave Fleetwood Mac after completing Tango in the Night, and the group replaced him with guitarists Billy Burnette and Rick Vito. The new lineup of the band recorded their first album, Behind the Mask, in 1990. It became the band's first album since 1975 to not go gold. Following its supporting tour, Nicks and Christine McVie announced they would continue to record with the group, but not tour. Vito left the band in 1991, and the group released the box set 25 Years ? The Chain the following year. The classic Fleetwood Mac lineup of Fleetwood, the McVies, Buckingham, and Nicks reunited to play President Bill Clinton's inauguration in early 1993, but the concert did not lead to a full-fledged reunion. Later that year, Nicks left the band and was replaced by Bekka Bramlett and Dave Mason; Christine McVie left the group shortly afterward. The new lineup of Fleetwood Mac began touring in 1994, releasing Time the following year to little attention. While the new version of Fleetwood Mac wasn't commercially successful, neither were the solo careers of Buckingham, Nicks, and McVie, prompting speculation of a full-fledged reunion in 1997. Say You Will, the first Fleetwood Mac studio album in 15 years, appeared in April 2003. It also marked the group's first set without Christine McVie since 1997's live effort, The Dance.

[참 조] ▒ ▒ ▒ Gary Moore - Biography ▒ ▒ ▒

“뮤지션이 나이를 먹어간다는 건 결코 두려운 게 아니다. 그것은 곧 정신적인 면에서 더욱 성숙해져서 감정을 적절히 조절해 음악활동을 할 수 있기 때문이다.”

유례가 없을 만큼 강력한 왼손과 오른손으로 정통 록기타의 진수를 들려주는 게리 무어는 기성 기타리스트 모두가 부러워하는 살아있는 록기타의 화신이다. 1954년 6월 4일 아일랜드에서 태어난 게리 무어는 일렉트릭 기타를 10살 때부터 치기 시작했다. 처음 기타를 잡을 당시 그의 우상은 지미 헨드릭스와 제프 벡, 피터 그린 등이었다. 그는 이러한 기타리스트의 곡을 카피하며 아마추어 시절을 보냈다.

16세가 되자 게리는 ‘Skid Row’라는 밴드를 결성해 정식으로 록계에 데뷔하였는 데, 이 당시 스키드 로우는 블루스와 하드록 소울 등이 섞인 음악을 연주하였다. 스키드 로우 해체 후 게리는 에릭 벨의 후임으로 그룹 씬 리지(Thin Lizzy)에 가입 좋은 연주를 들려주었다. 그러나 게리는 이즈음 음악적으로나 인간적으로나 가장 많은 방황과 갈등을 겪고 있었는 데, 이 때문에 씬 리지에서도 그는 오래 있지 못하고 탈퇴하였다. 그리곤 자신의 독자적인 ‘게리 무어 밴드’를 결성해 73년 [Grinding Stone]을 발표하였다. 2년 후인 75년에는 재즈퓨전을 프로그레시브하게 연주했던 그룹 콜로세움Ⅱ에 가입, [Strange New Flesh](76)와 [Electric Savage], [WarDance](77) 등에 참여하게 된다. 그룹 콜로세움 투는 게리 무어를 맞아들여 인스트루멘틀 재즈록 지향의 뛰어난 음악세계를 한껏 과시할 수 있었다.

78년에 게리는 존 하이스먼, 돈 에일리 등의 콜로세움 친우들과 앤드류 로이드 웨버의 녹음작업에도 참여했다. 얼마 후 게리는 탈퇴한 브라이언 로버트슨의 후임으로 다시 씬 리지에 들어가 명반[Black Rose]녹음을 도왔다. 그리고 비슷한 시기에 자신의 첫 솔로앨범 [Back On The Street]을 완성하기도 했다.

씬 리지의 앨범작업을 마친 게리는 다시 그룹을 탈퇴하고 79년에 드러머 코지 파웰의 첫 솔로앨범을 세션해 주며 때를 기다리게 된다. 그러다가 80년에 ‘제트’레코드와 계약하고 그룹 G-Force를 결성했다. 현재까지도 록 역사의 명 그룹으로 기록되는 지 포스는 수많은 뮤지션과 팬들의 관심 속에서 셀프 타이틀의 데뷔앨범을 녹음하였다. 하지만 뜻하지 않게 제트 레코드가 도산해버리는 바람에 지 포스는 난관에 봉착되고 말았다. 결국 이 그룹은 제대로 활동도 못하고 해산되고 게리는 81년말 ‘버진’레코드사와 계약을 하고 이듬해에 명반 [Corridors Of Power]를 발표했다. 그리고 이 앨범을 시발로 게리는 본격적인 솔로 뮤지션으로의 길을 가기 시작했다.

솔로 뮤지션으로 활발한 활동을 벌인 게리는 90년대로 들어와 그간의 헤비메틀 지향의 기타에서 벗어나 블루스 쪽으로 눈을 돌리게 된다. 그 첫 신호탄이 바로 90년의 앨범 [Still Got The Blues]이다. 이 앨범이후 게리는 완전히 블루스 뮤지션으로 그 모습을 바꾸어 현재에 이르고 있다.

게리 무어의 연주는 강력하고 어태키한 피킹과 지판을 짓눌러 버릴 것만 같은 정력적인 핑거링을 주축으로 초강력 에너지를 발산하는 프레이즈를 들려준다. 한때 그는 라이트핸드를 사용하지 않고 라이트핸드적인 프레이즈를 치며, 풀링 오프나 해머링을 멋지게 사용해 스피디한 애드립을 전개하기도 했다. 이러한 형태의 프레이즈가 너무도 강렬해 때론 난폭하다는 인상을 줄 정도이다.

그는 헤비메틀 기타리스트이기 이전에 블루스 뮤지션이다. 그 때문에 그의 연주에선 고감도의 뜨거운 블루지함이 배어있다. 펜타토닉과 블루노트 스케일에 기반하여 마이너적인 느낌으로 음을 진행시킨다. 그외 디미니쉬와 도리안 등도 사용해 독자적인 멜로디라인을 창출한다. 거기에 그 특유의 다양한 초킹들이 얽혀 록의 정통성을 더욱 짙게 하고있다.

그는 언제나 최고의 음색을 추구해왔다. 콜로세움 Ⅱ에서 오늘날의 'Still Got The Blues'에 이르기까지 그의 기타 톤은 앰프자체의 게인을 최대한 활용한다는 점에선 가히 당대 최고중의 하나라 할만한 것이다. 공격적인 위협감과 우수어린 정서를 모두 뛰어나게 표현하는 그의 연주야말로 록기타 바로 그 자체인 것이다.

사 용 장 비
◇Gibson Les Paul Standard(59), Les Paul Junior(55), Fender Stratocaster(71),Charvel Strat, Hamer
◇Marshall 100W Amp, Soldano, Mesa Boogie
◇Roland Digital Delay SDE 2000 MXR Distortion, BOSS Overdrive Eventide Digital Delay, Marshall Gav’ner, Alesis MIDIVerb

[출처: 음악창고, 글 / 조성진]

게리 무어(Gary Moore; 1952년 4월 4일 북아일랜드 Belfest 출생)는 자신의 그룹은 물론 많은 다른 사람들의 프로젝트에 참여하여 Heavy Metal에서 Blues까지 다양한 장르에서 그만의 피가 끓는 듯한 뜨겁고 처절한 연주를 들려준 기타연주자 겸 가수이다.

1. 10대 소년 Gary Moore와 Skid Row

그는 7세 때부터 부친의 권유로 피아노를 치기 시작했으며 그러던 중 Shadows의 음악에 깊은 감명을 받고 11세 때 기타연주자가 되기로 결심한다. 67년 본격적인 음악 활동을 위해서 Dublin으로 이주한 Gary Moore는 Skid Row(미국의 Heavy Metal 그룹인 Skid Row와는 다른 그룹)에 가입하게 되며, 여기서 그는 자신의 음악 여정에 막대한 영향을 줄 두 사람 -이후 그룹 Thin Lizzy에서 음악적 교류와 우정을 다지게 될 필 리뇻(Phil Lynott, v; 당시엔 아직 베이스를 배우지 않았다고 한다), 그리고 Skid Row를 Opening 밴드로 세워 후원해 줬으며 Gary Moore에게 직접 자신이 사용하던 기타를 선물로 주며 격려했던 Fleetwood Mac의 피터 그린(Peter Green)- 과의 운명적 만남을 가짐과 동시에 16세라는 어린 나이에 그의 재능을 확인 받게 된다.

Phil은 Thin Lizzy의 결성을 위해 Skid Row를 곧 떠나게 되어 Gary Moore는 나머지 멤버인 브랜던 쉴즈(Brendan "Brush" Shields, 베이스), 노엘 브릿지모어(Noel "Nollaig" Bridgemore, 드럼)의 3인조로 첫 앨범 [Skid]를 1970년 Peter Green의 소개로 CBS에서 발매한다. 이어서 71년 [34 Hours](이 앨범의 녹음을 34시간에 마쳐서 붙여진 제목이라고 한다)의 발표와 함께 유럽 공연을 가졌으며, 아일랜드 잡지 [New Spotlight]에서 그 해 최고의 밴드로 선정되기도 하였다. 다음 해 3번째 앨범을 녹음했으나 발매 전 Gary Moore가 솔로 활동을 위해 탈퇴하는 바람에 앨범 발매가 취소되어 90년에야 겨우 발매되게 된다.

2. 20대 청년 Gary Moore의 다양한 음악 체험

Skid Row를 탈퇴한 Gary Moore는 73년 피어스 켈리(Pearse Kelly, d), 존 커티스(John Curtis, b)와 함께 그의 첫 솔로 앨범 [Grinding Stone]을 발표하였으나 큰 주목은 받지 못한 채 Phil Lynott의 권유로 당시 공석이던 Thin Lizzy의 기타연주자 자리를 얻게 된다. Thin Lizzy의 74년 앨범 [Nightlife]에서 Gary Moore가 참여한 것은 'Still in Love with You' 단 한 곡이지만, 이 곡은 그의 애절한 연주 덕분에 처음으로 대중적인 이름값을 얻는 계기가 된다. Gary Moore는 다시 Thin Lizzy를 탈퇴하여 Eddie Howell의 [Gramophone]에 세션으로 참가하기도 한다. 그러던 중 그룹 Colosseum의 존 하이스먼(Jon Hiseman, k)을 만난 그는 Colosseum II라는 실험적인 프로젝트에 참여한다. 여기서 그는 그와 함께 여러 그룹을 방랑하며 자주 마주치게 될 돈 에어리(Don Airey, k)와 활동한다.

Colosseum II와 76년 [Strange New Flesh], 77년 [Electric Savage], [War Dance]를 제작하였으며 이 앨범들은 비록 상업적인 성공은 거두지 못했지만 실험성 강한 명작들로 인정받는다. 78년 다시 Phil Lynott과 만난 Gary Moore는 2번째 솔로 앨범을 발표한다. 강한 Hard Rock 스타일의 [Back on the Streets]는 이 앨범에 수록된 너무도 유명한 'Parisienne Walkways'와 함께 본격적으로 그의 이름을 널리 알리게 된다. 79년 Gary Moore의 앨범에 우정 출현해 큰 성공을 거두게 해준 Phil Lynott은 이번에는 그를 다시 Thin Lizzy에 초대하여 명반 [Black Rose]를 완성시킨다. 하지만 투어 도중 말없이 사라진 Gary Moore는 Phil Lynott과 불편한 관계가 되고 만다.

이 시기에 Gary Moore는 역시 방랑 연주인이자 명 드럼연주자인 코지 파웰(Cozy Powell, d)의 솔로 앨범 [Over the Top]에 일부 참여한다. 80년 Gary Moore는 G-Force란 프로젝트를 결성하지만 좋은 결과를 얻지 못한 채 Emerson Lake & Palmer 출신의 그렉 레이크(Greg Lake)의 솔로 앨범에 참여하고 투어에도 동참한다.

3. 30대 Gary Moore의 정열적인 Heavy Metal

82년은 Gary Moore에게 있어선 가장 바쁜 해이자 솔로로서 본격적인 활동을 시작한 해이다. 먼저 강력한 Heavy Metal 사운드와 감미로운 Rock Ballad가 어우러진 그의 앨범 [Corridors of Power]가 엄청난 앨범 판매고를 올렸으며, 동시에 [Live at Marquee] 앨범 녹음, Greg Lake의 [Manoeuvres], Cozy Powell의 [Octopuss]에도 참여하여 모두 좋은 성과를 거뒀다. [Corridors of Power]의 성공으로 일본에서 공연을 마친 Gary Moore는 당시의 실황인 [Rockin' Every Night]을 83년 일본에서만 발매한다. 동시에 Thin Lizzy의 고별 공연에 우정 출연해 주기도 한다.

84년 소련에 의한 KAL기 격추사건을 규탄한 'Murder in the Skies'와 그의 두 번째 히트 발라드 'Empty Rooms'가 수록된 [Victims of the Future]가 발매되었으며, 그에 따른 세계 순회 공연을 내용으로 한 [We Want Moore]가 발매된다.

이후 Phil Lynott과 화해한 Gary Moore는 공동작업으로 EP [Out in the Fields]를 85년 발표하지만 다음해 Phil의 요절로 결국 두 사람의 마지막 작품이 되고 만다. 이 앨범의 수록곡은 같은 해 발표된 [Run for Cover]에도 수록되었다. 87년에는 아일랜드적인 색채가 강한 [Wild Frontier]를 발표하였으며, 89년에는 블루스의 거장 Roy Buchanan의 명곡 'Messhia Will Come Again' 커버곡이 실린 [After the War]를 발표한다.

4. 40대 Gary Moore의 Blues로의 회귀

87년 [Wild Frontier]서부터 기존의 Heavy Metal로부터 탈피하려는 변화가 엿보이더니 마침내 90년 [Still Got the Blues]를 발표하여 본격적인 Blues로의 회귀라는 커다란 변화를 단행하였다. 앨버트 콜린스(Albert Collins)와 조지 해리슨(George Harrison)이 게스트로 참가한 이 앨범의 결과는 예상외로 좋아서 음악적으로 호평을 받았음은 물론 커다란 상업적 성공도 거두게 된다. 앨범 발표 후의 공연에서는 앨버트 킹(Albert King)까지 가세하여 Albert Collins와 함께 2명의 Albert와 같은 무대에 서기도 하였다.

92년 [After the Hours] 역시 좋은 반응을 얻었으며 이번엔 비비 킹(B.B. King)과 Albert King이란 2명의 Blues 'KING'이 참가해 주었다. 거장들이 동참해준 멋진 실황은 93년 [Blues Alive]로 발매되어 다시 감상할 수 있는 좋은 기회를 만들어 주었다.

90년대 중반 Gary Moore는 헌정 앨범에 참여하거나 과거의 거장들과 활동하는 등 약간 독특한 활동으로 Blues음악을 추구한다. 93년 폴 로저스(Paul Rodgers)가 주도한 무디 워터스(Muddy Waters) 헌정 앨범에 참여하기도 하였으며, 95년에는 오래 전 그가 음악을 시작하던 무렵 큰 도움을 준 Peter Green에 대한 헌정 앨범 [Blues for Greeny]를 스스로 만들어 바치기도 하였다. 94년에는 Cream의 옛 멤버들과 BBM을 결성, [Around the Next Dream]을 발표하였다. 95년 베스트 앨범인 [Ballads & Blues 1982-1994] 이후에 발표된 앨범으로는 역시 베스트 앨범인 [Out in the Fields : The Very Best of Gary Moore](98)와 [Collection](99)이 있으며, 정규 앨범으로는 [Dark Days in Paradise](97)와 [A Different Beat](99) 등이 있다. 여기서는 정통 Blues보다는 Pop, Hard Rock, Jazz 등의 다양한 요소를 다시 도입해보려는 시도가 엿보이지만 전성기만큼 주목을 받지는 못하고 있다.

[출처:음악창고, 글 / 박준택]

One of rock's most underrated guitarists (both from a technical and compositional point of view), Gary Moore remains relatively unknown in the U.S., while his solo work has brought him substantial acclaim and commercial success in most other parts of the world ? especially in Europe. Born on April 4, 1952, in Belfast, Ireland, Moore became interested in guitar during the '60s, upon discovering such blues-rock masters as Eric Clapton, Jimi Hendrix, and perhaps his biggest influence of all, Fleetwood Mac's Peter Green. After relocating to Dublin later in the decade, Moore joined a local rock group called Skid Row, which featured a young singer by the name of Phil Lynott, who would soon after leave the group to double up on bass and form Thin Lizzy. Skid Row persevered, however, eventually opening a show for Moore's heroes, Peter Green and Fleetwood Mac, and making such an impression on the veteran group that Green personally requested their manager help secure Skid Row a recording contract with CBS (in addition, Green sold Moore one　　 of his most-used guitars, a maple 1959 Gibson Les Paul Standard, which would become Moore's primary instrument).

Skid Row would go on to issue several singles and albums (including 1970's Skid and 1971's 34 Hours), and although the group mounted a few tours of Europe and the U.S., it failed to obtain breakthrough commercial success, leading to Moore's exit from the group in 1972. Moore then formed his own outfit, the Gary Moore Band (along with members drummer Pearse Kelly and bassist John Curtis), for which the guitarist also served as vocalist. But after the trio's debut album, 1973's Grinding Stone, sunk without a trace, Moore hooked up onc　　e more with ex-bandmate Lynott in Thin Lizzy. Moore's initial tenure in Lizzy proved to be short-lived, however, as his fiery playing was featured on onl　　y a handful of tracks. Moore then set his sights on studio work (appearing on Eddie Howell's 1975 release, Gramaphone Record), before joining up with a prog rock/fusion outfit, Colosseum II. But onc　　e more, Moore's tenure in his latest outfit was fleeting; he appeared on onl　　y three recordings (1976's Strange New Flesh, plus a pair in 1977, Electric Savage and War Dance), as Moore accepted an invitation by his old buddy Lynott to fill in for a Thin Lizzy U.S. tour, playing arenas opening for Queen.

Moore proved to be quite busy in 1978, as the guitarist appeared on three other artists' recordings ? Andrew Lloyd Webber's Variations, Rod Argent's Moving Home, and Gary Boyle's Electric Glide. The same year, Moore issued his second solo release (almost five years after his solo debut), Back on the Streets, which spawned a surprise Top Ten U.K. hit in May of 1979, the bluesy ballad "Parisienne Walkways," and featured vocal contributions by Lynott. Moore joined forces with his Lizzy mates onc　　e more in 1979, appearing on arguably the finest studio album of their career, Black Rose, which proved to be a huge hit in the U.K. (for a fine example of Moore's exceptional guitar skills, check out the album's epic title track). But predictably, Moore ultimately exited the group onc　　e more (this time right in the middle of a U.S. tour), as a rift had developed between Moore and Lynott. Undeterred, Moore lent some guitar work to drummer Cozy Powell's solo release, Over the Top, in addition to forming a new outfit, G Force, which would onl　　　　　　y remain together for a lone self-titled release in 1980.

During the early '80s, Moore united with former ELP guitarist/bassist/singer Greg Lake, appearing on a pair of Lake solo releases (1981's self-titled release and 1983's Manoeuvres), in addition to guesting on another Cozy Powell solo release, Octopuss. But it was also during the '80s that Moore finally got serious with his solo career ? issuing such heavy metal-based works as 1982's Corridors of Power, 1983's Victims of the Future, 1984's Dirty Fingers and the in-concert set We Want Moore!, 1985's Run for Cover, 1987's Wild Frontier, plus 1989's After the War establishing a large following in Europe, despite remaining virtually unknown stateside. The decade wasn't all rosy for Moore, however although he was able to patch up his friendship with Phil Lynott (appearing with Lizzy for several tracks on Life/Live, and teaming with Lynott for a pair of tracks in 1985, "Military Man" and "Out in the Fields," the latter a U.K. hit), years of hard living finally caught up with Lynott, leading to his passing in January of 1986. Moore would subsequently dedicate "Wild Frontier" to Lynott, and honored Thin Lizzy's former frontman on the track "Blood of Emeralds" (from After the War).

Fed up with the pressure to pen hit singles and tired of his metallic musical direction, Moore returned to his blues roots for 1990's Still Got the Blues, the most renowned and best-selling release of his career, as the album featured such special guests as Albert Collins, Albert King, and George Harrison. Moore continued in his newly rediscovered blues style on such subsequent releases as 1992's After Hours and 1993's Blues Alive, before forming the short-lived supergroup BBM along with Cream's former rhythm section bassist Jack Bruce and drummer Ginger Baker which lasted for a single album, 1994's Around the Next Dream. Up next for Moore was a tribute album for Peter Green, 1995's Blues for Greeny, which saw him put his own personal stamp on 11 tracks either penned or performed at some point by Green. Moore experimented with different musical styles on his next two solo releases, 1997's Dark Days in Paradise and 1999's A Different Beat, before embracing the blues onc　　e more on his first release of the 21st century, 2001's Back to the Blues.

Over the years, Gary Moore has been the subject of countless compilations, the best of the bunch being 1998's metal-oriented Collection and 2002's blues-based Best of the Blues, as well as Out in the Fields: The Very Best of Gary Moore, which was split 50/50 between his metal and blues excursions. Teaming with Skunk Anansie bassist Cass Lewis and Primal Fear drummer Darrin Mooney, Moore started work on much harder and alternative-influenced rock in the spring of 2002 and released the results as Scars. The powerful Live at Monsters of Rock from 2003 proudly declared "no overdubs used" while 2004's raw Power of the Blues featured nothing but the blues, as did 2006's Old New Ballads Blues on Eagle Records.

One of rock's most underrated guitarists (both from a technical and compositional point of view), Gary Moore remains relatively unknown in the U.S., while his solo work has brought him substantial acclaim and commercial success in most other parts of the world especially in Europe. Born on April 4, 1952, in Belfast, Ireland, Moore became interested in guitar during the '60s, upon discovering such blues-rock masters as Eric Clapton, Jimi Hendrix, and perhaps his biggest influence of all, Fleetwood Mac's Peter Green. After relocating to Dublin later in the decade, Moore joined a local rock group called Skid Row, which featured a young singer by the name of Phil Lynott, who would soon after leave the group to double up on bass and form Thin Lizzy. Skid Row persevered, however, eventually opening a show for Moore's heroes, Peter Green and Fleetwood Mac, and making such an impression on the veteran group that Green personally requested their manager help secure Skid Row a recording contract with CBS (in addition, Green sold Moore one　　 of his most-used guitars, a maple 1959 Gibson Les Paul Standard, which would become Moore's primary instrument).

Skid Row would go on to issue several singles and albums (including 1970's Skid and 1971's 34 Hours), and although the group mounted a few tours of Europe and the U.S., it failed to obtain breakthrough commercial success, leading to Moore's exit from the group in 1972. Moore then formed his own outfit, the Gary Moore Band (along with members drummer Pearse Kelly and bassist John Curtis), for which the guitarist also served as vocalist. But after the trio's debut album, 1973's Grinding Stone, sunk without a trace, Moore hooked up onc　　e more with ex-bandmate Lynott in Thin Lizzy. Moore's initial tenure in Lizzy proved to be short-lived, however, as his fiery playing was featured on onl　　y a handful of tracks. Moore then set his sights on studio work (appearing on Eddie Howell's 1975 release, Gramaphone Record), before joining up with a prog rock/fusion outfit, Colosseum II. But onc　　e more, Moore's tenure in his latest outfit was fleeting; he appeared on onl　　y three recordings (1976's Strange New Flesh, plus a pair in 1977, Electric Savage and War Dance), as Moore accepted an invitation by his old buddy Lynott to fill in for a Thin Lizzy U.S. tour, playing arenas opening for Queen.

Moore proved to be quite busy in 1978, as the guitarist appeared on three other artists' recordings Andrew Lloyd Webber's Variations, Rod Argent's Moving Home, and Gary Boyle's Electric Glide. The same year, Moore issued his second solo release (almost five years after his solo debut), Back on the Streets, which spawned a surprise Top Ten U.K. hit in May of 1979, the bluesy ballad "Parisienne Walkways," and featured vocal contributions by Lynott. Moore joined forces with his Lizzy mates onc　　e more in 1979, appearing on arguably the finest studio album of their career, Black Rose, which proved to be a huge hit in the U.K. (for a fine example of Moore's exceptional guitar skills, check out the album's epic title track). But predictably, Moore ultimately exited the group onc　　e more (this time right in the middle of a U.S. tour), as a rift had developed between Moore and Lynott. Undeterred, Moore lent some guitar work to drummer Cozy Powell's solo release, Over the Top, in addition to forming a new outfit, G Force, which would onl　　y remain together for a lone self-titled release in 1980.

During the early '80s, Moore united with former ELP guitarist/bassist/singer Greg Lake, appearing on a pair of Lake solo releases (1981's self-titled release and 1983's Manoeuvres), in addition to guesting on another Cozy Powell solo release, Octopuss. But it was also during the '80s that Moore finally got serious with his solo career issuing such heavy metal-based works as 1982's Corridors of Power, 1983's Victims of the Future, 1984's Dirty Fingers and the in-concert set We Want Moore!, 1985's Run for Cover, 1987's Wild Frontier, plus 1989's After the War establishing a large following in Europe, despite remaining virtually unknown stateside. The decade wasn't all rosy for Moore, however although he was able to patch up his friendship with Phil Lynott (appearing with Lizzy for several tracks on Life/Live, and teaming with Lynott for a pair of tracks in 1985, "Military Man" and "Out in the Fields," the latter a U.K. hit), years of hard living finally caught up with Lynott, leading to his passing in January of 1986. Moore would subsequently dedicate "Wild Frontier" to Lynott, and honored Thin Lizzy's former frontman on the track "Blood of Emeralds" (from After the War).