김제건의 영화 음악 이야기들

러브 어페어 / Love Affair 음악적 리뷰 + 음악과 동영상모음

Tue, 19 Jan 2010 15:00:37 +0900

러브 어페어 / Love Affair 음악적 리뷰 + 음악과 동영상모음

1994년/감독: Glenn Gordon Caron /주연: Warren Beatty + Annette

Bening / 음악: Ennio Morricone / 108분

빠르게 진행이 되는 블록 버스터들을 패스트 푸드에 비유한다면

이런 멜로 드라마들은 아마도 슬로우 푸드에 해당이 되지 않을까?

그러나 슬로우 푸드가 점차 각광을 받고 있는 21세기가 되면서

흔히 여성 관객용이라고 불리는 이 멜로 드라마들의 인기는

전 세계적으로 점점 쇠락해 가는 듯 한 느낌이다.

그리스어로 노래를 뜻하는 멜로스(Melos)와 드라마(Drama)가 결합이

되었다는 이 단어를 백과사전에서는 “주로 연애를 주제로 한 통속적

이고 감상적인 극“이라고 풀이하고 있는데......

글쎄? 이젠 극장관객들이 감상적인 것들을 별로 좋아하지 않고,

또 싫증을 내고 있다는 의미일까?

한 여론 조사의 결과에 의하면 미국인들이 멜로 드라마 라고 하면

가장 먼저 떠오르는 작품이 바로 이 ‘러브 어페어(Love Affair)‘라고 한다.

1939년에 흑백으로 처음으로 영화화가 되면서 뉴욕의 엠파이어 스테이트

빌딩 102층 관광과 크루즈 여행, 그리고 핑크 샴페인의 사회적인 유행을

불러일으킨 이래, 1957년에 ‘An Affair To Remember(러브 어페어)’ 라는

제목의 컬러 영화로 리메이크가 되면서 다시 크나 큰 히트를 하였고,

1994년에도 이렇게 또 다시 영화가 나왔으니 어찌 유명하지 않을 수가

있겠는가?

아닌 게 아니라 할머니에서부터 손녀까지 3대에 걸쳐 골고루 사랑을 받는

작품이 된 것이다.

이 작품은 또한 '시애틀의 잠 못 이루는 밤(Sleepless In Seattle. 1993)'의

기초가 되기도 하였지만, 그러나 험프리 보가트(Humphrey Bogart)가 처음

주연 다운 주연을 맡았던 같은 제목의 68분짜리 1932년 작은 완전히 다른

내용의 별개 작품이다.

‘바람과 함께 사라지다(Gone With The Wind. 1939)’하면

데이빗 오 셀즈닉(David O Selznick. 1902-1965, 미국 피츠버그)이,

‘밀회(Brief Encounter. 1945)’하면 노엘 카워드(Sir. Noel Coward. 1899-

1973. 영국)가 떠오르듯이 이 ‘러브 어페어(Love Affair)‘라는 작품하면

단연 리오 맥케리(Leo McCarey. 1896-1969. LA)가 떠오른다.

작가, 밀드레드 클램(Mildred Cram)과 공동으로 줄거리(Original Story)를

직접 만들었고, 1939년판의 감독과 제작자로서 샤를르 보와이에(샬 보와예,

Charles Boyer. 1899-1978. 프랑스)와 아이린 던(Irene Dunne. 1898-1990.

미국)을 주연으로 하여 이 작품을 흑백으로 처음 선보인 이래,

1957년도에도 다시 한 번 감독과 제작자로서 직접 리메이크를 하게 된다.

당시 할리우드의 최고의 배우들로 손꼽히던 케리 그랜트(Cary Grant. 1904-

1986. 영국)와 데보라 카(Deborah Kerr. 1921-2007. 영국)가 주연을 맡은

이 두 번째 작품 역시 엄청나게 큰 히트를 하게 되는데, 미국의 황금기(골든

에이지)라고 불리던 1950년대 말의 사회적인 분위기에도 큰 영향을 주었다.

1921년에 감독으로 데뷔를 한 후, 1925년에는 작가(각본가)로도 겸업을

하고, 이후 제작자로서도 할리우드에 크나 큰 공헌을 한 이 리오 맥케리는

‘놀라운 진실(The Awful Truth. 1937-캐리 그랜트 주연)’로

1938년도 제10회 미국 아카데미상의 감독상을 받은 이래,

‘나의 길을 가련다(Going My Way. 1944-빙 크로스비 주연)' 로는

1945년도 제17회 미국 아카데미상의 세 개의 상(작품상, 감독상, 각본상)을

수상하는 큰 영광을 누렸지만, 정작 이 작품으론 수상 후보만 되었었다.

이런 대선배, 리오 맥케리를 평소에 존경해오던 배우 겸 제작자, 워렌 비티

(Warren Beatty. 1937. 미국)는 1990년대에 들어와 ‘딕 트레이시(Dick

Tracy. 1990)‘와 ’벅시(Bugsy. 1991)‘를 만들면서 이 ‘러브 어페어’의

리메이크도 함께 기획했었다는데,

자신이 각본도 공동으로 직접 쓰면서 ‘벅시(Bugsy. 1991)‘이후, 1992년부터

자신의 아내가 된 아넷 베닝(애넷, Annette Bening. 1958. 미국)과 함께

직접 출연까지 하였다.

[영화 잡지 전직 기자가 2010년1월에 출판한 책에 의해 무려 12,000명이

넘는 여성들과 잠자리를 같이 했다고 해서 다시 화제에 오른 할리우드의

대표 바람둥이, 워렌 비티는 큰 딸이 태어나던 해에 21살 연하의 베닝과

결혼식을 올린 후, 환갑이 지난 2000년에 태어난 막내를 포함하여

지금까지 모두 네 자녀를 두고 잘 살고 있다고 한다.]

어쩌다 비행기(원작은 여객선)속에서 만나게 되고 그러다 보니 가볍게 생각

하고 시작이 된 우연의 만남.

더군다나 서로가 다 임자가 있는 형편인데, 거기다 왕년에 미식축구의 스타

선수로 인기가 대단하던 마이크 갬브릴(Mike Gambril-Warren Beatty. 1937.

미국)은 바람둥이로도 소문이 자자하다.

그러나 목적지인 시드니가 아니라 예정에 없던 남태평양의 섬 여행에서

테리 맥케이(Terry Mckay-Annette Bening. 1958. 미국)는

마이크에게 점점 이끌리게 되고, 시간이 지나도 그 감정은 변하지 않을 것

같아 3개월 후인 5월7일에 뉴욕의 엠파이어 스테이트빌딩에서 만나자고

서로 약속을 한다.

만일 한 사람이 나오지 않더라도 나중에 그 이유를 묻지 않기로 하면서...........

리오 맥케리(Leo McCarey)의 원작과 1957년판에는 6개월 후에 만나자고

약속을 하지만, 3개월로 그 시기가 줄어든 것이 세태의 반영인지는 몰라도

여하튼 테리가 당하는 교통사고로 인하여 엇갈려지는 운명은 여전하다.

워렌 비티 부부가 이 영화를 기획하면서 오리지널 스코어(OS)를 이태리가 낳은

최고의 영화음악 작곡가, 엔니오 모리꼬네(Ennio Morricone. 1928. 로마)에게

의뢰한 건 참으로 잘 한 일이다.

여성의 목소리야 말로 지상의 어느 악기보다도 뛰어난 최고의 소리(사운드)

라는 소신이 확고한 그는 이번에도 워렌 비티의 숙모, 지니(Ginny)역으로

등장을 한 캐서린 헵번(Katharine Hepburn. 1907-2003. 미국)이 치는

피아노 반주에 맞춰 여주인공, 테리가 서서 허밍으로 부르는 이 아름다운 곡을

메인 테마(Theme)로 하면서 슬픈 사랑의 분위기를 잘 연출하였다.

오리지널 사운드트랙(OST) 앨범에는 이곡을 ‘피아노 솔로(Piano Solo)‘라고

제목을 붙였지만 아닌 게 아니라 피아노 솔로 연주로 여러 번 배경음악으로

등장을 한다.

* 여주인공, 테리의 허밍 장면:

한편 이 아름다운 멜로디는 1984년부터 활동을 시작하여 그래미상을 네 번이나

받은바 있는 캐나다 출신의 여성 싱어 송 라이터, 케이 디 랭(K. D. Lang. 1961)이

가사가 있는 노래로 발표를 했었는데, ‘트위스터(Twister. 1996)‘라는 영화의

삽입곡으로 다시 사용이 되기도 하였었다.

1957년 판 ‘러브 어페어(An Affair To Remember)'에서도 남자주인공의

숙모네 집을 방문하는 같은 설정의 장면이 있지만, 그 장면에서 여주인공인

데보라 카는 영화의 주제곡을 가사가 있는 노래로 직접 부른다.

[‘웨스트 사이드 스토리(Westside Story. 1961)’와 ‘마이 페어 레이디(My Fair

Lady.1964)’에서 이미 여주인공들의 노래를 더빙한바 있는 가수, 마니 닉슨

(Marni Nixon)이 이번에도 데보라 카의 목소리를 더빙을 하였다.]

* 제인 몰건(Jane Morgan) 버전(가사 있음):

이 주제곡은 제작자이자 감독인 리오 맥케리(Leo McCarey)가 직접 작사를

했다고 해서 더욱 화제였었는데, 작곡은 ‘I Only Have Eyes For You'등을

만든 해리 워렌(Harry Warren)이 하였고, 1957년 판 ‘러브 어페어(An Affair

To Remember)’의 오프닝 크레디츠 장면에선 빅 데이몬(Vic Damone)의

버전이 등장을 하였지만 이후 냇 킹 콜(Nat King Cole)등에 의해 다시

큰 히트를 하게 된다.

* 냇 킹 콜 버전:

엔니오 모리꼬네가 음악을 맡은 영화답지 않게 1994년도 판 이 작품에서는

삽입곡들도 상당히 많이 등장을 하는데, 그중에서도 교통사고를 당한 후에

테리가 휠체어에 앉아 유치원 아이들과 함께 수화, 손동작을 하면서

노래를 하는 장면에서 등장을 하는 비틀즈(The Beatles)의 그 유명한 곡,

‘아이 윌(I Will-존 레논+폴 매카트니 작품)’은 삽입곡들 중에서 가장

인상적이라는 일반적인 평을 받기도 하였다.

또한 영화 초반부에서 등장을 하는 루이 조단(Louis Jordan)의 초기 재즈 곡,

‘오른손이 하는 일을 왼손이 모르게(Never Let You Left Hand Know What

Your Right Hand's Doing)’와 역시 재즈 곡인 바비 숏(Bobby Short)의 ‘변화

(Changes)‘, 그리고 마이크의 숙모네 집으로 갈 때 들려오는 루이 암스트롱

(Louis Amstrong)과 루이 조단(Louis Jordan)의 재즈 듀엣 곡, ‘묘한 인생

(Life Is So Peculiar)‘도 복고풍을 지향하는 워렌 비티의 제작 의도를

충분히 만족시켜 주었지만, 크리스마스 자선음악회의 마지막 출연자로 나온

레이 찰스(Ray Charles)가 부른 캐롤, ‘크리스마스 송(The Christmas Song)’

역시도 상당히 인상적인 선곡이다.

* 냇 킹 콜 버전:

1932년의 데뷔이래, 60년 이상을 연기해오면서 20세기, 할리우드의 한

시대를 풍미하며 영화 발전의 산증인이 되었던 캐서린 헵번(Katharine

Hepburn. 1907-2003. 미국)에게 이 작품은 마지막 영화가 되었다.

피부암과 파킨슨병에 시달리면서도 86세의 병든 노구를 이끌고 출연을

하였는데, 그녀가 한 대사에도 “86세까지 살 줄 알았으면 가정부를

내 보내지 않았을 걸(If I Knew I Was Going To Live To 86, I Wouldn't

Have Let The Maid Go)"이란 유머가 있지만 워렌 비티는 이 대사까지

직접 써가면서 투병 중이던 그녀의 출연을 강력히 권유하고 설득했었다고 한다.

하지만 "Fxxx"이라는 욕을 대사로 한 그녀의 유일한 영화로 기록이 된 점은

그녀의 찬란하였던 과거 경력을 감안했을 때 아쉬움을 준다.

마이크가 테리를 나중에 다시 만나는데 결정적인 단서가 되는 그림에서도

보이지만, 캐서린 헵번이 그 역을 맡은 지니 숙모네 집 앞의 특이하게 생긴

산들은 로케이션 장소인 프랑스령 폴리네시아(French Polynesia), 타히티

(Tahiti)와 프랑스령 폴리네시아 무레아(Moorea)에 실제로 존재한다고 한다.

(맨 위의 사진+아래 사진)

찰리 채플린의 1952년도 명작, '라임라이트(Limelight)'에 나오는 발레리나

여주인공의 이름도 테리(Terry)이지만, 이 영화의 여주인공, 테리가

교통사고를 당하고 나서부터의 장면들은 언제나 그렇지만 볼 때마다

항상 가슴이 저려오는데 그나마 해피엔딩으로 잘 마무리를 지은 점은

역시 할리우드답다고나 할까?

그런데 살아가면서 이런 멜로드라마를 보고 싶어지는 날이 점점 더 느는

이유는 뭘까?

* OST 앨범 수록곡 리스트:

01: Never Let You Left Hand Know What Your Right Hand's Doing

- Louis Jordan

02: Changes - Bobby Short

03: Life Is So Peculiar - Louis Amstrong +Louis Jordan

04: The Christmas Song- Ray Charles

05: For Annette & Warren

06: Promise In The Air

07: Waiting For That Day

08: Anxiety And Joy

09: Piano Solo (본문에 음악)

10: Sentimental Walk

11: Journey Of Love

12: Return

13: Finding Each Other Again

14: Love Affair [End Credit]

* 예고 편 과 관련 동영상모음:

* 마지막 장면:

* 1957년 판 ‘러브 어페어'의 장면:

* 1939년 판 ‘러브 어페어’의 장면 :

Jay. 250. Jan. 2010.

오스트레일리아 / Australia 음악적 리뷰 + 음악과 동영상모음

Tue, 24 Nov 2009 09:53:54 +0900

오스트레일리아 / Australia 음악적 리뷰 + 음악과 동영상모음

2008년/감독:Baz Luhrmann/주연: Nicole Kidman + Hugh Jackman

Brandon Walters /음악:David Hirschfelder/165분

관광 수입으로 벌어드리는 외화만 가지고 먹고 사는 나라도 있다는데,

그래서 꼭 그런 건 아니겠지만,

모든 나라들이 이젠 국가 브랜드를 매우 중요시 하는 시대가 되었다.

이는 1944년에 조셉 샌트리(Joseph Santley. 1889-1971. 미국)

감독이 ‘브라질(Brazil)‘이라는 제목의 뮤지컬 러브 스토리 영화를

만들 때와 또 비록 동명 타이틀이긴 하지만 리메이크 작은 아니며,

브라질이라는 국가도 전혀 등장하지 않는 테리 길리엄(Terry

Gilliam. 1940. 미국) 감독의 1985년의 S F 영화, ‘브라질(Brazil)‘이

만들어 질 때와도 상황이 전혀 달라진 것이다.

새 세기가 시작이 된 2000년 시드니 올림픽으로 한껏 국가 브랜드를

업그레이드시킨 오스트레일리아 정부는 자국에서 이 영화가 기획이 되고

첫 촬영이 시작이 된 2007년 봄부터 전폭적인 지원을 아끼지 않았다고

하는데, 2008년의 이 영화의 개봉이야말로 8년 전의 올림픽에 버금가는

국가적인 호재로 인식을 했었다고 한다.

물론 이 역시도 장 자끄 앙드리앙(Jean-Jacques Andrien. 1944. 벨지움)

감독이 동명 타이틀로 1989년도에 프랑스와 벨기에가 합작을 한 영화,

‘오스트랄리아(제레미 아이언스 주연)’의 개봉 때와도 또 다른 분위기인

것인데, 그만큼 이제는 문화를 중요시 하는 시대가 된 것이다.

우리나라에서도 최근에 정부에서 국격(國格)을 높이는 방안들을 연구하고

있다고 하는데, ‘코리아’하면 핵 문제부터 먼저 떠오른다는 외국인들의

인식을 바꾸는 문제가 그리 쉽지는 않겠으나 그러나 우리들의 다양한

문화를 기반으로 하는 해결책들이 속히 나왔으면 좋겠다.

1939년9월,

이곳 오스트레일리아에 머물고 있는 남편을 만나려고 멀리 영국에서부터

날아 온 레이디 새라 애쉴리(Lady Sarah Ashley - Nicole Kidman. 1967.

하와이).

그녀를 마중하려 남편이 보낸 거친 사나이, 드로버(Drover - Hugh Jackman

1968. 시드니)와 함께 사막을 횡단하여 북부 지방, 노던 테리토리에 있는

팔어웨이 다운스(Faraway Downs)목장에 도착을 하였으나 남편은 이미

이 세상 사람이 아니고, 유산으로 남겨진 목장과 소, 1500마리들을 처분하고

영국으로 돌아가는 문제가 보통 일이 아니다.

거기다 이들을 방해하고 해치려는 무리까지 있어 더욱 골치가 아픈 가운데,

새라는 자신을 ‘미세즈 보스‘라고 부르는 원주민 혼혈아, 눌라(Nullah-Brandon

Walters. 1996. 호주)까지 포함이 되고 드로버가 주도하는 소몰이 팀에 합류를

하여 다윈으로 향한다.

그리고 역경을 디디고 사막을 통과하는 사이, 몰라보게 점점 강해지는 새라는

눌라는 물론이고 어느새 야성미가 넘쳐나는 드로버까지 사랑을 하게 되는데.......

'물랑 루즈(Moulin Rouge. 2001)'에서 무척이나 다양한 음악으로 우리들을

즐겁게 해주었던 바즈 루어만(Baz Luhrmann. 1962. 호주)으로서는

이번에는 무심하다고 할 정도로 음악의 비중을 낮추었는데,

이는 에픽 스타일의 작품 성격을 강조하기위한 불가피한 조처였다고 한다.

그러나 이 영화에서 주제곡 이상으로 주제곡의 역할을 톡톡히 한 노래,

한 곡을 루어만은 작품 기획 당시부터 선곡을 해두었었다고 하는데,

그 곡이 바로 1930년대의 불후의 명작, ‘오즈의 마법사(The Wizard Of Oz.

1939)‘의 주제곡인 ’오버 더 레인보우(Over The Rainbow)‘이다.

1940년도 제 12회 미국 아카데미상에서 주제곡 상을 물론 받기도 하였지만,

이젠 클래식이라고 불리기에 조금의 이상도 없는 명곡중의 명곡인 이곡은

쥬디 갤런드(Judy Garland. 1922-1969. 미국)를 상징하는 그녀의 대표적인

곡(Signature Song)이기도 하다.

1930년부터 브로드웨이의 수많은 히트곡들을 양산해온 작곡가, 해롤드 알렌

(앨런, Harold Arlen. 1905-1986. 미국)의 일생 일대의 명작으로서

에드가 입셀 핼버그(E.Y. Harberg. 1896-1981. 미국)가 작사를 하였는데,

‘무지개 넘어 어딘가에(Somewhere Over The Rainbow)‘라는 원제목에서의

그 무지개를 천국과 연결되는 마법의 통로(Magic Lane)로 표현 하였다.

이 명곡, ’오버 더 레인보우‘는 정작 ‘오즈의 마법사(1939)’에서 보다

이 영화에서 더욱 더 중요한 위치를 차지한 셈이 되었다.

새라 애슐리가 눌라에게 가르쳐 준 곡으로 줄거리에 등장을 하는 이 곡은

나중에 눌라가 휘파람으로 그리고 하모니카로도 연주를 하게 되지만,

그 하모니카 연주는 결국 폭격 속에 폐허가 된 다윈 시에서 생사를 모르던

주인공들, 즉 미션 아일랜드에서 간신히 살아서 돌아오는 눌라와 드로버가

새라와 극적으로 재회를 하는데 결정적인 단초가 되는 것이다.

(아래의 사운드 트랙 참조)

작품 전체의 클라이맥스가 되는 이 장면이야말로 그래서 음악적으로도 가장

감동적인 순간을 연출하였지만, 척하면 삼천리라고 바즈 루어만과 함께

영화로선 데뷔작인 무대극 삼부작의 첫 번째 작품, ‘댄싱 히어로(Strictly

Ballroom. 1992)’때부터 줄 곳 함께 해 온 동향의 작곡가 데이빗 허쉬펠더

(David Hirschfelder. 1960. 호주)는 바로 이 하모니카 연주도 자신이 직접

불어가면서 루어만의 의도를 이렇게 잘 살려주었다.

‘샤인(Shine.1996)’때 부터 미국 아카데미상과 골든 글로브의 수상 후보가

되었던 그는 ‘베터 댄 섹스(Better Than Sex. 2000)’로도 또 다시 주목을

받기도 했었다.

’오버 더 레인보우‘같이 중요한 위치를 차지하지는 않았지만, 그래도 제목이

바로 ‘오스트레일리아’ 이니 만큼, 호주를 상징하고 또 호주를 대표하는 그들의

제 2의 국가, ‘월칭 마틸다(The Waltzing Matilda)’ 역시 데이빗 허쉬펠더가

작곡한 이 영화의 전체 오리지널 스코어(OS)에 자연스럽게 인용이 되었다.

핵폭탄으로 인해 지구의 온 인류가 멸망한다는 줄거리의 1950년대 고전영화,

‘그날이 오면(On The Beach. 1959)’(월칭 마틸다의 곡 해설 있음)에서도

주제곡같이 여러 번 사용이 되었었지만, 드로버가 주도하는 대규모 소몰이

시퀀스와도 상당히 잘 어울리는 분위기를 연출하였다.

하지만, 이 서사극이 차용을 한 이 유명한 두 곡 외에 정작 이 영화의 주제곡은

영화가 끝나고 엔딩 크레디츠에서만 들을 수 있기 때문에 극장에서는 듣기가

그리 쉽지 않은데, 엘튼 존(Elton John)이 작곡을 하고 직접 노래를 한

‘드로버의 발라드(The Drover's Ballard)‘가 제 1의 주제곡이라면,

앤젤라 리틀(Angela Little)이 작곡을 하고 노래를 부른 '밥 나무 곁에서

(By The Boab Tree)'가 제 2의 주제곡이라고 할 만 한데,

두 곡 다 바즈 루어만이 직접 작사를 했다는 것이 특징이 되겠다.

아메리카 대륙의 인디언 원주민 문제들이 여전한 미해결 숙제이듯이,

1998년과 2008년도의 호주 정부의 공식적인 사과(총리 담화)에도 불구하고

속칭, 호주의 ‘빼앗긴 세대(The Stolen Generation)‘라 불리는 원주민 혈통의

혼혈아 문제 역시 21세기인 아직까지도 명쾌한 해결책이 없어서 그런지,

바즈 루어만은 이 작품의 여러 주제들 중의 하나로 이 인종차별의 문제를

필립 노이스(Phillip Noyce) 감독의 ‘토끼 울타리(Rabbit - Proof Fence.

2002)'와 마찬가지로 의도적인 부각을 시켰다고 한다.

호주의 백인 사회에서 원주민 혼혈아들이 노예로서 살아가도록 가족으로 부터

강제로 떨어져 다윈(Darwin)시가 있는 호주의 북부, 노던 테리토리에서

억지 훈련을 받았던 시점이 이 영화의 배경시대인 점도 그렇지만

‘크리미(Creamy)’라고 놀림을 받는 주인공, 눌라(Nullah)역의 원주민 혼혈아,

브랜든 월터스(Brandon Walters. 1996. 호주)의 등용도 그래서 결코 우연은

아닌 것 인데, 11살의 나이로 이 작품에 출연을 한 귀여운 월터스는

동네 수영장에서 캐스팅이 되었다고 한다.

눌라가 할아버지, 킹 조지(King George-David Gulpilil. 1953. 호주)와 함께

대자연의 품으로 돌아가는 마지막 장면 역시 그래서 루어만의 의미심장한

메시지가 담겨져 있는 듯하다.

서울의 청계천 광장에서 ‘오 필승 코리아!’를 힘차게 부르던 휴 잭맨(Hugh

Jackman. 1968. 시드니)은 2000년부터 시작이 된 엑스맨(X-men) 시리즈로

스타덤에 오른 이래 가축몰이 꾼의 의미가 있는 이름, 드로버(Drover)역으로

새로운 이미지를 창조하였다고 칭찬을 받았다.

하지만 2001년도의 '물랑 루즈(Moulin Rouge)' 이후 오랜만에 손발을 맞춘

니콜 키드먼과 바즈 루어만은 별로 좋은 평들을 받지 못한 듯 한데,

원주민 혼혈아 문제를 비롯하여 너무 많은 것들을 보여주려 한 것은 아닌지,

기존의 여러 작품들을 모방했다는 악평에 루어만은 한동안 시달려야만 했었다.

서부극의 대가, 존 포드(John Ford. 1894-1973. 미국)가 여러 웨스턴 무비에서

즐겨 다루었던 소몰이 주제를 중심으로 하면서, 새라 애쉴리의 호주 방문은

'아웃 오브 아프리카(Out Of Africa. 1985)’에서 그리고 일본 해군의 무자비한

다윈시 폭격은 '진주만(Pearl Harbor. 2001)'을 그대로 베끼면서 ‘에픽(Epic)'

이라고 흔히들 표현을 하는 서사극으로 미끈하게 포장을 했다는 것인데,

지루하지 않게 편집을 잘 하기는 했지만 일리가 아주 없는 비평도 아니기에

이런 누명을 벗어야만 할 바즈 루어만의 차기 작이 새삼 궁금해진다.

(위의 사진 중간).

그리고 어느새 40대에 접어든 니콜 키드먼도 미모를 앗아가는 세월이란 존재는

역시 어찌할 수가 없는 모양이다.

* 예고 편 과 동영상모음:

Jay. 249. Nov.'09.

가을의 전설/ Legends Of The Fall 리뷰(영화 제목이야기) + 음악과 동영상모음

Mon, 18 Jan 2010 16:18:40 +0900

가을의 전설/ Legends Of The Fall 리뷰(영화 제목이야기) + 음악과 동영상모음

1994년 / 제작+감독: Edward Zwick / 주연: Brad Pitt + Anthony Hopkins

음악:James Honor / 133분

수입을 하는 외국 영화에다가 한글 제목을 붙이는 스타일도

세월이 흘러가고 시대가 변해가면서 꽤 많이 달라지고 있다.

1950년대 초, 한국전쟁이 끝나고 나서부터 봇물 터지듯 밀려들어 오기

시작한 수입 영화들,

그 시절과 또 1960년대, 그리고 1970년대에는 마치 중국 영화 제목과도

같은 짧은 한문 제목들, 즉 예를 들어,

'애수(哀愁-Waterloo Bridge. 1940)', ‘밀회(密會-Brief Encounter. 1945)'

'오명(汚名-Notorious. 1946)', ‘이창(裏窓- Rear Window. 1954)‘,

‘여정(旅程-Summertime. 1955)’, ‘모정(慕情-Love Is A Many Splendored

Thing. 1955)’, ‘정부(情婦- Witness For The Prosecution. 1957)’,

‘형사(刑事-Un Maledetto Imbroglio. 1959)’, ‘정사(情事-L'Avventura. 1960)',

‘이수(離愁-Aimez-Vous Brahms. 1961)’, '졸업(卒業-The Graduate. 1967)',

'결투(決鬪-Duel. 1971)', '대부(代父-The God Father. 1972)', '무숙자(無宿者

-My Name Is Nobody. 1973)' 등등,

한문세대들을 위한 제목들이 유행을 하던 시절이 있었다.

그런가 하면, '지상에서 영원으로(From Here To Eternity. 1953)',

'뜨거운 것이 좋아(Some Like It Hot. 1959)',

‘영광의 탈출(Exodus. 1960)’, '태양은 가득히(Plein Soleil. 1960)',

'네 멋대로 해라(A Bout De Souffle. 1960)',

‘우리에게 내일은 없다(Bonnie And Clyde. 1967)‘,

'웨스턴(Once Upon A Time In The West. 1968)',

'내일은 향해 쏴라(Butch Cassidy And The Sundance Kid. 1969)',

'암흑가의 두 사람(Deux Hommes Dans La Ville. 1973)',

'미지와의 조우(Close Encounters Of The Third Kind. 1977)',

'지옥의 묵시록(Apocalypse Now. 1979)', ‘베를린 천사의 시(Der Himmer

Uber Berlin. 1987)', 등등과도 같이 일본 영화계에서 지은 일본어 제목을

그냥 그대로 사용하기가 급급하던 시절도 오랜 세월동안 있었는데,

그건 아마도 아시아 최고의 영화 시장인 일본을 경유하지 않고서는 외화를

수입할 수가 없었기 때문이기도 했었다.

하지만, ‘젊은이의 양지(A Place in The Sun. 1951)’,

‘사랑은 비를 타고(Singing In The Rain. 1952)’, ‘하오의 연정(Love In The

Afternoon. 1957)’, ‘석양의 갱들(A Fistful Of Dynamite. 1971)’, ‘총알탄 사나이

(The Naked Gun. 1988)‘ , ’나 홀로 집에(Home Alone. 1990)‘ 등등과도 같이

우리나라에서 자체적으로 잘 지은 제목들도 상당히 많았는데, 한 편으로는

'신사는 금발을 좋아 한다(Gentlemen Prefer Blondes. 1953)',

‘이유 없는 반항(Rebel Without A Cause. 1955)',

'달콤한 인생(La Dolce Vita. 1960)', '파리에서의 마지막 탱고(Last Tango In

Paris. 1973)', ‘알프레도 가르시아의 목을 가져와라(Bring Me The Head Of

Alfredo Garcia. 1974)‘, ’죽은 시인의 사회(Dead Poets Society. 1989)‘ 같이

원제목의 뜻을 충실하게 번역하던 스타일도 유행을 했었다.

그리고 ‘리오 브라보(Rio Bravo. 1959)’, ‘마이 페어 레이디(My Fair Lady.

1964)‘, ’사운드 오브 뮤직(The Sound of Music. 1965)‘, ‘이지 라이더

(Easy Rider. 1969)’, ‘미드나잇 카우보이(Midnight Cowboy. 1969)’,

‘포세이돈 어드벤처(Poseidon Adventure. 1972)’, ‘택시 드라이버(Taxi Driver.

1976)‘, ’리틀 로망스(A Little Romance. 1979)‘ 등등과도 같이

전부터도 물론 전혀 없었던 것은 아니었지만, 1980년대가 시작되면서부터는

영어 제목을 발음이 나는 데로 그대로 표기하는 게 유행이 된 듯싶은데,

‘블레이드 러너(Blade Runner. 1982)’,

‘원스 어폰 어 타임 인 아메리카(Once Upon A Time In America. 1984)’,

‘스트리트 오브 파이어(Street Of Fire. 1984)’, ‘아웃 오브 아프리카(Out Of Africa.

1985)’, ‘위트니스(Witness. 1985)’, ‘탑 건 (Top Gun. 1986)’, ‘드라이빙 미스

데이지(Driving Miss Daisy. 1989)’, ‘비포 선 라이즈(Before Sunrise. 1995)’,

‘미션 임파서블(Mission Impossible. 1996)‘, ’셸 위 댄스?(Shall We Dance? 1996

+ 2004)‘, ‘아이즈 와이드 셧(Eyes Wide Shut. 1999)‘ 등등도 있었지만,

21세기에 접어들어서는 이렇게 대부분의 영화들이 원어 발음을 그대로

표기하면서 국내용 제목을 만드는 것이 이제는 아주 자연스러워졌다.

그런데 이 영화의 한글 제목, ‘가을의 전설’은 아주 인상적인 제목이다.

“떨어지다, 쓰러지다, 빠지다.“등을 의미하는 ‘폴(Fall)’이 한 편으로는 계절인

‘가을’을 뜻하는 것도 떨어지는 낙엽을 연상한다면 나름대로 재미가 있지만,

그러나 이 영화 원제목에서의 ‘폴(Fall)’은 결코 가을을 의미하는 것이 아니라,

성경적 의미에서 도덕적인 ‘추락(Fall)‘, 즉 '타락(Corrupt-Fall)'과 함께 '몰락

(Fall Low)'도 의미한다는 점을 짐 해리슨(Jim Harrison. 1937. 미국)이 쓴

원작 소설을 보면 알 수가 있다.

그러니 물론 알고 그랬겠지만, 오역은 분명한 오역인데, 그러나 멋이 있는

오역이 아닐 수 없다.

만일 ‘타락의 전설’이나 ‘몰락의 전설’로 제목이 정해졌다면 ‘가을의 전설’이라는

이 낭만이 깃든 제목보다 얼마나 멋이 없는 일이겠는가?

희한한 제목을 잘 만들어 붙이길 좋아하는 일본에서는 원어 발음 그대로 ‘레전드

오브 폴’이라고 했으며, 또 전 세계적으로는 스웨덴과 함께 딱 두 나라만 이렇게

계절인 가을을 넣어 오역을 했다지만, 그럼에도 불구하고 이 ‘가을의 전설’은

매년 가을만 되면 다시 생각이 나고 또 보고 싶은 영화로 자리매김까지 하였으니

이 얼마나 멋진 일인가 말이다.

같은 해에 개봉이 된 ‘쇼생크 탈출(The Shawshank Redemption. 1994)’에서

조연인 레딩(Redding-Morgan Freeman)이 주인공인 앤디 듀프레인(Andy-

Tim Robbins)의 이야기를 독백의 형식으로 전해 주었듯이 이 작품에서도

인디언 원주민, 원 스탭(한번 찌름-One Stab- Gordon Tootoosis. 캐나다)이

몰락하는 ‘러드로우 가문(The Ludlows)‘의 이야기를 독백으로 들려준다.

20세기 초에 군대를 퇴역 한 후, 몬태나의 외딴 목장에 정착을 한

윌리엄 러드로우 대령(William Ludlow- Anthony Hopkins. 1937. 영국).

슬하에 세 아들이 있지만, 그중에서도 가을에 태어난 거칠고 강인한 성격의

둘 째, 트리스탄(Tristan- Brad Pitt. 1963. 오크라호마)을 가장 좋아한다.

그런데, 유학을 갔던 막내, 새뮤얼(Samual-Henry Thomas. 1971. 텍사스)이

약혼녀라고 수잔나(Susannah- Julia Ormond. 1965. 영국)를 데리고 오면서

부터, 형제간의 우애에 서서히 금이 가는 애증의 갈등이 시작된다.

그리고 세계 제1차대전의 참전과 새뮤얼의 전사는 맏아들, 알프레드(Alfred-

Aidan Quinn. 1959. 시카고)에게 수잔나와 결혼을 하게끔 만들었으나,

새뮤얼을 지켜주지 못한 죄책감에 집을 떠났던 트리스탄이 다시 돌아오면서,

수잔나와의 관계가 원작 소설의 제목에서의 ‘폴(Fall)’이 의미하는 데로 흐르고,

또 예고편에서 강조하는 키워드, 열정(정욕-Passion), 배신(Betrayal), 광기

(Madness), 그리고 몰락(Fall)이 다 함께 찾아온다.

"그 여인의 우아함은 식구들을 단합시켰으나, 그 여인의 정욕은 그들을

갈라놓았다.“가 그래서 바로 이 영화의 택 라인(Tag line - 선전슬로건)이다.

로키산맥을 배경으로 한 몬태나 서부가 주무대인 이 작품은 정작 몬태나에서

촬영을 하지 않고 캘거리와 밴쿠버 인근의 캐나다 지방에서 촬영을 하므로서

약 2백만 달러의 예산을 절약했었다고 하는데, 수려하고 아름다운 그 경치

못지않은 오리지널 스코어(OS)의 음악 역시도 상당히 인상적이다.

이젠 누가 뭐래도 중견 영화음악가가 된 제임스 호너(제임스 아너-James Honor.

1953. 미국)가 작곡을 한 장엄하면서도 한편으로는 어디선가 애절한 분위기도

느낄 수 있는 이 메인 테마(Main Theme)곡은 ‘러드로우 가문(The Ludlows)‘이란

부제가 붙었는데, 영화 제목과 같은 메인 타이틀곡은 별도(OST 앨범의 첫 번째 곡

-아래 음악 있음)로 또 준비를 하였다.

20세기 영화음악사에 남을 명작의 하나로 손꼽히는 이 주제곡의 정통적 관현악

(심포니) 분위기는 한편으로는 존 배리(John Barry)가 작곡을 한 ‘늑대와 춤을

(Dances With Wolves. 1990)‘의 주제곡을 연상시키기도 한다.

엔니오 모리꼬네가 ‘웨스턴(Once Upon A Time In The West. 1968)‘이나

‘석양의 갱들(A Fistful Of Dynamite. 1971)‘등에서 즐겨 사용한 스켓 창법의

여성 코러스를 아주 좋아하여서 이번 영화음악(특히 OST앨범의 13번째 곡 외)

에서도 같은 기법을 사용하기도 한 작곡가, 제임스 호너(아너)는

이 영화의 감독인 에드워드 즈윅(Edward Zwick. 1952. 시카고)과는

‘글로리(Glory. 1989)’때부터 협력을 하던 사이로 이 영화 이후에도

‘브레이브 하트(Braveheart. 1995)’ 나 ‘타이타닉(Titanic. 1997)’의

'My Heart Will Go On' 등으로서 스타 작곡가로 급부상을 한다.

‘이 티(E.T. 1982)’에 나왔던 그 꼬마의 얼굴이 어느 정도 남아있는 막내 아들,

새뮤얼(Samuel)역의 헨리 토마스(Henry Thomas)가 자신의 약혼자인 수잔나

(Susannah)의 피아노 반주에 맞춰 노래를 부르는 평화스러운 장면이 있는데,

노래의 제목은 '해질녘의 안개(Twilight And Mist)'로서,

비록 OST 앨범에는 수록이 되어 있지 않지만 이 영화하면 생각이 나는 곡이

아닐 수 없는데, 제임스 호너(아너)가 작곡을 한 메인 테마(The Ludlows)의

일부분을 응용하고 있다.

가사는 저녁 무렵 숲가에서 본 소녀(메이든)의 신비로움을 찬양하고 있지만,

수잔나에게 바치는 사랑의 찬가로는 가사가 적절치 않고 또 너무 전설적이다.

Twilight And Mist

As evening fell, a maiden stood at the edge of wood

In her hands lay the rein of a stallion

And never I'd seen a girl as fair, heard a gentle voice anywhere

Whispered "Alas...."

She belonged, belonged to another, another forever

Yes. She belonged to the twilight and mist.

세르지오 레오네(Sergio Leone)에게 ‘원스 어펀 어 타인 인 아메리카(Once Upon

A Time In America. 1984)‘가 16년이 걸린 그의 평생의 '꿈의 프로젝트'였다고

하지만, 에드워드 즈윅(Edward Zwick. 1952. 시카고)에게도 이 작품은 17년이나

걸린 대기만성의 프로젝트였다고 한다.

LA에서 학교를 마친 후, 음악 잡지, 롤링 스톤(Rolling Stone)에서 글 쓰는 일을

하다가, 1976년의 TV 시리즈인 '가족(Family)'으로 제작과 연출 데뷔를 하자마자

이 작품의 영화화를 열망했었다고 하니 아닌 게 아니라 무려 20여년이 걸린 셈이다.

제작자로서 활동을 하는 10살 차이가 나는 큰 형 덕택에 힘들이지 않고,

할리우드 영화계에 진입한 그는 다작을 하는 편은 아니지만, 21세기 근래에도

‘라스트 사무라이(The Last Samurai. 2003)‘와 ‘블러드 다이아몬드(Blood Diamond.

2006)’등의 문제작으로 활약을 계속하고 있는데 역시 이 ‘가을의 전설’이야말로

아직도 그의 출세작이자 대표작이라고 할 수가 있다.

수려한 영상을 찍은 존 톨(John Toll)에게 1995년 제 67회 미국 아카데미상의

촬영 상을 안겨주었고 작품 전체로는 총 3개 부문에 수상 후보작이 되었었다.

브래드 핏(Brad Pitt. 1963. 미국)에게도 이 작품은 결코 잊을 수 없는 출세작이다.

피플(People)잡지는 이 영화 개봉 후에 그를 ‘현존하는 최고의 섹시스타(Sexiest

Man Alive)‘로 불렀지만, ‘델마와 루이스(Thelma & Louise. 1991)’에서의 양아치

카우보이나 ‘흐르는 강물처럼(A River Runs Through It. 1992)’에서 목사님의

둘째 아들로 나왔던 전작들과는 아주 차원이 틀린 배역을 이 작품에서 차지하면서

일약 스타덤에 오르게 되는데, 가운데 가르마를 탄 긴 금발 머리의 그 야성적인

이미지가 너무나도 생생하게 각인이 되었다.

또 그런 그에게 너무나도 잘 어울리는 트리스탄(Tristan)이라는 신화적인 이름역시

이 ‘가을의 전설’하면 브래드 핏부터 먼저 연상을 시킨다.

그래서 누군가는 이 영화 제목에서의 ‘폴(Fall)‘이란 바로 극중 마지막에서 곰의

운명을 이어받게 되는 트리스탄 자신을 의미하므로 ‘가을의 전설‘은 바로 주인공,

‘트리스탄의 전설’을 의미하는 것이라고 나름대로 설명을 하기도 했었다.

기획 당시에는 탐 크루즈(Tom Cruise) 나 자니 뎁(Johnny Depp)에게

이 배역을 주려고 했었다고 하니 역시 출세란 다 때가 있는 모양이고,

또 젊은 시절의 제임스 딘(James Dean)이 출연했었더라도 이 브래드 핏보다

결코 낳지가 않았을지도 모를 일이다.

* OST 앨범 수록 곡 리스트:

01: Legends Of The Fall

02: The Ludlows (본문에 음악)

03: Off To War

04: To The Boys

05: Samuel's Death

06: Alfred Moves To Herena

07: Farewell/ Descent Into Madness

08: The Changing Seasons, Wild Horses, Tristan's Return

09: The Wedding

10: Isabel's Murder, Recollections Of Samuel

11. Revenge

12: Goodbyes

13: Alfred, Tristan, The Colonel, The Legend..

14: Credits

* 예고 편 과 관련 동영상 모음:

Jay. 248. Oct.'09

맘마 미아! / Mamma Mia! 음악적 리뷰(뒷이야기) + 동영상과 음악모음

Fri, 18 Sep 2009 11:01:31 +0900

맘마 미아! / Mamma Mia! 음악적 리뷰(뒷이야기) + 동영상과 음악모음

2008년/ 감독: Phyllida Lloyd / 주연: Meryl Streep + Amanda Seyfried +

Pierce Brosnan/ 음악: Benny Anderson / 108분

런던의 웨스트엔드(West End)이건, 뉴욕의 브로드웨이(Broadway)이건,

20세기와 21세기를 총망라 한 역대 뮤지컬들 중에서 최고의 흥행 수입을

기록한 작품은 과연 무엇 일까?

“아이고, 엄마야! “, ”어머나! “또는 ”세상에, 맙소사“ 정도의 감탄사로

해석이 되어야 할 ‘맘마 미아(Mamma Mia - My Momma)’라는 오래 된

하나의 팝송 제목이 1999년 4월의 런던의 프린스 에드워드극장에서의 초연이후

10년이 지나 가면서 전 세계 160여개의 도시에서 지금까지 사천만 명이상이

관람을 한 역대 사상 최고의 흥행 뮤지컬 제목으로 변모를 하고,

그리고 마침내 2008년도에는 모두 육억 달러이상의 흥행 수입을 올리게 된

이 영화의 제목으로까지 인용이 되리라고는 아마 이 노래가 처음 발매가

되었던 1975년도 당시엔 이 노래의 주인공이었던 아바 (ABBA)까지도 미처

몰랐으리라.

두 살짜리 아들과 뱃속의 딸이 있으면서 저소득층 보조금에 의지해 살아오던

가난 한 작가이자 싱글 맘, 캐서린 존슨(Catherine Johnson. 1957. 영국)에게

1997년에 걸려온 한통의 희곡 집필의뢰 전화는 오늘 날 그녀에게 ‘해리 포터’

시리즈의 작가, 조앤 롤링(Joanne K. Rowling) 못지않은 명성과 부를 안겨

주었다는데, 22곡의 주옥같은 아바의 히트 곡들도 모두 자신이 직접 선곡을

하였다지만, 아바가 작사를 한 가사들을 기반으로 한 희곡의 줄거리에도

주인공과 같은 미혼모였던 작가 자신의 경험들이 고스란히 녹아있다고 한다.

특히 관객들뿐만 아니라 출연진들도 가장 좋아했었다는 ‘댄싱 퀸(Dancing

Queen)’ 시퀀스는 머리를 빗으며 노래를 하던 10대 시절의 반항적이었던

자신을 모델로 했었다고 하며, 두 자녀를 키운 경험 역시도 집필에 매우

중요했었다고 하니, 역시 인생은 ‘새옹지마(塞翁之馬)‘ 가 아닐 수 없다.

물론 1983년부터 아바의 베니 앤더슨을 만나서 뮤지컬 제작을 의논하였고,

캐서린 존슨에게 전화를 한 여성 프로듀서, 주디 크래이머(Judy Craymer.

1957. 영국)의 원천적인 공로야말로 다시 두말 할 필요가 없겠다.

우리나라에서도 이 뮤지컬은 2004년에 초연이 된 이후, 모두 650여 차례

이상 공연이 되었고 약 100여만 명이상이 관람을 했다고 한다.

특정 작품을 위해 새로이 창작을 한 것이 아니라 기존에 발표되었던 팝송들이

줄줄이 등장을 한다고 해서 '죽박스(Jukebox)뮤지컬'이란 별칭으로

1970년대 중반서부터 간간히 공연이 되어오던 이 뮤지컬 분야에 폭발적이고

새로운 패러다임을 보여준 이 ‘맘마 미아!’는 1980년대 중반서부터 여러 가지

이유들로 인하여 침체의 길에 접어들고 있던 런던의 웨스트엔드에 놀랄 만큼

엄청난 파급력을 미쳤다.

그리고 2001년 10월로 예정되어있던 브로드웨이 초연 역시 당시의 9.11사태로

어수선하기만 하던 뉴욕의 사정에도 불구하고 대 성공을 거두게 되었고,

그로부터 몇 년 후, 프로듀서, 주디 크래이머와 할리우드의 중량급 배우,

탐 행크스의 만남은 드디어 지난 몇 년간 영화화를 하자고 조르던 수십 개의

제안서들을 모두 다 휴지통으로 보내게 만들었다.

결국, 런던의 웨스트엔드에서 이 ‘맘마 미아!’ 뮤지컬의 감독을 쭉 해오면서

원작자인 캐서린 존슨 못지않게 이 작품을 가장 잘 알고 있다는

필리다 로이드(Phyllida Lloyd. 1957. 영국)가 자의반 타의반으로 이 영화에서도

감독을 맡으면서 프로듀서, 작가, 그리고 감독으로 구성이 된 1957년생 동갑내기

중년 여성 삼인 방(제작 당시: 50세)의 파워가 과연 어떤지를 잘 보여주었는데,

손발이 잘 맞으며 항상 화기애애한 이들의 팀 웍을 자신들은 ‘맘마 미아 정신

(Mamma Mia Spirit)’ 이라고 표현을 하였지만, 누군가는 훼미니즘(Feminism)의

승리이며 그래서 이 영화를 훼미니즘 필름의 대표작으로 꼽아야한다고 말하였다.

젊은 시절엔 '발전기'라는 재미난 이름의 삼인조 보컬 그룹, 더 다이너모스(The

Dynamos)에서 리드 싱어를 하며 노래를 하다가, 지금은 그리스에 있는 작은 섬,

칼로카이리(Kalokairi)에서 빌라 도나 (Villa Donna)라는 작은 호텔을 운영하고

있는 싱글 맘, 도나(Donna-Meryl Streep. 1949. 미국)와 함께 단 둘이서만

살고 있는 외동 딸, 소피(Sophie-Amanda Seyfried. 1985. 미국).

20살밖에 안 된 어린 나이에 벌써 내일 모레에 결혼식 날짜를 잡아 놓았고,

우연히 본 엄마의 젊은 시절의 일기장을 통해 자신의 아버지일지도 모르는

세 명의 남자들을 도나의 이름으로 섬으로 초대하면서 눈과 귀가 들썩여지는

유쾌한 소동이 벌어지게 된다.

결혼식 전날, 간신히 섬에 도착을 한 세 명의 남자들.

샘(Sam-Pierce Brosnan. 1953. 아일랜드),

해리(Harry-Colin Firth. 1960. 영국),

빌(Bill-Stellan Skarsgard. 1951. 스웨덴).

초호화 들러리인 이들 중에서 그 누가 내일 소피를 신랑, 스카이(Sky)에게

과연 인도하여 줄 것 인가?

개인 레슨을 통하여 오랫동안 발성 훈련들을 해오고 또 수많은 연습을 한 후,

촬영이 시작되기 전에는 합숙까지 하면서 미리 노래 녹음을 한 출연자들은

다들 편안한 마음이었다고는 하지만, 그러나 콜린 퍼스(Colin Firth)의 경우에는

바로 이 노래와 춤 때문에 출연을 망설였을 정도였었다고 하는데, 오히려

007 이미지 때문에 미스 캐스팅이라는 혹평을 받기도 했었던 피얼스 브로스넌

(Pierce Brosnan)은 제작 과정이 너무나 즐거운 나머지 진작 뮤지컬에 출연을

할 걸 그랬다고 말하기도 했었다.

그러나 “에스 오 에스(SOS)‘를 부를 때의 그 소리 지르는 듯한 창법(아래 음악)은

대중적으로 별로 환영을 받진 못하였다.

어맨다 사이프리드(Amanda Seyfried.1985. 미국)가 첫 장면에서 아버지를 만나

행복한 결혼식을 했으면 좋겠다는 의미로 ‘난 꿈이 있어요(I Have A Dream)’라는

곡을 부르면서 시작이 된 아바의 히트 곡 퍼레이드 향연은 연주곡을 포함하여

총 24곡이나 등장을 하는데(OST 앨범에는 18곡-아래), 아바의 노래들 외에

오리지널 스코어(OS)역시도 아바의 대부분의 노래를 작곡하였던 실질적인 리더,

베니 앤더슨(안데르손-Benny Anderson. 1946. 스톡홀름-키보드)이 맡았다.

보컬 그룹의 멤버였다가 하객으로 참석을 한 로지(Rosie)와 탄야(Tanya)를 만나

‘춤의 여왕(Dancing Queen)’으로서 화려했었던 과거를 회상하면서 도나(Donna-

메릴 스트립)가 온 동네 여인네들과 어울려 ‘여성 해방가’와도 같이 신나게 부르는

‘댄싱 퀸(Dancing Queen)‘이야말로 영화 장면과 아주 잘 어울리면서 가장 환영을

받은 곡으로 손꼽히지만, 그래도 뮤지컬과 영화의 제목으로 쓰인 동명 타이틀의

곡으로서 ‘맘마 미아! (Mamma Mia!-1975)’의 인기 역시 결코 무시할 수 없다.

이곡은 극에서 20년 전의 연인이었던 세 남자들의 갑작스런 동시 출연에 몹시

당황한 도나가 기가 막혀서 부르는 곡으로 설정이 되어있다.

(아래 음악은 아바의 오리지널-자세한 곡 해설은 아래 OST 앨범 수록 곡 리스트에서)

‘스웨덴의 비틀즈‘란 별명을 얻었던 헵 스타즈(The Hep Stars)라는 밴드에서

18살 때부터 활약을 하던 키보디스트, 베니 앤더슨(Benny Anderson)이 주축이

되어 1970년 11월에 결성이 된 4인조 혼성 그룹, 아바(ABBA)의 첫 번째

히트 곡은 1973년에 발표를 한 ‘링 링(Ring Ring)’이라는 곡이었는데,

네 명의 멤버들,

아그네사 펠트스코그(Agnetha Faltskog. 1950. 스웨덴-보컬. 비요른의 부인),

베니 앤더슨(안데르손-Benny Anderson. 1946. 스톡홀름-키보드),

비요른 울바에우스(Bjorn Ulvaeus. 1945. 스웨덴-기타),

애니프리드 린스태드(Anifrid Lyngstad. 1945. 노르웨이. 보컬-베니의 부인),

각 멤버들의 이름의 첫 자를 따서 아바(ABBA)라는 그룹이름이 만들어졌다.

1974년 4월, 영국 브라이튼(Brighton)에서 개최되었던 유로비전 송 콘테스트에서

'워터루(Wateroo)'란 곡으로 수상을 하면서 세계적인 두각을 나타내게 되는데,

이어 발매가 된 싱글, '하니, 하니(Honey, Honey)'의 히트는 그들의 첫 번째

유럽 순회공연을 성공적으로 하게 만들어주었고, 계속해서 '에스 오 에스(SOS)',

‘맘마 미아! (Mamma Mia!)’, ‘퍼낸도(Fernando)‘, ’머니 머니 머니(Money,

Money, Money,)‘, ’댄싱 퀸(Dancing Queen)‘등의 히트 싱글들은 그들의

이름을 1970년대의 각종 인기 차트에서 늘 빠지지 않게 하였다.

(아래의 사운드트랙 수록곡 리스트와 곡 해설을 참조)

대부분의 이들의 노래들은 베니가 작곡을 하고, 비요른이 작사를 하였는데,

남녀 관계는 아무도 모른다더니 이혼에 이어진 솔로 활동 등의 파경이 결국

그들의 1982년 12월의 쇼 출연을 마지막 공연으로 만들었다.

이 영화의 스웨덴 전야제가 있던 날 밤에 아바의 멤버들은 22년 만에 네 명이

다 함께 재회를 하였다고 한다. 그리고 이 영화를 계기로 들려오던 컴백 설을

정식으로 일축하였다고 하는데, 부부 사이에서 지금은 남남으로 각각 살아가지만

무엇보다도 환갑을 넘어선 나이가 예전과 같은 활동을 하기에는 무리라고 한다.

1980년대 초부터 이 작품의 기획에 관여를 해왔던 베니 앤더슨(안데르손)은

비록 1-2초이지만 ‘댄싱 퀸‘시퀀스에 피아니스트(검은 모자+푸른 옷)로 까메오

출연을 하였고, 비요른 울바에우스역시 엔딩 크레디츠 장면에서 그리스 신으로

깜짝 출연을 하였다.

1998년에 ‘지구에서 달까지(From The Earth To The Moon)’란 TV 시리즈의

제작에 참여를 하면서 ‘포레스트 검프(Forrest Gump. 1994)’에서 보여주었던

최고의 연기와 함께 제작자(프로듀서)의 길도 조용히 함께 걸어온 중량급 배우,

탐 행크스(Tom Hanks. 1956. 캘리포니아)가

‘나의 그리스 식 웨딩(My Big Fat Greek Wedding. 2002)’에 이어 또다시

그리스를 배경으로 한 작품에 제작 참여를 하면서 또 다른 대박을 터트렸는데

그의 초기 아이디어와 같이 메릴 스트립이 맡았던 도나(Donna)역을 그녀 대신

올리비아 뉴튼 존(Olivia Newton John)이 했었더라면 또 어떠하였을까?

* 작품 관련 공식 사이트:

http://www.mammamiamovie.com/

http://www.mammamia-movie.kr/

http://www.mamma-mia.com/

* 영화 사운드 트랙 (MP3 다운로드용) 수록 곡 리스트:

01.Honey, Honey - Amanda Seyfried

행운의 히트곡, ‘워터루’에 이어진 두 번째 대박 작품으로 1974년 4월에 싱글

발매. 아바의 2번째 앨범이자 세계시장의 데뷔 앨범인 ‘워터루(1974)’에 수록이 됨.

소피가 친구들과 즐겁게 노래를 한다.

02.Money, Money, Money - Meryl Streep

1976년 11월에 싱글 발매, 아바의 4번째 앨범, ‘Arrival(1977)'에 수록이 됨.

결혼식에 참석을 한 더 다이너모스 멤버들 앞에서 도나가 돈에 관한 신세한탄을

노래로 대신 한다.

03.Mamma Mia - Meryl Streep (본문에 해설과 음악)

1975년 9월에 싱글 발매, 아바의 3번째 앨범, ‘ABBA(1975)'에 수록이 됨.

세 남자들이 동시에 출현함을 기막혀하면서 도나가 부르는 곡

04.Dancing Queen - Meryl Streep

1976년 8월에 싱글 발매, 아바의 4번째 앨범, ‘Arrival(1977)'에 수록이 됨.

‘맘마 미아‘와 함께 아바의 시그니처 송(Signature Song)으로 통한다.

극중에서는 “여성들이여 일만 하지 말고 춤을 추며 즐기기도 하자.”는

도나의 선동에 마을 대부분의 여자들이 길로 뛰쳐나와 함께 춤을 춘다.

05.Our Last Summer - Colin Firth

1980년 11월에 싱글 발매, 아바의 7번째 앨범, ‘Super Trouper(1980)'에 수록.

작사가, 비요른 울바에우스가 10대 시절에 빠리에서 보낸 여름을 회상하며

가사를 썼다고 한다. 노래에 제일 자신 없어 하던 콜린 퍼스가 불렀지만

그런대로 생각보다는 취입이 잘 되었다. 아바의 분위기가 나지 안 는 게 특징.

06.Lay All Your Love On Me - Dominic Cooper

1981년에 7인치(스탠더드)가 아닌 12인치의 싱글로 발매, 아바의 7번째 앨범
,
‘Super Trouper(1980)'에 수록이 됨.

07.Super Trouper - Meryl Streep

아바의 7번째 앨범, ‘Super Trouper(1980)'의 타이틀 송으로서 1980년 11월에

싱글로 발매, 소피의 처녀파티를 위해 왕년의 더 다이너모스 멤버들이 다시 뭉쳤다.

08.Gimme! Gimme! Gimme! - Amanda Seyfried

‘A Man After Midnight' 이라는 부제가 달려있는 곡으로서 1979년 10월에

싱글 발매. ‘Abba's Greatest Hits. Vol.2’ 앨범에 수록.

소피의 처녀파티에서 신나게 부르는 곡.

09.The Name Of The Game - Amanda Seyfried

1977년 10월에 싱글 발매, 아바의 5번째 앨범, ‘The Album(1977)'에 수록이 됨.

어맨다 사이프리드의 차분한 창법이 그런대로 호소력이 있다.

10.Voulez-Vous - Cast Of Mamma Mia The Movie

아바의 6번째 앨범, ‘Voulez-Vous(1979)'의 타이틀 송으로서 1979년 7월에

싱글로 발매, ‘불레-부’는 ‘당신은 원하시나요?’의 영어 ‘Would You Like-'

나 'Do You Want-'와 비슷한 의미. 디스코 리듬의 신나는 이곡을 춤과 함께

많은 출연자들이 합창으로 부른다.

11.SOS - Pierce Brosnan

1975년 6월에 싱글 발매, 아바의 3번째 앨범, ‘ABBA(1975)'에 수록이 됨.

샘 역을 맡은 피얼스 브로스넌의 가창력의 한계를 알 수 있는 곡.

12.Does Your Mother Know - Christine Baranski

1979년 4월에 싱글 발매, 아바의 6번째 앨범, ‘Voulez-Vous(1979)'에 수록.

더 다이너모스의 멤버였던 탄야(Tanya)가 불러준다.

13.Slipping Through My Fingers - Meryl Streep

아바의 8번째 앨범이자 마지막 앨범인 ‘The Visitors(1981)’에 수록. 1981년에

싱글로 발매. 엄마의 품을 떠나 시집을 가는 딸을 위해 부르는 모정이 가득담긴 곡.

14.The Winner Takes It All - Meryl Streep

아바의 7번째 앨범, ‘Super Trouper(1980)'에서 첫 번째로 히트를 한 발라드 곡.

1980년 7월에 싱글로 발매. 아바의 멤버들 간에 불화의 소식이 들려오기 시작하던

어수선한 때에 크게 히트하였다.

그리스의 푸른 바다를 배경으로 하면서 도나가 노래를 하는 장면은 참으로 인상적이고

또 무척이나 아름답다.

15.When All Is Said And Done - Pierce Brosnan

아바의 8번째 앨범이자 마지막 앨범인 ‘The Visitors(1981)’에 수록. 1982년에

싱글로 발매. 영화에선 샘과 도나가 듀엣으로 들려준다.

16.Take A Chance On Me - Julie Walters

1978년 1월에 싱글 발매, 1977년에 나온 아바의 5번째 앨범, ‘The Album(1977)'에

수록이 됨. 더 다이너모스의 멤버였던 로지(Rosie)가 프러포즈 송으로 불러준다.

17.I Have A Dream - Amanda Seyfried

1979년 12월에 발매가 되었던 싱글인데 뒷면에는 ‘Take A Chance On Me‘

의 라이브 버전을 수록하였고 아바의 6번째 앨범, ‘Voulez-Vous(1979)'에 수록.

어맨다 사이프리드의 오디션 때 그녀의 노래 실력을 테스트 해본 곡으로서

이 한 곡으로 그녀는 실력을 그냥 인정받았었다고 한다.

아바의 성공적인 1970년대를 마지막으로 장식하는 대 히트 곡(1979년)이다.

18.Thank You For The Music - Amanda Seyfried

1977년 12월에 싱글 발매, 1977년에 나온 아바의 5번째 앨범, ‘The Album'에

수록이 되었으나 1983년 11월에 싱글로 재발매가 되면서 다시 히트를 하였고

‘Gracias Por La Musica' 라는 제목의 스페니쉬 버전도 큰 히트를 하였다.

* 예고 편 과 인터뷰 등 관련 동영상 모음:

Jay. 247. Sep. 2009

장고 / Django 음악적 리뷰 + 음악과 동영상 모음

Mon, 07 Sep 2009 18:03:03 +0900

장고 / Django 음악적 리뷰 + 음악과 동영상 모음

1966년 / 각본+감독: Sergio Corbucci / 주연: Franco Nero 외

음악: Luis Enriquez Bacalov / 93분

자고로 돈이 되는 곳에는 반드시 많은 사람들이 몰려온다고,

세르지오 레오네(Sergio Leone. 1929-1989. 이태리)가

1964년 9월부터 ‘황야의 무법자(Per Un Pugno Di Dollari - A Fistful Of

Dollars, 1964)’를 시작으로 불을 지핀 ‘마카로니(또는 스파게티) 서부극’은

졸지에 이태리 영화계의 크나 큰 노다지로 변하면서 이 사람 저 사람 다

몰려들기 시작하였고, 그래서 1960년대 중반에는 이 영화를 비롯한 수많은

서부극들이 만들어지면서 이 변종 서부극 장르에 마침내 큰 불이 붙었다.

그러나 사실은 스페인에서는 1961년에 이미 ‘야만인의 총(Tierra Brutal-

Savage Gun)'이라는 서부극이 만들어 졌었고, 또 1963년에도 미국인 배우,

리처드 해리슨(Richard Harrison. 1935. 미국)을 기용한 ‘그링고(Gringo-

Duello Nel Texas-Gunfight At Red Sands)‘라는 스페니쉬 웨스턴이 개봉

되기도 했었는데, 이태리 영화계에서도 레오네 이전에 이미 서부극은

만들어지고 있었다고 한다.

‘마카로니(또는 스파게티) 서부극’이라는 별칭이 등장하기 이전인 1964년 봄에

이미 로마에서 발표가 되었던 ‘그랜드 캐넌의 대학살(Massacro Al Grande

Canyon)’이라는 서부극(제목과 내용 때문에 미국에서는 개봉을 못하였다고 함)을

크로아티아의 오지에서 오랫동안 촬영하면서 고생을 무지하게 많이 했었다는

세르지오 코르부치(Sergio Corbucci. 1926-1990. 로마)가

그래서 결국은 후배 감독인 세르지오 레오네에게도 영향을 준 것만은 확실한데,

어쨋든 ‘또 다른 세르지오(The Other Sergio)’라고 불리우는 그가

2년 후에 친동생인 브루노 코르부치(Bruno Corbucci. 1931-1996. 로마)와 함께

공동으로 각본을 쓰고 제작에다 감독까지 1인 3역을 하면서 만들어 낸

이 작품, ‘장고(Django-1966년 12월 미국 개봉)는 레오네의 ’황야의 무법자

(1967년 1월 미국 개봉)‘보다도 오히려 미국시장에 더 빨리 상륙을 하므로서

엄청난 화제를 불러 일으켰었다.

바로 할리우드 영화계와 미국 평단으로부터 저주를 포함한 악평들과 혹평들의

대규모 융단 폭격을 받을 수밖에 없었는데, 무엇보다도 (여러 나라들에서 잘려

나갈 수밖에 없었던) 잔혹한 폭력 장면들이 너무 과다한 것도 문제이었지만

첫 장면서부터 주인공이 다른 것도 아니고 관이나 질질 끌고 다닌다는 게

도대체 말이 되냐는 것이었는데 아닌 게 아니라, “악화가 양화를 구축한다.

(Bad Money Drives Out Good)“는 그레샴의 법칙이 낭만이 존재하던 정통

서부극 장르에도 적용되는 게 아닌가하는 우려를 낳기도 하였었다.

어쨌든 불난 집에 부채질을 한다고 미국시장에서 ‘장고(Django)’에 연이어

개봉을 한 ‘황야의 무법자(A Fistful Of Dollars, 1964)’의 대히트 덕분에

이후, 1970년대 말까지 소위 ‘마카로니(또는 스파게티) 서부극’이라고 불리던

이태리의 서부극들은 무려 약 600여 편이나 제작이 되었다고 한다.

하지만 세르지오 코르부치대신 세르지오 레오네가 이 변종장르의 개척자로

불리는 것은 역시 작품성을 감안한 평론가들의 편견에서부터 비롯되었다고

하니, 선구자였던 코르부치로선 좀 억울한 면도 없진 않았겠다.

어쨌든 이번에는 후배, 레오네의 협조도 받아 그의 ‘무법자 시리즈’가 만들어졌던

스페인의 마드리드 인근의 세 곳의 오지에서 촬영이 이루어 졌던 이 작품을

통하여 레오네의 당시의 페르소나(Persona)였던 클린트 이스트우드(Clint

Eastwood. 1930. 미국)에 버금가는 또 다른 서부극 영웅 한 명이 더 탄생을

하였는데, 그가 바로 외로운 총잡이, 장고(Django) 역할의

후랑코 네로(Franco Nero. 1941. 이태리) 였다.

이 영화 전인 1965년에도 이런 장르의 서부극에 이미 출연을 했었다지만,

별로 재미를 못 보았던 그는 1966년 한 해에만 이 영화와 ‘텍사스의 무법자

(텍사스 아디오-Texas Addio)’ 그리고 ‘백주의 무법자(Massacre Time)'같은

세 편의 변종 서부극에 겹치기 출연을 하므로서 일약 스타덤에 오르게 된다.

그리고 이후 그는 너무나도 많은 서부극의 출연요청에 고사를 하느라고 무척

바빴다고 한다.

물론 우리나라에서도 그의 인기는 역시 만만치 않았었는데, 그러다 보니

장고(Django)와 쌍벽을 이루던 ‘링고(A Pistol For Ringo. 1965)’라는 영화의

주인공, 링고 역할의 줄리아노 젬마(Giuliano Gemma. 1938, 이태리)까지

덩달아 함께 유명해졌다.

세르지오 레오네의 ‘무법자(또는 달러) 서부극 시리즈’가 동창이면서 절친한

친구 사이였던 엔니오 모리꼬네(Ennio Morricone. 1928. 이태리)의

음악적이지 않은(본인 말) 영화 음악의 힘으로 더욱 더 큰 히트를 했었지만,

음악이 영화의 홍보나 흥행에 기여한 바로만 따지자면 오히려 이 영화가

음악에 더욱 더 신세를 졌다고 할 수 가 있다.

레오네 와 모리꼬네가 연주 음악으로만 승부를 펼친데 반해 이 영화는 오프닝

타이틀 장면서부터 매우 강렬하게 들려오는 가사가 있는 인상적인 주제가

한 곡으로 그 노래뿐만 아니라 영화까지도 덩달아 유명해지는 결과를 낳았는데,

이태리어로 제작이 되었던 오리지널 판에는 로베르토 피아(Roberto Fia)라는

당시의 신인 가수가 노래를 불렀었지만, 영어로 더빙이 된 (미국) 수출 판에는

록키 로버츠(Rocky Roberts)가 힘찬 분위기로 녹음을 하여 서부극의 분위기를

잘 살렸는데, 물론 미국은 말할 것도 없고 우리나라에서도 이 영어버전이

큰 히트를 하게 되었다(위의 음악).

이 주제가의 작사는 후랑코 미그리아치(Franco Migliacci).

* 각각 다른 버전의 주제곡들:

이 주제곡뿐 만아니라 영화 전체의 오리지널 스코어(OS)를 담당하였던

루이스 엔리께즈 바까로프(Luis Enriquez Bacalov, 1933, 아르헨티나)는

고향인 남미 대륙에서보다도 그의 주 활동무대였던 스페인과 유럽에서 더욱 더

잘 알려졌었는데, 우리나라에서도 ‘섬머타임 킬러(The Summertime Killer. 1972)’의

주제곡인 ‘런 앤 런(Run And Run-노래: Country Lovers)'으로 꽤 유명해 진다.

그는 이후 1996년, 제 68회, 미국 아카데미상에서 ‘일 포스티노‘(Il Postino, 1994)로

영예의 음악(Best Music)상을 수상하였고, 오늘날에도 ‘어쌔신 탱고(Assassination

Tango. 2002)’ 같은 작품으로 꾸준한 활동을 하고 있다.

할리우드의 기린아, 쿠엔틴 타란티노(Quentin Tarantino. 1963, 미국 테네시)도

청소년 시절서부터 이 바까로프의 음악에 홀딱 반해 그의 2003-2004년도의 히트 작,

‘킬 빌(Kill Bill)’의 제2편(Vol. 2)에다가 그의 음악을 오리지널 그대로 사용했었지만,

이 영화의 작품성에 관해 악평을 하던 많은 평론가들도 바까로프의 음악에 관해선

아무런 이의를 제기하지 않았었다.

한편, 할리우드와 평단의 혹평에도 불구하고 이 작품이 크게 히트를 하자 마자

‘장고(Django)’라는 제목이 들어간 유사 후속 작들이 봇물을 이루어 쏟아져

나왔는데, 물론 일년 전에도 ‘장고(Django)’라는 인물이 등장을 하는 ‘영예로운

킬러, 장고(Django, The Honorable Killer. 1965)‘라는 작품도 없었던 건

아니었지만, 1966년 같은 해에만 ‘보안관 장고(Few Dollars For Django)',

'Django, Shoot First', 'Django, A Bullet For You', 'Django Does Not Forgive'

같은 네 편의 (장고) 영화들을 비롯하여 이 후에도 '비바 장고(Viva Django. 1968)‘,

’장고의 복수(Django, The Bastard. 1969)‘ ’장고 아디오스(Django Adios. 1972)‘,

‘장고-2(Django Strikes Again. 1987)’ 등등, 무려 약 40여 편의 아류작들이

선을 보였다.

그리고 심지어 2007년도에는 일본에서도 ‘스키야키 웨스턴 장고(Sukiyaki Western

Django)’ 라는 묘한 제목의 신세대용 영화까지 출시하였는데, 이태리에 스파게티나

마카로니가 있다면 일본에는 스키야키가 있다고 자랑을 하는 건가?

그렇게 따지자면 우리도 불고기가 있긴 한데.....

어찌됐든 따라서 '장고(Django)’는 이제 추억속의 인물만은 아닌 셈이다.

* 예고 편 과 ‘장고(Django)‘ 관련 동영상들 모음:

Jay. 246. Sep. 2009.

지중해 / Mediterraneo 음악적 리뷰 + 음악과 동영상모음

Thu, 06 Aug 2009 17:08:25 +0900

지중해 / Mediterraneo 음악적 리뷰 + 음악과 동영상모음

1991년/ 감독:Gabriele Salvatores / 주연: Claudio Bigagli + Vanna

Barba 외/ 음악: Giancarlo Bigazzi + Marco Falagiani / 96분

“대서양의 부속해로서 일반적으로 지중해(地中海, Mediterranean)라고

하면, 아프리카, 아시아, 유럽의 3개 대륙에 둘러싸여있는 유럽 지중해를

가리킬 정도로 유명하며, 고대서부터 중세말까지 유럽 문명의 중심무대가

되었고, 오늘날에도 세계 항로의 주요 간선중의 하나가 되어있다. “

(백과사전에서)

바다는 다 같은 바다일진데, 지중해하면 왜 유독 더 낭만적으로 느껴질까?

백과사전에서도 언급하였지만, 역사적으로 인류 문명의 모태 같은 곳이

되어서 그럴까?

아니면 스페인에서부터 터키에 이르기 까지 약 4,000Km 길이의 동서 간의

세 대륙에 아름다운 경치를 자랑하는 곳이 너무나도 많아서일까?

또 그것도 아니면 이렇게 지중해를 배경으로 한 영화들의 영향인가?

눈부신 햇살아래 푸르른 바다 위를 ‘L164 (가리발디-Garibaldi)‘ 라고 표시가 된

낡은 화물선 같은 군함 한 척이 천천히 움직이고 있고,

전쟁 전에는 고등학교 교사를 하다가 지금은 이태리군의 장교가 된 지휘관,

라파엘 몬티니(Raffaele Montini / Claudio Bigagli. 1955. 이태리) 중위는

다른 전투에서 살아남아, 해산이 된 부대 출신들인 오합지졸 같은 7명의

부하들을 먼저 육성으로 소개하고 있다.

엘리세오 스트라짜보스코(Eliseo Strazzabosco/ Gigio Alberti. 1956.이태리):

노새 몰이꾼 출신으로서 사람보다 노새를 더 사랑하여 실바나라는 이름을

붙여준 노새와 언제나 동행을 하고 있다.

리베로(Libero)와 펠리체(Felice), 뮤나론(Munaron)형제:

산골출신으로 바다가 처음이라서 배 멀미를 하느라 정신들이 없다.

니꼴라 로루소(Nicola Lorusso/Diego Abatantuono. 1955. 이태리):

아프리카 전선에서 특무상사로 진급을 한 마초(Macho)스타일의 직업 군인.

루치아노 콜로산티(Luciano Colosanti/ Ugo Conti. 1955. 이태리): 통신병

콜라도 노벤타(Corrado Noventa/ Claudio Bisio. 1957. 이태리):

여러 번의 탈영전과가 있어 지금도 여전히 틈 만 나면 집으로 가려고 한다.

안토니오 파리나(Antonio Falina/ Giuseppe Cedema. 1957. 이태리):

몬티니 중위의 당번병.

그리스의 동남부 끝 쪽(에게 해-Aegean Sea)에 위치하여 오히려 터키와 아주

가까운 작은 섬, 미기스티(Megisti)가 이들이 향하는 목적지인데, 전략적인 중요

성이 별로 없는 그곳에서 약 넉 달가량 머물면서 정찰 경계보고를 할 예정이다.

그런데 함정을 정박한 후, 보트에 나눠 타고 상륙을 한 섬에는 개미 한 마리도

얼씬거리질 않고, 오히려 자신들의 작은 실수들로 인해 군함이 폭파되어 침몰을

하고, 또 본부와 연락을 해야 할 무전기까지도 고장이 나면서 졸지에 섬에

고립이 되는 신세가 된다.

그런데 뮤나론 형제를 산 정상(맨 아래 사진)에다 보초로 세워두고, 할 일없이

낮잠만 자던 어느 날, 아이들과 노인네들이 어디선가 갑자기 나타나면서,

마을을 이끄는 그리스 정교회의 신부를 만나 그동안 독일군의 침공을 받아

남자들이 다 잡혀 간 사연도 듣게 된다.

그리고는 경계를 푼 마을사람들과 점점 동화되어가는 이들.

부끄러움이라곤 전혀 없이 당당하게 자신을 ‘푸타(창녀)‘라고 밝히고 나타난

바실리사(Vassilissa/ Vanna Balba. 1963)를 통해 순번제로 육체적인 욕구를

해결하고, 그림 그리기가 특기인 몬티니 중위는 신부의 부탁으로 교회의 벽화를

그리는 일에 착수를 하며, 산꼭대기에서는 한 편, 뮤나론 형제가 양치기 소녀와

(공동)사랑에 빠진다.

군기라곤 빠질대로 다 빠진 이들에게 이제 전쟁은 먼 나라 이야기가 되어가고,

그래도 고국으로 돌아가야 하지 않겠냐는 로루소 상사의 제안으로 투표까지

해보지만, 4:3의 결과로 이들은 그냥 섬에 눌러 앉기로 결정을 한다.

간혹 나타나는 터키상인의 배를 통해 담배를 비롯한 아편까지 구할 수 있고,

축구나 하며 아무런 걱정거리 없이 하루 하루를 마음 편히 살 수 있다 보니

이제 이들에게 이 남의 나라 작은 섬은 버림 받은 망각의 섬이 아니라 마치

사막위의 오아시스 같은 천국으로 변한 것이고, 자신들도 모르는 사이

어느새 달콤한 “도피의 유혹“에 전부 다 빠져버린 것이다.

그동안 숫총각이던 파리나는 바실리사와 사랑에 빠져 결혼식을 올리게 되고,

또 교회의 벽화도 거의 완성이 되어갈 무렵, 어느 날 기관 고장을 일으킨

비행기 한 대가 불시착을 하면서 조종사를 통해 지난 9월에 종전이 되었고,

이들이 이 섬에 온 1941년 6월 이후, 어느새 세월은 삼년이 더 흘러갔음을

새삼스럽게 깨닫게 된다.

얼마 후, 떠나기 싫은 발길로 영국군의 배를 타고 귀국을 하는 이들,

그러나 파리나는 끝내 섬에 남게 되고, 몇 십 년의 세월이 지나 관광지로 변한

섬을 흰머리가 난 얼굴에 지팡이를 짚고 다시 찾아 온 몬티니 중위와 재회를

하는데, 그동안 파리나와 함께 바실리사 레스토랑을 운영하던 바실리사는 이미

세상을 떠났고, 이태리로 빨리 돌아가 새로운 조국을 건설해야 한다고 외치던

가장 군인답던 로루소 상사도 어느새 이 섬에서 살고 있었음을 몬티니는 알게

된다.

현실 세계에선 도무지 있을 것 같지 않고, 더군다나 군인들에게는 너무나 거리가

멀어 보이는 이런 코미디적인 이야기는 '나는 군대를 사랑해(Armanta Sagapo/

I Love Army)'라는 자서전을 영화 시나리오의 바탕으로 했었다고 하니,

따라서 실화일 수 밖에 없지만 그러나 이 작품의 시나리오를 쓴 영화감독이기도

한 작가, 엔쪼 몬테레오네(Enzo Monteleone. 1954. 이태리)자신의 이야기는

아니라고 한다.

모로코, 마라케시의 유치장에 있는 친구를 구하러가는 내용의 '마라케시 특급

(Marrakech Express. 1989)' 과 여행을 떠나는 두 배우 이야기를 다룬

'여행(Turne. 1990)'과 함께 “도피(Run Away)”라는 특이한 주제를 다룬

나폴리 태생의 가브리엘레 살바토레스(Gabriele Salvatores. 1950. 이태리)

감독의 초기(1983년 데뷔) 삼부작중의 하나인 이 작품은 그가 즐겨 다루던

소재들인 남자들 간의 우정에다가 이번에는 반전까지도 추가한 것이 그 특징이

되겠지만, 그러나 무엇보다도 제목에 있는 바다를 대 주제로 하였다고 한다.

작은 섬들로 구성이 된 12군도(Dodecannese)의 하나로서 오늘날에는 이름이

바뀌어 카스텔로리쪼(Kastellorizo Island)라고 불리우는 원작의 섬, (터키와

아주 바짝 붙어있는) 그리스 동남부의 미기스티(Megisti)에서 실제로 촬영이

이루어 졌다고 하는데, 순번을 기다리던 바실리사의 바닷가 집(위의 사진 참조)

과 언덕 위의 성 니콜라스(St. Nicholas) 교회 등은 아직도 잘 보전이 되고

있다고 한다.

‘양들의 침묵(The Silence Of the Lambs. 1991)’같은 무시무시한 영화가

대부분의 상들을 휩쓸었던 1992년 제 64회 미국 아카데미상에서 이 작품은

최우수 외국어영화상을 수상하였다.

눈이 부시게 푸르른 바다를 항해하는 낡은 군함, L164 가리발디호를 배경으로

마치 뱃고동이 울리듯, 오프닝 장면에서부터 이국적인 분위기로 등장을 하는

이 음악이 오리지널 스코어(OS)의 Main Theme 인데,

“이태리인이나 그리스인이나 다 같은 민족”이라고 아부처럼 말하던 그리스

정교회 신부의 영화 속 대사와도 같이 이 스코어의 연주는 마치 유럽 연합

(EU)스타일의 다국적 풍으로 이루어진 것이 특징이다.

아무래도 그리스가 배경이어서 그렇겠지만, 먼저 ‘일요일은 참으세요(Never

On Sunday.1960)‘ 와 ’희랍인 조르바(Zorba The Greek. 1964)'를 통해서도

널리 알려졌던 그리스의 민속악기, 부주키(Bouzouki-만돌린과 비슷하게 생긴

6줄의 현악기)와 작은 북, 타라부카(Tarabuka/Toubeleki-민속 타악기)가

리듬 섹션을 맡았고, 스코틀랜드나 영국민요에 많이 쓰이는 백파이프

(Bagpipe)가 매우 이태리적인 멜로디를 리드하는 악기로 등장했다는 것도

이색적인데, 몬티니와 로루소, 그리고 파리나가 해후를 하는 마지막 장면에

이르기까지 아주 자주 들을 수가 있다.

할리우드 영화, '플래시 댄스(Flashdance. 1983)'에서 나오는 ‘글로리아(Gloria

- 로라 브래니건의 노래)’라는 인기 팝송을 작곡한 바도 있는 이태리 피렌체

출신의 지안카를로 비가찌(Giancarlo Bigazzi. 1940. 이태리)와

이 오리지널 스코어를 편곡하고 지휘를 하여 녹음까지 한 마르코 팔라지아니

(Marco Falagiani)가 공동으로 작곡을 한 이 영화의 음악에는 Main Theme과

버금가는 특이한 음색의 제2의 Theme이 하나 더 있는데,

이번에는 부주키나 아코디언 등이 멜로디를 리드해나가며 따스한 분위기를

조성하는 것이 특징이고, 로루소 상사를 비롯해 여러 사람들이 마을의 작은

광장에서 그리스의 민속춤을 출 때부터 나오기 때문인지, OST 앨범에는

‘길거리에서 춤을(Ballo In Piazza. 03;45-07번째)' 이라는 제목이 붙어 있다.

그러나 파리나가 바실리사에게 사랑을 느끼고 그녀를 자주 보살펴줄 때를

비롯하여 서로 사랑을 나눌 때에도 배경 음악으로 등장을 해서 그런지

‘바실리사의 테마(Tema Di Vassilissa. 02;23-13번째)’ 라는 또 다른 제목

으로도 OST 앨범에 수록이 되어있다.

그리고 이곡은 뮤나론 형제가 양치기 소녀와 즐겁게 뛰어놀며 사랑을 할 때도,

그리고 스트라짜보스코가 마을 아낙네를 나귀에 태우고 데이트를 할 때도

계속해서 들려오기 때문에 일명, ‘지중해의 Love Theme’ 이라고도 불린다.

음악을 듣고 있노라면 눈앞에 지중해의 아름다운 풍경이 절로 떠오르는 듯한

지안카를로 비가찌와 마르코 팔라지아니의 이 지중해 풍의 색다르게 아름다운

주제곡들은 이후 ‘일 포스티노(Il Postino. 1994)’ 와 ‘인생은 아름다워(La Vita

E Bella. 1997)‘ 에도 지대한 영향을 준 듯 한 느낌이 든다.

(유사한 분위기의 부분들이 상당히 많다.)

한편, 극중에서 로루소 상사가 바실리사와 (일번 타자로) 볼일보고 난 뒤,

기분이 좋아져, 집 계단을 내려오며 신나게 부르던 ‘마리우양, 사랑에 관해

이야기 해주오(Parlami D'Amore, Mariu! / Speak About Love To Me,

Mary!).' 라는 노래는 아닌 게 아니라, 2차 대전이 발발하기 전부터 무척이나

유행을 해오던 곡으로서, 오늘날에도 파바로티를 포함한 테너 3인방 등,

많은 성악가들까지 불러 마치 이태리 가곡 같은 느낌도 주지만, 실상은

1932년의 이태리 영화, ‘악당 같은 남자들!(Gli Uomini, Che Mascalzoni!)’의

주제가로, 감독으로서도 우리들에겐 친숙하였던 비토리오 데 시카(Vittorio De

Sica. 1901-1974. 이태리)가 30세의 젊은 시절에 직접 출연을 하여 춤을

추면서 직접 불렀던 곡이기도 하다.

이곡은 쥬세페 디 스테파노(Giuseppe Di Stefano)의 음성(위의 노래)으로

‘좋은 친구들(Goodfellas. 1990)‘의 OST 에 수록이 되기도 했었는데,

영화음악가, 세자르 빅시오(Cesare A. Bixio. 1896-1978. 나폴리)의 대표적

작품으로서 영어 제목으로는 ‘Tell Me That You Love Me’이다.

“이런 시대에 살아 남아서 꿈을 꿀 수 있는 길은 도피뿐이다.”

프랑스의 작가이며 생물학자였던 앙리 라보리(Henry Laborit. 1914-1995)의 저서,

‘도피 예찬‘의 일부를 큰 자막으로 인용하면서 시작한 이 영화는 마지막 장면에서도

도피를 또 다시 언급 하고 있는데, 사실 현실 세계에서는 (더군다나 군인들에게)

도피라는 게 그리 쉽게 일어 날 수 있는 일이 아닌 만큼 마지막 장면의 그 문구,

"도피하고 있는 모든 이에게 바침(Dedicato A Tutti Quelli Che Stanno

Scappando/ Dedicated To All Those Who Are Running Away)“은

"도피를 하고 싶어 하는 모든 이에게 바침“으로 바꾸어야 되지 않을까?

왜냐하면 그렇지 않아도 도피를 하고 싶은 곳에서 오늘 날 살고 있는 이들에게

이 영화는 더욱 더 도피를 하고픈 마음을 부추기니까 말이다.

앙리 라보리도 그 저서에서 도피 이전에 먼저 시련에 맞서 싸우라고 하였지만,

살아가면서 현실에서는 결코 벗기가 쉽지 않은 무거운 의무들과 책임의 짐들은

사실 많은 사람들에게 도피를 하고 싶게 만든다.

그러나 언제나 마음뿐이지, 실제로 도피나 일탈을 그리 쉽게 할 수가 있는가?

그러기에 이런 영화를 보면서라도 “도피의 대리만족”을 얻고 싶어 하는 것이다.

* OST 앨범 수록곡 리스트:

01: L'Arrivo(01;43)

02: Il Tempo Passa(02;43)

03: I Fratelli Munaron E La Pastorella(00;27)

04: Aziz Il Turco(02;10)

05: Stelle Sull'egio(02;55)

06: Ritorno Di Un Vecchio Tenente(00;58)

07: Ballo In Piazza (03;45) (본문에 음악과 해설)

08: La Realta Che Torna Dal Cielo(01;00)

09: L'asino E La Luna(00;52)

10: Progetti Per Il Futuro(02;41)

11: Il Mare Degli Archi(00;44)

12: Cornamuse(00;36)

13: Tema Di Vassilissa(02;23) (본문에 음악과 해설)

14: Il Paese Dietro I Lenzuori(01;37)

15: Scene Di Vita In Un'isola Dell'Egio(00;50)

16: Mediterraneo (본문에 음악과 해설)

17: Il Mare Dall'alto(00;51)

18: Lontani(03;00)

19: Noventa Scompare Nel Blu (00;42)

20: Il Ladro(02;50)

21: Il Pope(00;38)

22: L'incontro(00;50)

23: Lo Sbarco(01;15)

* 예고 편 과 영화 장면 모음:

Jay. 245. Aug. 2009

미션 / The Mission 음악적인 리뷰 + 음악과 동영상 모음

Sat, 18 Jul 2009 16:32:29 +0900

미션 / The Mission 음악적인 리뷰 + 음악과 동영상 모음

1986년/ 감독: Roland Joffe / 주연: Robert De Niro + Jeremy Irons

음악: Ennio Morricone / 126분

전주만 조금 듣고도 어느 곡인지 금방 알아채며 열광적으로 박수를 치는

놀라운 관객들이 많은 한국에서는 반드시 다시 한 번 더 공연을 하도록

하겠다던 2007년도의 약속을 지키면서, 2009년 5월26-27일에 두 번째로

내한 공연(시네마 콘체르토 파트 투)을 서울 올림픽 공원에서 가진바 있는

엔니오 모리꼬네(Ennio Morricone. 1928. 이태리).

그가 개인적으로 좋아하는 자신의 음악은 무엇일까?

아무래도 사람이니만치 그동안 그렇게 많이 만든 영화 음악들 중에서도

특별히 더 아끼는 작품은 있게 마련이라는데, 근래에 전 세계 여러 군데에서

가졌던 그의 콘서트들을 보노라면, 그가 얼마나 20여년이 지난 이 영화, ‘미션’의

주제곡을 유별나게 더 아끼는지 쉽게 짐작을 할 수가 있다.

더군다나 우리나라에서의 선호도를 고려한다면 모리꼬네의 ‘베스트 쓰리(3)’

나 ‘화이브(5)’에는 반드시 들어갈 수밖에 없는 작품이 아닌가도 싶은데,

드라마의 음악이나 광고 음악으로도 많이 사용이 되어서 그런지 이 영화를

안 본 사람들조차도 어디선가 한번쯤은 들어봤다고 말을 할 정도로

이 영화 속의 ‘가브리엘의 오보에(Gabriel's Oboe)‘는 너무나 유명한 곡이

아닐 수 없다.

(오보에 연주의 오리지널 곡은 한국 내에 저작권 등록이 되어있습니다.)

모리꼬네의 콘서트에 단 한 곡이라도 레퍼토리로 선정이 되어도, 그의 대표작

이라고 말을 할 수 있을텐데, 두 번째의 내한공연에서도 그렇지만,

‘원스 어폰 어 타임 인 아메리카(Once Upon A Time In America. 1984)‘와

함께 이 ‘미션’의 오리지널 스코어(OS)는 OST 앨범의 첫 곡이고 또 두 번째

곡인 '폭포(Falls)' 와 ‘하늘에서 이루어 진 것같이 땅에서도 이루어 지리이다.

(On Earth As It Is In Heaven)’를 포함하여 세 곡이 (주로)선정이 되었는데,

바로 이런 점도 모리꼬네가 이 영화의 OS를 개인적으로 무척 좋아하는 방증의

하나라고 한다.

보통의 영화주제곡들이 주로 배경음악으로 등장을 하면서 분위기를 띠우는

역할을 하는데 반해 이 ‘가브리엘의 오보에’ 는 이 작품에서 단지 배경음악에만

그치지를 않고, 극의 줄거리를 연결하는데 매우 중요한 수단과 도구로 등장을

한다. (물론 제작 전에 미리 사전 작곡이 됨)

남아메리카의 과라니(Guarani)원주민들에게 전도를 하기위해서는 통하지 않는

말보다는 먼저 음악을 연주하면서 우호적인 분위기를 조성하는 것이 좋겠다고

판단을 한 주인공, 가브리엘(Gabriel / Jeremy Irons. 1948. 영국) 수사가

과이라(Guaira)폭포의 절벽을 타고 힘겹게 올라간 후, 나무들 뒤에 숨어 있는

원주민들의 위협을 느끼면서 오보에를 연주하는 장면은 참으로 인상적이다.

“누구 맘대로 이런 걸 불고 있는 거야?”라고 말하듯 화를 내면서 오보에를

두 동강 내는 성질 급한 원주민도 있었지만 결국 그런 역사가 오늘 날 과라니

원주민들을 남미에서 가장 음악을 잘하는 (종교)음악 부족으로 만들었다고 하니,

가톨릭, 예수회(Society of Jesus)에 소속이 된 수사(Jesuit)들의 그 오래전

선교 노력과 순교들은 결코 헛되지 않은 것이다.

[폭포 촬영지: 아르헨티나의 이과수(Iquazu)폭포와 브라질의 이과쿠(Iquacu)폭포]

가수들이 자신의 음악에 가사를 붙여서 노래하는 걸 별로 좋아하지 않는다고

모리꼬네가 오래전에 말한 적도 있었지만, 21세기에 접어들면서 더욱 분주히

세계 각지에서 펼치는 모리꼬네의 시네마 콘서트를 계기로 예외가 생겼다고 한다.

그의 콘서트에서 이미 단골 레퍼토리의 하나가 된 영화, ‘웨스턴/ 원스 어폰 어

타임 인 더 웨스트(Once Upon A Time In The West. 1968)‘의 Main Theme

인 ‘질의 테마(Jill's Theme)’가 포르투갈 출신의 화두(Fado)가수, 둘체 폰테스

(Dulce Pontes. 1969)에 의해 ‘유어 러브(Your Love)’라는 제목으로 리메이크가

된 이래, 2009년도 내한 공연에 동반을 한 수잔나 리가치(Susanna Rigacci)같은

소프라노의 환상적인 음색을 통해 관객들을 압도하고 있는데,

이 영화의 ‘가브리엘의 오보에’ 역시도 새라 브라이트먼(Sarah Brightman)등에 의해

‘넬라 환타지아(Nella Fantasia)’라는 제목으로 또 크게 히트하였다.

콘서트에서 영화주제곡들을 즐겨 부르는 셀린 디옹(Celine Dion)역시 모리꼬네가

그 예외를 인정하고 좋아하는 가수라고 한다.

모리꼬네의 작품들 대부분이 그렇다고 하지만, 영화 제작 이전에 이미 작곡을 한

이 영화의 오리지널 스코어(OS)중에서 그가 제일 신경을 많이 쓰고 또 제작비용도

가장 많이 든 곡은 영화제목과 동명 타이틀곡인 '더 미션(The Mission)' 이었다고

하는데, 오히려 ‘가브리엘의 오보에’가 이 곡보다 이 영화를 대표하는 음악이 되긴

하였지만, 그래도 광고음악 등으로 많이 사용이 되면서 꽤 알려지게 되었다.

절도 있는 화음이 특징인 이곡은 수사들이 추기경을 모시고 배를 타고 선교회

마을로 진입을 할 때도 들려오지만, 후반부에 강물위에서 보트를 타고 전투를 하는

장면에서도 비장하게 들을 수가 있다.

비교를 할 수 없지만, 굳이 비교하자면 사람의 목소리만한 악기는 없다고 말한바

있고, 또 그의 콘서트에도 항상 100명이상의 대형 합창단들이 동원되지만,

모리꼬네는 이번에 사람들의 목소리를 제1의 악기로서 참으로 잘 응용하였다.

특히 이번 OS 제작 작업에 참여를 한 바넷 스쿨 합창단(Barnet School Choir)은

정말 어느 악기보다도 뛰어난 화음으로 '더 미션(The Mission)', ‘하늘에서 이루어

진 것같이 땅에서도 이루어 지리이다.(On Earth As It Is In Heaven)’, ‘아베 마리아

과라니(Ave Maria Guarani)‘ 같은 OST의 여러 곡에서 짜임새 있게 멜로디를 리드

하는 등, 눈부신 활약으로 종교적인 분위기를 더욱 더 장엄하게 잘 연출하였다.

[합창 연출: 영국출신의 작곡가, 데이빗 베드포드(David Bedford. 1937. 런던)]

오늘날에도 남미의 관광 명소들 중엔 브라질, 아르헨티나, 파라과이, 3개국의 국경이

만나는 지역이 있다는데, 지금도 이곳의 한 정글 지역에서는 이 영화의 실제 역사적

인 배경이 되었던 1750년 부터의 과라니 원주민 선교(학살)사건들(1750-1758)에

관한 실화를 언제나 실감 할 수가 있다고 한다.

(역사 참고: http://kspark.kaist.ac.kr/Mission/Historical%20background.htm)

영국 런던에서 태어났다고 하니까 로랜드라고 불러야만 할 것 같은 감독,

롤랑 조페(Roland Joffe. 1945. 영국)는

라트비아 출신인 아버지 마크 조페(Marc Joffe)덕에 프랑스 스타일로 불리는

모양인데, TV 방송국에서 쌓아온 실력으로 영화계에 데뷔를 하여 첫 작품인

'킬링 필드(The Killing Field. 1984)'부터 대박을 터트렸고, 두 번째 작품인

이 영화로 1986년도의 깐느 영화제 황금 종려상(Palme D'Or)을 수상하며,

오스카상의 감독부문의 후보(촬영상 수상)까지 되는 등, 금새 스타감독의

반열에 올랐었다. 하지만, '시네마 천국(Cinema Paradiso.1989)'의 주세페

토르나토레(Giuseppe Tornatore.1956. 이태리)감독처럼 엔니오 모리꼬네의

음악적인 지원의 덕을 톡톡히 본 감독의 한 명이 되었다.

추수를 앞둔 벼가 머리를 숙인다고, 어느새 엔니오 모리꼬네도 팔순의 나이를

넘어서서 그런지, “피아노 같은 악기 앞에 앉아서 작곡을 하는 사람들을 나는

도무지 이해할 수가 없다“고 젊은 시절에 남들을 비하하는 듯 하던 발언들과

비교를 하면 최근에는 엄청나게 겸손한 인터뷰를 하고 있는데,

어떻게 이렇게 ‘천상의 음악‘과도 같은 작품들을 만들 수 있었느냐는 질문에

“글쎄, 그게 이제와 생각을 해 보면 나도 잘 이해가 되지 않는 미스테리 일세,

왜냐하면 내 두뇌 속에서 뭐가 벌어지는지 때론 나조차 알 수가 없기

때문인데, 영화를 보는 사람들과 내가 느끼는 감정이 묘하게 일치를 하는

‘기적’ 덕분 일거야. “ 라고 답하였다고 한다.

학교 동창인 세르지오 레오네(Sergio Leone. 1929-1989. 이태리)와 의기투합을

하여 만든 ‘황야의 무법자(For a Fistfull of Dollars. 1964)’가 대성공을 거두기

이전에도 1960년대 초부터 가명을 사용하면서 아르바이트를 하듯이 이미

영화음악을 만들기 시작한 이래 (처음엔 영화음악을 만드는 것이 부끄러워서

가명을 사용하였다고 함), 무려 500여 곡이 넘는 엄청난 다작을 양산해 온

엔니오 모리꼬네(Ennio Morricone. 1928. 이태리).

21세기에 접어들어서는 그도 가는 세월은 어쩔 수 없는지, 영감이 필요한

작곡 활동보다는 순회공연에 더욱 더 신경을 쓰는듯하다.

엔니오 모리꼬네의 십대시절에 터진 세계 제 2차 대전은 그에게 참으로 많은

고생을 하게 만들었고, 또 수많은 시체들을 목격하면서 나이보다 훨씬 더

조숙하게 그를 철학적인 사람으로 변모 시켰었다는데, 그 당시의 느꼈었던

‘삶에 대한 사랑’이 자신의 음악세계에 가장 큰 영향을 주었다고 한다.

그래서 자신의 음악은 ‘삶이라는 감옥’에 갇혀 힘들게 살아가는 모든 사람들

에게 건네는 ‘한잔의 위로 주‘ 같은 것이라고 쉽게 다시 설명해주었다.

운이 좋은 사람은 몇 번씩이나 잘 타는 미국의 아카데미상도 모리꼬네와는

궁합이 안 맞는지 아니면 상복이 없어서 그런지 그가 양산해 온 주제곡들의

수에 비하면 이해가 되지 않을 정도로 이제껏 음악 상이나 주제가상을 한번도

받지 못하였다.

(아카데미상의 후보가 되었던 1987년도의 골든 글로브, 음악 상은 수상함)

그래서 미국의 오스카위원회에서는 2007년도 미국 아카데미상의 평생공로상을

매우 미안한 마음으로 그에게 수여하였다고 한다.

* OST 앨범 수록 곡 리스트:

01. On Earth As It Is In Heaven

02. Falls

03. Gabriel's Oboe

04. Ave Maria Guarani

05. Brothers

06. Carlotta

07. Vita Nostra

08. Climb

09. Remorse

10. Penance

11. The Mission

12. River

13. Gabriel's Oboe

14. Te Deum Guarani

15. Refusal

16. Ascunsion

17. Alone

18. Guarani

19. The Sword

20. Miserere

* 예고 편 과 동영상 모음:

Jay. 244. July. 2009.

악당 같은 남자들! / Gli Uomini, Che Mascalzoni ! 리뷰+ 음악과 동영상모음

Tue, 02 Jun 2009 16:18:26 +0900

악당 같은 남자들! / Gli Uomini, Che Mascalzoni ! 리뷰+ 음악과 동영상모음

1932년/ 각본+감독: Mario Camerini /주연: Vittorio De Sica + Lia Franca

음악: Cesare A. Bixio / 67분, 흑백

이 노래, 들어 보셨죠?

정확히 기억은 안 날지라도 어디선가 들어보셨을 겁니다.

가사는 이태리어 같고, 또 테너 나 바리톤 같은 성악가가 부르는 창법을

감안해 볼 때, 아마도 이태리 가곡이 아닌가하고 추측을 하게 만들죠.

그런데 이 노래가 무려 약 80년의 역사를 지닌 (유럽의) 영화 음악이란 걸

알게 되면 다들 놀라지 않을 수가 없습니다.

과학의 기술이 너무나도 발달을 한 오늘날 21세기에 사는 현대의 우리들에게

아주 먼 옛날같이 느껴지는 1930년대는 마치 문화의 암흑 시대 같다는 생각을

할 수도 있겠지만, 그러나 그런 시기에 이런 아름다운 영화 음악이 존재

했었다는 사실이 도무지 믿기질 않습니다.

더군다나 1930년대 초하면 무성영화에서 유성영화로 전환이 되어 가던

유성영화의 걸음마 시대가 아니던가요?

또 무성영화에 유달리 애착을 갖고 있던 고집 센 찰리 채플린(Chaplin)은

여전히 유성영화에 손을 대기 이전이죠.

‘마리우양! 사랑에 관해 이야기 해줘요(Parlami D'Amore, Mariu!).’

바로 이 노래의 제목입니다.

영국인들은 ‘Speak About Love To Me, Mary!' 라고 영역을 했었지만,

영어로는 ‘매리(Mary)’로 표현이 되기에 그냥 ‘마리아’라 불러도 무방할 것 같은

이 ‘마리우’란 이름은 1932년의 이태리 영화, ‘악당 같은 남자들(Gli Uomini,

Che Mascalzoni !)의 여주인공 이름이랍니다.

그런데 우리들에겐 감독으로서도 무척이나 친숙하였던 비토리오 데 시카

(Vittorio De Sica. 1902-1974. 이태리)가 이 마리우의 상대역인 남자

주인공, 브루노(Bruno)로 출연을 했으며, 또 이 주제곡을 자신이 직접

부르기도 했었다는 사실이 놀랍지 않습니까?

십대 시절인 1917년부터 영화에 얼굴 모습을 드러내었던 그로서는 다섯 번

째로 출연을 한 이 작품에서 본격적으로 대중적인 인기를 얻기 시작했다고

하더군요.

그런 그가 춤을 추면서 이 주제곡을 부르는 영화 속의 귀한 장면과 또

78rpm 레코드에 녹음을 하였던 오리지널 레코드의 소리를 들어보실까요?

* 비토리오 데 시카의 레코드 사운드:

1950년대 말까지 약 50여 편의 영화 음악을 만든바 있는 19세기 태생의

세자르 안드리아 빅시오(Cesare Andrea Bixio. 1896-1978. 나폴리)가

이 영화를 위해 특별히 작곡을 하였고, 엔니오 네리(Ennio Neri)와

다르다넬(Dardanell)이 함께 작사를 하였다는 이곡은

영화의 주인공, 비토리오 데 시카의 목소리 외에도 여배우이자 가수인

자라 레안더(레안데르-Zarah Leander. 1907-1981. 스웨덴)의 버전으로도

히트를 하면서 스웨덴이 있는 북 유럽에까지도 널리 알려지게 되는데,

아돌프 히틀러가 특별히 그녀를 총애하고 아꼈다고 해서 그녀는 이후

‘나치 가르보(Nazi Garbo)’라는 별칭까지 얻게 되었다고 하네요.

여하튼 이렇게 되면서 이 노래는 1930년대와 제2차 세계대전이 한창이던

1940년대에도 여전히 전 유럽에서 사랑을 받는 유명한 곡이 되었고,

미국으로 건너가, ‘Tell Me That You Love Me’ 라는 영어제목으로도

알려지게 됩니다.

이 글의 위에서 들을 수가 있는 음원의 목소리는 쥬세페 디 스테파노

(Giuseppe Di Stefano. 1921-2008 시실리)의 것이지만,

물론 마리오 란자(란짜, Mario Lanza. 1921-1951. 미국)도 녹음을 했었고,

또 루치아노 파바로티(Luciano Pavarotti. 1935-2007. 이태리)를 포함한

테너 3인방 역시도 부르지 않을 리가 없었죠.

* 마리오 란자 버전:

* 파바로티를 포함한 테너 삼인 방 버전:

* 띠노 로씨(Tino Rossi) 버전:

* 밀리-미나(Milly-Mina) 버전:

* 맥스 라베의 노래와 팔레스트 악단의 연주:

영화, ‘지중해(Mediterraneo. 1991)’를 보노라면 로루소 상사가 자신을

창녀라고 당당하게 밝힌 바실리사와 (제일 먼저) 볼일을 보고 난 뒤,

기분이 아주 좋아져서, 집 계단을 내려오며 이 노래를 신나게 부르는 장면도

나오지만, 이 노래는 이후, 잉그리드 버그만(Ingrid Bergman)의 '개선문(Arch

Of Triumph. 1948)'이나, 마틴 스콜세지(Martin Scorsese)의 ‘좋은 친구들

(Goodfellas. 1990)’에서도 또 들을 수가 있었죠.

이 노래의 작곡자, 빅시오가 만든 ‘맘마(Mamma/Mama)'라는 또 다른 명곡도

무척이나 아름답지만, 당시에 할리우드가 변방으로 취급을 하던 유럽에서

이런 명곡들이 1930년대부터 이미 큰 히트를 한 사실은 엔니오 모리꼬네

(Ennio Morricone)같은 후배들의 맹활약을 당시에 미리 예고 한 거나 다름이

없겠죠? 역시 이태리는 문화강국이 아닐 수 없습니다.

주제곡 작곡자인 빅시오같이 역시 19세기 태생의 작가이자 영화 감독,

마리오 카르메니(Mario Camerini. 1895-1981. 로마)는

우리나라에서도 크게 히트를 한 커크 더글러스와 앤소니 퀸 주연의 ‘유리시즈

(Ulisse. 1954)'로도 명성이 자자했었고, 또 아우구스토(Augusto) 카르메니와

형제 감독으로서도 잘 알려졌었죠.

‘남성들이란, 전부 악당들 같아!’라고도 번역을 할 수가 있는 이 작품 역시도

그가 직접 각본까지 쓰고 감독을 했다는데, 67분밖에 안 되는 짧은 시간에

밀라노를 배경으로 하면서 코미디 스타일로 사랑이야기를 담았다고 합니다.

락 허드슨의 ‘무기여 잘 있거라(A Farewell To Arms. 1957)’에 나와서

미국 오스카상의 남우조연상 후보에 오를 때의 얼굴과는 천양지차로 다른

잘 생긴 젊은 외모를 보여준 주인공, 비토리오 데 시카(Vittorio De Sica.

1902-1974. 이태리)(아래사진)는 이후 '자전거도둑(Ladri Di Biciclette. 1948)',

'밀라노의 기적(Miracolo A Milano. 1951)‘, ’종착역(Stazione Termini. 1953)

등으로 이태리의 네오 리얼리즘을 이끈 대표적인 거장 감독으로 유명해지죠.

'해바라기(I Girasori. 1970)'같은 멜로드라마로 우리나라 영화계에 지대한

영향을 주기도 했습니다.

세계 3대 영화제중에서도 가장 그 역사가 깊은 이태리의 베니스 영화제가

창설이 되면서 첫 번째로 영화 축제를 연 것이 1932년 8월이라는데,

바로 이 제 1회 베니스 영화제를 통해 개봉이 되었던 이 작품은 첫 개봉

75주년을 맞아 2007년 8월, 제 76회 베니스 영화제를 통해 복원 본이

특별 상영되면서 젊은 세대들에게도 새삼스럽게 환영을 받았다고 합니다.

(동명 타이틀의 1953년의 리메이크작도 있음)

이렇게 역사적인 의미도 있는 작품 자체가 이제 재조명을 받으면서 다시

알려졌지만, 그러나 뭐니 뭐니해도 이 영화의 주제곡인 ‘마리우양! 사랑에

관해 이야기 해줘요‘ 야 말로 미국의 빙 크로스비(Bing Crosby)가

'홀리데이 인(Holiday Inn. 1942)'에 출연을 하여 불렀었던 주제가,

‘화이트 크리스마스(White Christmas)’도 그렇지만, 세계 영화 음악의

(초기) 역사에 아주 중요하고 기념비적인 노래가 아닐 수 없습니다.

* 기타 동영상 모음:

Jay. June. 2009.

사족: 편지를 쓰듯이 글의 스타일을 바꿔보았습니다. 어떤가요?

그리고 이 영화의 한글제목은 편의상 제가 임의로 정하였답니다.

데칼로그: 십계 / Dekalog (The Decalogue) 리뷰 + 음악과 동영상모음

Fri, 08 May 2009 17:12:12 +0900

데칼로그: 십계 / Dekalog (The Decalogue) 리뷰 + 음악과 동영상모음

1988년/ 각본+감독: Krzysztof Kieslowski /주연: Henryk Baranowski 외

음악: Zbigniew Preisner / 10편, 약 570분.

세상이 변하고 달라진 요즈음은 이렇게 만들라고 해도 만들 수가 없겠지만,

이런 심각하고 난해한 주제의 드라마를 만들어, TV 시리즈물로 방영을

했었다는 사실이 도무지 믿기질 않는다.

1989년 12월10일에 폴란드 국영 방송국 채널을 통하여 시리즈의 첫 번째

에피소드가 방영이 되면서 전국적으로 크나큰 반향을 불러 일으켰던 이 작품,

‘데칼로그: 십계‘는 아직도 폴란드 최고의 천재 감독으로 불리며 사랑을 받고

있는 크쥐시토프 키에슬롭스키(Krzysztof Kieslowski. 1941-1996. 폴란드)의

생애 최대의 걸작으로 손꼽히고 있다.

그리스어로 ‘십계명(十誡命, The Ten Commandments, Covenant)’ 을

의미한다는 ‘데칼로그(Dekalog)’.

아주 아주 오랜 몇 천 년 전, 구약 시대에 받았던 이 계명들을 세상이 완전히

바뀐 이 현대 사회에서 어떻게 그대로 지킬 수 있단 말인가? 라는 의구심을

오늘 날 많은 크리스천들이 갖고 있다고도 하지만, 젊은 시절엔 신부가 되기를

소망했었다는 가톨릭 신자, 키에슬롭스키 역시도 이 십계명뿐만 아니라 내세에

관해서까지 깊은 회의를 한 때 가졌었다고 한다.

이 작품의 각본은 그가 그런 신앙적 갈등 속에 있던 1983년과 1984년에 탈고를

하였다고 하는데, 많은 탄압을 받고 있던 당시의 공산 정권아래서 어떻게든

이 작품을 영화화를 하기위해 노력하던 중, 운이 좋게도 당시 서독의 자본

(자유베를린 방송국/약 십만 달러 정도의 저 예산)으로 드디어 촬영에

성공을 하게 되고, 이후 국영 TV 방송국에서 첫 선을 보이게 된 것 이다.

차별화를 하기위해서 일부러 다르게 했는지는 모르겠지만, 다르면 안 될 것만

같은 모세의 십계명이 가톨릭과 개신교에선 분명히 다르다.

“너를 위하여 새긴 우상을 만들지 말고......” 라고 우상숭배를 금하는 제 2계명이

없는 가톨릭에선 대신 “남의 아내를 탐내지 마라.”라는 제 9계명이 있는데,

가톨릭 신자인 키에슬롭스키가 직접 쓴 이 작품의 각본은 물론 개신교가 아니라

가톨릭의 십계명을 기준으로 하였다.

하지만 제목에 신경을 쓰지 않고서 그냥 영화를 본 사람들은 이 픽션들의 일부

내용들이 어떻게 십계명과 연관이 되는지 잘 이해가 안 된다고도 말 하였지만,

(특히 ‘어느 사랑에 관한 이야기(Dekalog-06: Szesc)’)

키에슬롭스키는 모든 줄거리들은 어떻게든 십계명과 연결이 된다고 추후에 설명을

하였는데, 자 그럼 어떤 내용이 과연 모세의 십계명과 연관이 되는지 간단하게

그 줄거리를 살펴보기로 하자.

* 십계 01계명: 한분이신 하느님을 흠승 하여라.

‘어느 운명에 관한 이야기(Dekalog-01: Jeden)’

대학 교수인 아버지와 컴퓨터에 관심이 많은 아들의 이야기.

죽은 개를 보고 죽음이 무엇인가를 질문하던 어린 그 아들에게 생긴 일은?

* 십계 02계명: 하느님의 이름을 함부로 부르지 마라.

‘어느 선택에 관한 이야기(Dekalog-02: Dwa)’

임종이 가까워진 병석의 남편, 그리고 애인의 아기를 임신한 아내의 이야기.

그리고 이웃에 사는 의사의 진단은?

* 십계 03계명: 주일을 거룩히 지내라.

‘어느 크리스마스 이브에 관한 이야기(Dekalog-03: Trzy)’

크리스마스 이브에 나타난 옛 애인 때문에 거짓말을 하게 되는 어느 가장.

그래서 안식일에 부부관계는 금이 가고.....

* 십계 04계명: 부모에게 효도하여라.

‘어느 아버지와 딸에 관한 이야기(Dekalog-04: Cztery)’

딸이 어릴 적에 죽은 아내가 남겼던 편지의 겉봉에는 ‘아버지의 사후에 개봉’

이라는 글이 적혀 있는데, 어느 날 아버지가 출장을 간 사이에 이를 뜯어본 딸.

* 십계 05계명: 사람을 죽이지 마라.

‘어느 살인에 관한 이야기(Dekalog-05: Piec)’

택시기사를 잔인하게 살인한 어느 청년, 그리고 사형을 반대하는 변론을 펼치는

한 변호사. 법 체재와 인간성에 대한 회의가 그 주제이다.

‘살인에 관한 짧은 필름(84분)’이라는 제목의 극장 판이 별도로 개봉되었었다.

* 십계 06계명: 간음하지 마라.

‘어느 사랑에 관한 이야기(Dekalog-06: Szesc)’

우체국에서 일을 하는 어느 젊은이가 같은 아파트 단지에 살고 있는 이웃 여인

에게 사랑을 느끼면서 벌어지는 일들.

‘사랑에 관한 짧은 필름(86분)’이라는 제목의 극장 판이 별도로 개봉되었었다.

* 십계 07계명: 도둑질을 하지 마라.

‘어느 고백에 관한 이야기(Dekalog-07: Siedem)’

어머니로 알고 있던 여인은 할머니이고, 언니로 알고 있던 16세의 어린 여인이

어머니라면?

* 십계 08계명: 거짓 증언을 하지 마라.

‘어느 과거에 관한 이야기(Dekalog-08: Osiem)’

바르샤바 대학의 저명한 윤리학 교수를 바다 건너 멀리 미국에서부터 찾아 온

어느 유태인 여인의 정체는?

* 십계 09계명: 남의 아내를 탐내지 마라.

‘어느 고독에 관한 이야기(Dekalog-09: Dziewiec)’

어느 날 갑자기 성기능 장애를 겪게 되는 남편과 결혼은 성생활에만 달린 것이

아니라고 말하는 아내. 그러나 결국 아내의 외도는 시작이 되고.....

* 십계 10계명: 남의 재물을 탐내지 마라.

‘어느 희망에 관한 이야기(Dekalog-10: Dziesiec)’

아버지의 죽음으로 상속을 받게 된 고가의 우표 수집품. 형제는 더 비싼 값에

이 우표들을 처분하기 위하여 일을 꾸미는데....

키에슬롭스키가 불혹의 나이를 넘어 발표한 작품, ‘끝 없는(Bez Konca/ No End.

1984)'때부터 콤비 사이(Collaborator)가 되면서 계속해서 키에슬롭스키의 작품들의

음악을 만들게 되는 즈비그뉴 프라이즈너(Zbigniew Preisner. 1955. 폴란드)는

학교에서 철학과 역사를 전공하느라 비록 정식으로 음악 교육은 받지 못하였다고

하지만, 파가니니(Paganini)의 음악에서 영감을 얻어 작곡을 하였다는 이 작품의

Main Theme 은 마치 종교 음악과도 같이 상당히 엄숙하고 진지한 분위기를

자아낸다.

각 악기의 솔로 연주를 중시하면서 만들었다는 이 스코어(OS)에서 마치 주 악기같은

느낌을 주기도 하는 소프라노, 엘즈비에타 토와르니카(Elzbieta Towarnicka.

1950. 폴란드)의 목소리도 매우 청아한 느낌을 주는데, 시리즈, 10부작 모두에서

이곡을 들을 수 있는 건 아니지만, 이 Theme을 기본으로 하면서 상황에 따라

약간의 변주를 걸쳐 여러 형태의 색다른 분위기들을 잘 연출하였다.

이 엘즈비에타의 목소리는 프라이즈너의 음악이 상당히 중요한 비중을 차지하는

‘베로니카의 이중생활(La Double Vie De Veronique.1991)’에서도 다시 들을 수가 있다.

* 또 다른 오리지널 스코어 모음:

키에슬롭스키의 최고 걸작으로 이 ‘데칼로그: 십계’를 꼽는 자가 있는 반면에

혹자는 프랑스에서 만든 ‘세 가지 색(Trois Couleurs)’ 시리즈(1993-1994)를

꼽기도 하는데, 이 시리즈 의 음악 역시도 물론 즈비그뉴 프라이즈너가 맡아

호평을 받았지만, 특히 교통사고로 요절을 한 작곡가가 유작으로 남긴 곡으로 설정이

되어있는 ‘유럽 통합을 위한 곡(Song For The Unification Of Europe)’같이 장엄한

분위기의 스코어(OS)가 있는 제1편, '블루/자유 (Trois Couleurs 1: Bleu. 1993)'에서

특히 프라이즈너의 생애 최고의 (작곡)실력을 보여주지 않았나 싶다.

그래서 ‘선율의 마법사‘라는 별칭도 얻었던 프라이즈너의 최전성기라고 할 수 있는

이 시기에 다시 음악 연출을 한 루이 말(Louis Malle)감독의 ‘데미지(Fatale/Damage.

1992)’ 와 또 할리우드 자본의 ‘남자가 여자를 사랑할 때(When A Man Loves A

Woman. 1994)’역시도 그의 OS 덕분에 영화전체의 분위기가 고급스러워 진 것 만은

사실이지만, 그러나 아무래도 프라이즈너를 무한 신뢰하였던 키에슬롭스키와 고생을

하면서 만든 작품들 보단 감동이 좀 덜한 듯한 느낌을 준다.

* 참고: 세 가지 색 제1편 '블루/자유 (Trois Couleurs 1: Bleu. 1993)'

세 가지 색 제2편 '화이트/평등 (Trois Couleurs 2: Blanc. 1994)'

세 가지 색 제3편 '레드/박애 (Trois Couleurs 3: Rouge. 1994)'

비록 프랑스 빠리에서 태어나긴 했으나 많은 폴란드인들이 자국의 자랑거리로

생각하고 있다는 로만 폴란스키(Roman Polanski. 1933. 프랑스태생)와 또

그에게 가장 많은 영향을 준 선배 영화인으로 꼽히는 안제이 바이다(Andrzej

Waida. 1926. 폴란드)도 다녔었다는 로츠 영화학교(Lodz Film School)를

1964년부터 5년간이나 다니면서 혹독한 수련을 거친 키에슬롭스키는 졸업 전서부터

자유노조 운동같이 사회적인 리얼리티를 강조한 다큐멘터리 영화들을 만들면서

서서히 두각을 나타내기 시작하지만, 그러나 대신 당시의 공산 정권에 의하여

이내 강도 높은 탄압을 받게 된다.

(1960년대와 1970년대에 만든 그의 다큐멘터리들은 모두 20여 편이 넘는다.)

이 ‘데칼로그: 십계’ 십 부 작도 결국은 그런 탄압 속에서 기획이 되었지만,

이 작품 후에 결국 그는 당시의 공산 정권 붕괴 직전의 혼란을 피해 프랑스로

활동 무대를 옮기게 된다.

그러나 ‘베로니카의 이중생활(La Double Vie De Veronique. 1991)’과

‘세 가지 색(Trois Couleurs)’ 시리즈(1993-1994)를 마지막으로 키에슬롭스키는

구상 중이던 ‘천국과 지옥, 연옥’을 주제로 한 3부작을 미처 만들지 못 한 채,

1996년 3월13일, 심장수술 도중, 55세의 많지 않은 나이에 그만 세상을 떠났다.

* 크쥐시토프 키에슬롭스키의 생전의 모습 모음:

색(컬러)을 매우 중시하였다는 키에슬롭스키는 원래 10명의 각기 다른 감독들을

기용하면서 각각 개성이 넘치는 여러 색들을 보여 줄 생각이 있었다고 하지만,

예산관계로 자신이 직접 나설 수밖에 없었다고 하는데, 그의 이런 의욕적인 기획은

복수의 촬영 감독(Cinematographer)들을 통해서 약간은 충족되었다고 한다.

아닌 게 아니라 ‘어느 살인에 관한 이야기(Dekalog-05: Piec)‘의 영상과 그 컬러는

매우 독특하게 완성이 되었다.

“나의 생애에 본 유일한 걸작(Only Masterpiece)은 이 ‘데칼로그’밖에 없다”고

스탠리 큐브릭(Stanley Kubrick)이 말을 했었다지만, 두말할 필요도 없이

키에슬롭스키의 많은 작품들은 폴란드와 동유럽뿐만 아니라 전 세계적으로

뛰어난 예술성과 작품성을 인정받았다.

비록 심각하고 난해하여 드라마로서의 재미가 좀 덜 하다는 점 때문에 대중적인

인기와는 거리가 약간 있긴 하지만, 대신 관객들이 보고나서 내린 어떤 결론과

해석도 다 일리가 있다는 아리송한 포용성을 그는 자전적 인터뷰 다큐멘터리,

‘키에슬롭스키 감독과의 대화(I'm So-So....1995년5월)‘에서 보여주기도 했었고,

또 예술 예찬론자로서의 다음과 같은 명언을 남기기도 하면서 그가 만든 모든

작품들의 사상적 배경을 대신 설명하기도 했었다.

“종교, 정치, 역사, 그리고 민족주의 등등의 수많은 것들이 세상의 많은 사람

들을 비록 나뉘어놓고 있지만, 사랑이라는 단어의 뜻이 세상 사람 누구에게나

다 똑같이 전달되듯이, 예술적인 문화만은 우리들을 하나로 만들 수가 있다.“

* 시리즈 장면 모음:

Jay.243. May.'09

리버 와일드 / The River Wild 음악적 리뷰 + 음악과 동영상모음

Fri, 03 Apr 2009 17:40:11 +0900

리버 와일드 / The River Wild 음악적 리뷰 + 음악과 동영상모음

1994년/ 감독: Curtis Hanson/주연: Meryl Streep + Kevin Bacon

음악: Jerry Goldsmith / 108분

래프팅(Rafting)이란 단어를 백과사전에서 찾아보면,

“무동력 수상 레저기구를 이용하여 수상에서 노를 저으며 급류를 타거나

유락행위를 하는 수상레저활동을 의미하는데, 계곡에서 고무보트로 급류를

타는 것으로서 6-10명이 함께 고무보트를 타고 노를 저어 물살을 헤치며

바위 등 장애물들을 피해가는 신종 레저 스포츠로 협동심을 배양시키는

단체 레저로 적격이다. “라고 설명이 되어있지만, 그렇지 않아도 위험하기

짝이 없는 이 익스트림 스포츠를 권총으로 협박을 하는 악당들에 의해

신체의 일부가 결박된 상태에서 강제로 노를 저어, 나아가야만 한다니

보는 우리 관객들이 스릴과 서스펜스를 느낄 수밖에 없는 것은 어쩌면

당연한 일 일 것이다.

보스턴에서 건축가인 남편, 탐(Tom/ David Strathaim. 1949. 샌프란시스코)과

함께 살고 있는 일남 일녀의 엄마이자 여교사인 게일(Gail Hartman/ Meryl

Streep. 1949. 뉴저지)은 시간이 날 때 마다 카누 등을 타면서 강을 즐기는

래프팅 전문가로서,

어린 아들, 롤크(Roarke/Joseph Mazzello. 1983. 뉴욕)의 생일 기념으로

모처럼 휴가를 얻어 친정이 있는 시골의 강을 래프팅하기로 한다.

일에 너무 몰두하던 남편, 탐도 뒤늦게 합류를 한 세 식구는 청각장애인이어서

수화로 의사를 소통해야만 하는 친정아버지와 어머니의 환송을 뒤로 하고,

고무 보트로 출발을 하다가, 아들 롤크에게 친절하고 유머가 있는 청년 웨이드

(Wade/Kevin Bacon. 1958. 필라델피아)와 일행, 테리(Terry/John C Reilley.

1965. 시카고)를 만나 동행을 하게 된다.

목적지는 게일이 십대 때에 가이드 생활을 하면서 이미 여러 번 다녀온 명승지,

브라이덜 크릭[Bridal Creek. 아래 쿠티나이(Kootenai)강의 실제 사진].

그러나 강의 하류에서 친구들이 기다린다며 강의 지리 안내를 부탁한 웨이드와

함께 가던 게일과 탐은 가축경매장에서 25만 달러를 강탈한 범인들이 캐나다로

현재 도주 중이라는 라디오 뉴스를 듣고 난 이후부터 이 두 사람을 의심하게 되고,

이튿날 아침, 이들을 몰래 따돌리고 출발을 하려던 식구들은 그러나 웨이드에게

들켜서 그만 인질이 되어 손발이 묶이는 신세가 된다.

보트 한척은 침몰시키고 다 함께 한 배에 탄 채 브라이덜 크릭을 지나 매우

위험한 건틀렛 급류를 통과하자고 게일에게 총을 들이대고 협박하는 웨이드.

그런 와중에서 웨이드와 치고받고 싸우다 탐은 심야에 탈출을 하게 되고,

먼저 하류에 도착을 한 후, 웨이드를 기다리며 쇠줄로 공격을 할 준비를 한다.

한편, 사건을 눈치 챈 순찰대원, 자니까지 죽인 웨이드는 작은 나이아가라를

간신히 통과하고 나서 빙하수가 흐르는 매우 위험한 삼각지대, 건틀렛 급류로

진입을 하면서, 게일에게 노를 건네주고 다시 그녀를 욱박지르는데,

과연 게일은 이 생사를 건 사투에서 아들 롤크와 함께 무사할 수 있을까?

“우릴 협박하던 사람들이 무서웠지, 엄마, 게일이 잘 대처를 한 강의 급류는

오히려 무섭지 않았습니다.” 라고 사건이 해결되고 나서 가족이 재회를 한 후,

어린 아들, 롤크가 보안관에게 이렇게 말하였지만, 엄마를 무한 신뢰하는 아들의

사랑, 또 어떻게 해서라도 아들, 롤크만은 꼭 살려야겠다고 백방으로 노력을 하는

게일의 모정, 그리고 보스턴에서는 너무 바빠서 소홀할 수밖에 없었던 가족에게

뒤늦게나마 목숨을 바쳐서라도 부성애를 전해주려 하였던 아빠, 탐의 사랑,

이렇게 이 작품의 바탕에는 가족간의 끈끈한 사랑이 기본으로 깔려 있다.

그러기 때문에 해피 엔딩으로 끝날 수밖에 없는 이 작품이 더 기억에 남는지도

모르겠지만, 야영지에서도 생업인 건축 설계도면을 구상할 수밖에 없었던 탐의

가족에 대한 헌신을 포함하여 모든 오해가 풀리기도 하면서, 이 사건으로 비록

휴가는 망쳤지만 가족간의 사랑은 회복이 되는 전화위복을 맞는 것이다.

한편, 하류에 미리 도착을 한 탐이 나중에 게일이 볼 수 있도록 강물 위의 나무

에다 그려놓았던 세 개의 수화 심볼 그림의 의미도 “아이 러브 유”라고 한다.

18세기부터 불리워지기 시작했다는 스코틀랜드의 민요, ‘올 랭 자인(Auld Lang

Syne)’보다야 덜 유명하겠지만, 그러나 그보다 약 100년 전인 1600년대,

17세기 때에 이미 ‘오 왈리 왈리(O Waly Waly)'라는 제목으로 구전되어 온 후,

20세기에는 ‘강물이 너무 넓어서(The Water Is Wide)’라는 제목의 수십 개의

버전으로 레코드가 출반이 된 스코틀랜드의 또 다른 이 민요 역시도 그런대로

제법 많이 알려져 있다.

우리나라에서는 칼라 보노프(Karla Bonoff)의 버전이 가장 유명하지만,

아름답고 서정적인 그녀의 창법(아래 동영상)이 동양인, 특히 우리나라 사람들의

정서에 잘 맞는 듯하여 아직도 방송을 통해 간혹 간혹 들을 수가 있다.

관악기를 잘 사용하면서 시원스런 느낌을 주는 영화 주제곡들을 반세기(1951-

2004) 이상 만들어 온 미국이 낳은 또 한명의 위대한 영화 음악가,

제리 골드스미스(Jerry Goldsmith. 1929-2004. LA)는

이 잔잔한 분위기의 민요를 주제(Theme)로 이 영화 오리지널 스코어(OS)를

만들어 달라는 싱어 송라이터이며 이 작품의 제작자이기도 한 데이빗 포스터

(David Foster. 1949. 캐나다)의 요구가 점점 서스펜스 스릴러 스타일로

줄거리가 전개되는 극중의 분위기와는 맞지 않는다고 처음엔 느꼈었다지만,

그러나 그의 노련한 편곡을 통하여 보트를 힘차게 노 저어 나 갈 때는 경쾌하게,

그리고 탐과 게일이 강가에서 화해를 하고 사랑을 나눌 때는 부드러운 Love

Theme으로 분위기를 각각 다양하게 연출하는데 성공을 하였다.

그래서 일명, ‘Gale's Theme’ 이라는 부제가 붙어 게일이 보스턴에서 카누를

타는 메인 타이틀(오프닝 크레디츠) 장면서부터, 아름다운 분위기를 자아내는

Main Theme의 주제 역시도 물론 이 오래 된 스코틀랜드의 민요 멜로디이지만,

평화롭게 보이는 강 위를 잔잔히 지나갈 때 들려오는 바이올린 연주 역시 매우

서정적인데, 최근에 ‘잠수종과 나비(Le Scaphandre et Le Papillon. 2007)’와

‘천일의 스캔들(The Other Boleyn Girl. 2008)'등의 영화 음악을 작곡한

프랑스의 뽈 깐뜨롱(Paul Cantelon)이 당시 무명시절에 직접 연주를 하였었다.

밥 딜런(Bob Dylan)을 비롯하여 유명한 가수들이라면 거의 다 한번씩은 불렀었던

이곡을 컨트리 락 스타일로 녹음을 한 카우보이 정키스(Cowboy Junkies)버전이

엔드 크레디츠(End Credits)가 나오는 마지막 장면에서 등장을 하는데,

제리 골드스미스의 세련된 편곡의 OS와 아주 잘 융합이 되어있다.

이곡은 때로 ‘The River Is Wide' 나 ’Last Farewell' 이라는 또 다른 제목으로도

발표가 된 적이 있었지만, 가수들에 따라서 가사가 약간씩 다르게 불려질 때도 있다.

한편, 2006년에는 이곡과 같은 ‘The Water Is Wide'이란 동명 타이틀의 CBS-TV

드라마도 방영이 된 바 있었다.

The Water is wide, I cannot cross over,

But Neither have I the wings to fly

Give me a boat, that will carry two,

And both shall row, my love and I.

Where love is planted, oh there it grows

It grows and blossoms like a rose.

It has a sweet and pleasant smell

No flower can it excel.

A ship there is and she sails the sea,

She's loaded deep as deep can be,

But not so deep as the love I'm in

I know not if I sink or swim.

I leaned my back against a young oak,

Thinking he were a trusty tree,

But first he bended and then he broke,

Thus did my love prove false to me.

O love is handsome and love is fine

And love's a jewel when it is new

But leave it alone, it grows so cold

And Fades away like morning dew.

남편, 탐이 아마 죽었을 거라는 말을 웨이드로부터 듣고서도 눈물 한 방울 흘리지

않고, “널 반드시 내손으로 죽이고 말거야.“ 라고 말하며 강인한 인상을 보여준

메릴 스트립(Meryl Streep)의 여장부 스타일의 액션 연기는 약 일 년 후에

개봉이 되었던 ‘매디슨 카운티의 다리(The Bridges Of Madison County.

1995)’에서와는 전혀 다른 분위기를 또 보여주었는데, 재미있는 건,

급류 장면의 촬영 때에도 대역(스턴트)을 전혀 쓰지 않고 큰 고무보트를 자유

자재로 몰며 만능 스포츠감각을 과시했었다는 그녀는 그러나 계곡 촬영 마지막

날에는 급류에 빠져 죽을 뻔한 위기(인공호흡 끝에 간신히 의식을 찾음)도

겪었었다고 한다.

스탠리 큐브릭 감독의 '샤이닝(The Shining. 1980)'과 ‘히달고(Hidalgo. 2004)’

등에서 이미 눈부신 경관을 보여주었던 몬태나(Montana)주의 글래시어(Glacier)

국립공원과 쿠티나이(Kootenai)강 등지에서 촬영을 하면서, 자신의 18번인

서스펜스 스릴러 스타일로 이 작품을 만든 커티스 핸슨(Curtis Hanson. 1945.

네바다)감독은 2년 전의 ‘요람을 흔드는 손(The Hand That Rocks The Cradle.

1992)’에 이어 이 영화와 또 3년 후의 ‘LA 컨피덴셜(LA Confidential. 1997)’로

잡지 편집자에서 시나리오 작가로 영화계에 데뷔(1970년)를 한 이후 가장 잘

나가는 시기를 맞이하게 되었었다.

* 예고 편 과 동영상모음:

Jay.242. Apr.'09.