한울n의 블로그

[Blues] Muddy Waters - [1969] Fathers & Sons

Sat, 23 Jan 2010 21:50:17 +0900

Muddy Waters - Fathers & Sons (1969)

	활동시기 : 1940년대~1980년대
	데뷔/결성 : 1940년
	솔로

블루스의 명인 머디 워터스는 1915년 4월 4일 미시시피주에서 맥킨리 모건필드(McKinley Morganfield)라는 이름으로 태어났다. 그에게 처음으로 음악적인 영감을 준 사람은 로버트 존슨이었다. 이외에도 그는 선 하우스에게 기타를 배웠고 그런 것을 기반으로 43년에 시카고로 이주해 47년부터 체스 레이블에서 녹음을 시작했다. 'Hoochie Coochie Man', 'Honey Bee', 'Long Distance Call', 'Louisiana Blues' 등의 명곡들도 이즈음에 완성된 것들이다.

48년의 'Gypsy Woman'과 'I Can't Be Satisfied', 그리고 51년의 'Rollin' And Tumblin'' 등 숱한 히트작들을 터트린 그는 델타의 어쿠스틱 블루스 패턴을 시카고로 가져와 그것을 일렉트릭 블루스로 만들어 유행시켰다. 머디의 이런 시도는 블루스가 일렉트릭 사운드로 변하는 데 중요한 분수령이 되었다.

머디 워터스의 연주는 심플하지만 힘이 있고 짙은 필링이 내포되어 있는 것으로 슬라이드 기타주법에 있어서도 독특한 패턴을 고수했다. 그는 꾸준히 앨범을 발표하다가 83년 4월 30일 시카고에 있는 자신의 집에서 심장마비로 사망했다.

사용장비
◇Fender Telecaster Red(57, 58년), Gibson Les Paul
◇Fender Super Reverb

[출처: 음악창고, 글/조성진]

Album: Faters and Sons [1969]

1 All Aboard 2:49
2 Mean Disposition 5:40
3 Blow Wind Blow 3:40
4 Can't Lose What You Never Had 3:03
5 Walkin' Thru the Park 3:19
6 Forty Days and Forty Nights 3:05
7 Standing Around Crying 4:02
8 I'm Ready 3:37
9 Twenty-Four Hours 4:47
10 Sugar Sweet [live] 2:16
11 Long Distance Call 6:37
12 Baby Please Don't Go 3:03
13 Honey Bee 3:56
14 The Same Thing 6:04
15 Got My Mojo Working, Pt. 1 3:24
16 Got My Mojo Working, Pt. 2 5:10

Album Review by James Chrispelli
Put blues legends Muddy Waters and Otis Spann together in a recording studio with young upstarts such as Paul Butterfield, Mike Bloomfield, Buddy Miles, amongst others, and hope that the magic will flow. On Fathers and Sons it does, and then some. Originally a two-record set now pared down to one CD, Fathers and Sons displays the love that these musicians shared for the blues and the care they put into getting that feeling down on tape. Standout cuts include "Can't Lose What You Ain't Never Had," "I'm Ready," and "Standing 'Round Cryin'," which Eric Clapton covered in 1994. The live concert is loose and funky with everyone getting in their licks, especially Muddy Waters, who shines throughout. A fine touchstone for anyone looking into Chicago blues and generally good music.

Muddy Waters - 02 Mean disposition

Muddy Waters - 03 Blow wind blow

Muddy Waters - 06 Forty days and forty nights

Muddy Waters - 07 Standin' round cryin'

Muddy Waters - 09 Twenty-four hours

Muddy Waters - 11 Long distance call

Muddy Waters - 12 Baby, please don't go

[참 조] ▒ ▒ ▒ Muddy Waters Biography ▒ ▒ ▒ by Bill Dahl

A postwar Chicago blues scene without the magnificent contributions of Muddy Waters is absolutely unimaginable. From the late '40s on, he eloquently defined the city's aggressive, swaggering, Delta-rooted sound with his declamatory vocals and piercing slide guitar attack. When he passed away in 1983, the Windy City would never quite recover.

Like many of his contemporaries on the Chicago circuit, Waters was a product of the fertile Mississippi Delta. Born McKinley Morganfield in Rolling Fork, he grew up in nearby Clarksdale on Stovall's Plantation. His idol was the powerful Son House, a Delta patriarch whose flailing slide work and intimidating intensity Waters would emulate in his own fashion.

Musicologist Alan Lomax traveled through Stovall's in August of 1941 under the auspices of the Library of Congress, in search of new talent for purposes of field recording. With the discovery of Morganfield, Lomax must have immediately known he'd stumbled across someone very special.

Setting up his portable recording rig in the Delta bluesman's house, Lomax captured for Library of Congress posterity Waters' mesmerizing rendition of "I Be's Troubled," which became his first big seller when he recut it a few years later for the Chess brothers' Aristocrat logo as "I Can't Be Satisfied." Lomax returned the next summer to record his bottleneck-wielding find more extensively, also cutting sides by the Son Simms Four (a string band that Waters belonged to).

Waters was renowned for his blues-playing prowess across the Delta, but that was about it until 1943, when he left for the bright lights of Chicago. A tiff with "the bossman" apparently also had a little something to do with his relocation plans. By the mid-'40s, Waters' slide skills were becoming a recognized entity on Chicago's south side, where he shared a stage or two with pianists Sunnyland Slim and Eddie Boyd and guitarist Blue Smitty. Producer Lester Melrose, who still had the local recording scene pretty much sewn up in 1946, accompanied Waters into the studio to wax a date for Columbia, but the urban nature of the sides didn't electrify anyone in the label's hierarchy and remained unissued for decades.

Sunnyland Slim played a large role in launching the career of Muddy Waters. The pianist invited him to provide accompaniment for his 1947 Aristocrat session that would produce "Johnson Machine Gun." One obstacle remained beforehand: Waters had a day gig delivering Venetian blinds. But he wasn't about to let such a golden opportunity slip through his talented fingers. He informed his boss that a fictitious cousin had been murdered in an alley, so he needed a little time off to take care of business.

When Sunnyland had finished that auspicious day, Waters sang a pair of numbers, "Little Anna Mae" and "Gypsy Woman," that would become his own Aristocrat debut 78. They were rawer than the Columbia stuff, but not as inexorably down-home as "I Can't Be Satisfied" and its flip, "I Feel Like Going Home" (the latter was his first national R&B hit in 1948). With Big Crawford slapping the bass behind Waters' gruff growl and slashing slide, "I Can't Be Satisfied" was such a local sensation that even Muddy Waters himself had a hard time buying a copy down on Maxwell Street.

He assembled a band that was so tight and vicious on-stage that they were informally known as "the Headhunters"; they'd come into a bar where a band was playing, ask to sit in, and then "cut the heads" of their competitors with their superior musicianship. Little Walter, of course, would single-handily revolutionize the role of the harmonica within the Chicago blues hierarchy; Jimmy Rogers was an utterly dependable second guitarist; and Baby Face Leroy Foster could play both drums and guitar. On top of their instrumental skills, all four men could sing powerfully.

1951 found Waters climbing the R&B charts no less than four times, beginning with "Louisiana Blues," and continuing through "Long Distance Call," "Honey Bee," and "Still a Fool." Although it didn't chart, his 1950 classic "Rollin' Stone" provided a certain young British combo with a rather enduring name. Leonard Chess himself provided the incredibly unsubtle bass-drum bombs on Waters' 1952 smash "She Moves Me."

"Mad Love," his only chart bow in 1953, is noteworthy as the first hit to feature the rolling piano of Otis Spann, who would anchor the Waters aggregation for the next 16 years. By this time, Foster was long gone from the band, but Rogers remained, and Chess insisted that Walter -- by then a popular act in his own right -- make nearly every Waters session into 1958 (why break up a winning combination?). There was one downside to having such a peerless band; as the ensemble work got tighter and more urbanized, Waters' trademark slide guitar was largely absent on many of his Chess waxings.

Willie Dixon was playing an increasingly important role in Muddy Waters' success. In addition to slapping his upright bass on Waters' platters, the burly Dixon was writing one future bedrock standard after another for him: "I'm Your Hoochie Coochie Man," "Just Make Love to Me," and "I'm Ready," seminal performances all, and each blasted to the uppermost reaches of the R&B lists in 1954.

When labelmate Bo Diddley borrowed Waters' swaggering beat for his strutting "I'm a Man" in 1955, Waters turned around and did him tit for tat by reworking the tune ever so slightly as "Mannish Boy" and enjoying his own hit. "Sugar Sweet," a pile-driving rocker with Spann's 88s anchoring the proceedings, also did well that year. 1956 brought three more R&B smashes: "Trouble No More," "Forty Days & Forty Nights," and "Don't Go No Farther." But rock & roll was quickly blunting the momentum of veteran blues aces like Waters; Chess was growing more attuned to the modern sounds of Chuck Berry, Bo Diddley, the Moonglows, and the Flamingos. Ironically, it was Muddy Waters who had sent Berry to Chess in the first place.

After that, there was only one more chart item, 1958's typically uncompromising (and metaphorically loaded) "Close to You." But Waters' Chess output was still of uniformly stellar quality, boasting gems like "Walking Thru the Park" (as close as he was likely to come to mining a rock & roll groove) and "She's Nineteen Years Old," among the first sides to feature James Cotton's harp instead of Walter's, in 1958. That was also the year that Muddy Waters and Spann made their first sojourn to England, where his electrified guitar horrified sedate Britishers accustomed to the folksy homilies of Big Bill Broonzy. Perhaps chagrined by the response, Waters paid tribute to Broonzy with a solid LP of his material in 1959.

Cotton was apparently the bandmember who first turned Muddy on to "Got My Mojo Working," originally cut by Ann Cole in New York. Waters' 1956 cover was pleasing enough but went nowhere on the charts. But when the band launched into a supercharged version of the same tune at the 1960 Newport Jazz Festival, Cotton and Spann put an entirely new groove to it, making it an instant classic (fortuitously, Chess was on hand to capture the festivities on tape).

As the 1960s dawned, Muddy Waters' Chess sides were sounding a trifle tired. Oh, the novelty thumper "Tiger in Your Tank" packed a reasonably high-octane wallop, but his adaptation of Junior Wells' "Messin' with the Kid" (as "Messin' with the Man") and a less-than-timely "Muddy Waters Twist" were a long way removed indeed from the mesmerizing Delta sizzle that Waters had purveyed a decade earlier.

Overdubbing his vocal over an instrumental track by guitarist Earl Hooker, Waters laid down an uncompromising "You Shook Me" in 1962 that was a step in the right direction. Drummer Casey Jones supplied some intriguing percussive effects on another 1962 workout, "You Need Love," which Led Zeppelin liked so much that they purloined it as their own creation later on.

In the wake of the folk-blues boom, Waters reverted to an acoustic format for a fine 1964 LP, Folk Singer, that found him receiving superb backing from guitarist Buddy Guy, Dixon on bass, and drummer Clifton James. In October, he ventured overseas again as part of the Lippmann- and Rau-promoted American Folk Blues Festival, sharing the bill with Sonny Boy Williamson, Memphis Slim, Big Joe Williams, and Lonnie Johnson.

The personnel of the Waters band was much more fluid during the 1960s, but he always whipped them into first-rate shape. Guitarists Pee Wee Madison, Luther "Snake Boy" Johnson, and Sammy Lawhorn; harpists Mojo Buford and George Smith; bassists Jimmy Lee Morris and Calvin "Fuzz" Jones; and drummers Francis Clay and Willie "Big Eyes" Smith (along with Spann, of course) all passed through the ranks.

In 1964, Waters cut a two-sided gem for Chess, "The Same Thing"/"You Can't Lose What You Never Had," that boasted a distinct 1950s feel in its sparse, reflexive approach. Most of his subsequent Chess catalog, though, is fairly forgettable. Worst of all were two horrific attempts to make him a psychedelic icon. 1968's Electric Mud forced Waters to ape his pupils via an unintentionally hilarious cover of the Stones' "Let's Spend the Night Together." After the Rain was no improvement the following year.

Partially salvaging this barren period in his discography was the Fathers and Sons project, also done in 1969 for Chess, which paired Muddy Waters and Spann with local youngbloods Paul Butterfield and Mike Bloomfield in a multi-generational celebration of legitimate Chicago blues.

After a period of steady touring worldwide but little standout recording activity, Waters' studio fortunes were resuscitated by another of his legion of disciples, guitarist Johnny Winter. Signed to Blue Sky, a Columbia subsidiary, Waters found himself during the making of the first LP, Hard Again; backed by pianist Pinetop Perkins, drummer Willie Smith, and guitarist Bob Margolin from his touring band, Cotton on harp, and Winter's slam-bang guitar, Waters roared like a lion who had just awoken from a long nap.

Three subsequent Blue Sky albums continued the heartwarming back-to-the-basics campaign. In 1980, his entire combo split to form the Legendary Blues Band; needless to note, he didn't have much trouble assembling another one (new members included pianist Lovie Lee, guitarist John Primer, and harpist Mojo Buford).

By the time of his death in 1983, Waters' exalted place in the history of blues (and 20th century popular music, for that matter) was eternally assured. The Chicago blues genre that he turned upside down during the years following World War II would never recover.

[Blues/Jazz/R&B/Rap] Gil Scott-Heron 길 스콧-헤론

Sat, 23 Jan 2010 04:37:26 +0900

Gil Scott-Heron - Pieces Of A Man(1971)과 Winter In America (1974)

문서출처: [네오뮤직커뮤니티] 본 글은 izm.co.kr에서 팝 칼람리스트 임진모님의 기고글을 원문 발췌하고 본인이 국내외 사이트에서 수집한 자료를 바탕으로 내용을 재구성하여 올리는 글입니다.

	활동시기 : 1970년대~2000년대
	데뷔/결성 : 1970년
	솔로

혁명은 텔레비전에 나오지 않고 주류 라디오 방송에서 혁명을 기대하긴 힘들다. 부유한 권력의 악용과 기득권 집단의 위선은 인터넷이 실시간 생중계 하지 않았다면 오늘날까지 철저히 묵언됐을지도 모른다.

시인이자 뮤지션이면서 또 흑인운동가였던 길 스콧 헤론(Gil Scott-Heron)은 당대 사회적 이슈와 정치적 쟁점을 음악의 언어로 풀어 쓰며 미국사회의 문제들에 비판 의식을 가졌던 '위대한' 흑인 아티스트다. 그의 베스트 작품으로 남은 '혁명은 TV에 나오지 않는다(The revolution will not be televised)'의 초창기 랩 형태를 띤 거친 내레이션으로 인해 흔히 '랩의 대부'로 칭송되기도 한다.

소울과 재즈, 펑크 그리고 랩과 블루스까지 실로 방대한 흑인 장르를 시도한 아티스트는 거의 스콧 헤론이 유일하다. 스콧 헤론은 1970년대 혁명을 일으킨 문제작을 여럿 남겼다. 그럼에도 동시대 흑인 운동에 참여한 커티스 메이필드나 도니 해더웨이에 비해 상대적으로 덜 알려진 까닭에 우리에겐 다소 익숙하지 않다.

스콧 헤론의 음악세계를 조명하기 위해선 1970년대 초반 그가 남긴 두 장의 명반을 반드시 챙겨 들을 필요가 있다. 저항 랩의 선구적 작품인 'The revolution will not be televised'가 수록된 [ Pieces Of A Man ](1971)과 함께 [ Winter In America ](1974)는 당시 20대 청년의 시각에서 바라 본 흑인사회의 어두한 현상 면면을 면도날처럼 날카로운 노랫말과 혁신적인 사운드로 풀어 낸 작품이다.

Album: Pieces of a Man [1971]

1 The Revolution Will Not Be Televised 3:09
2 Save the Children 4:27
3 Lady Day and John Coltrane 3:37
4 Home Is Where the Hatred Is 3:22
5 When You Are Who You Are 3:23
6 I Think I'll Call It Morning 3:31
7 Pieces of a Man 4:54
8 A Sign of the Ages 4:03
9 Or Down You'll Fall 3:14
10 The Needle's Eye 4:51
11 The Prisoner 9:25

Album Review by Jon Azpiri
After decades of influencing everyone from jazz musicians to hip-hop stars, Pieces of a Man set a standard for vocal artistry and political awareness that few musicians will ever match. Scott-Heron's unique proto-rap style influenced a generation of hip-hop artists, and nowhere is his style more powerful than on the classic "The Revolution Will Not Be Televised." Even though the media — the very entity attacked in this song — has used, reused, and recontextualized the song and its title so many times, its message is so strong that it has become almost impossible to co-opt. Musically, the track created a formula that modern hip-hop would follow for years to come: bare-bones arrangements featuring pounding basslines and stripped-down drumbeats. Although the song features plenty of outdated references to everything from Spiro Agnew and Jim Webb to The Beverly Hillbillies, the force of Scott-Heron's well-directed anger makes the song timeless. More than just a spoken word poet, Scott-Heron was also a uniquely gifted vocalist. On tracks like the reflective "I Think I'll Call It Morning" and the title track, Scott-Heron's voice is complemented perfectly by the soulful keyboards of Brian Jackson. On "Lady Day and John Coltrane," he not only celebrates jazz legends of the past in his words but in his vocal performance, one that is filled with enough soul and innovation to make Coltrane and Billie Holiday nod their heads in approval. More than three decades after its release, Pieces of a Man is just as — if not more — powerful and influential today as it was the day it was released.

Gil Scott-Heron - The Revolution Will Not Be Televised

Gil Scott-Heron - Lady Day and John Coltrane

Gil Scott-Heron - Home Is Where the Hatred Is

1949년 시카고 태생으로 유년시절 뉴욕의 브롱스에서 성장한 스콧 헤론은 굵직한 바리톤 보컬로 흑인음악의 다양한 영역을 넘나들며 그만의 독보적인 음악색깔을 구축했다. 그가 특별히 존경한 존 콜트레인과 빌리 홀리데이에게 바친 'Lady day and John Coltrane'을 비롯해 'Home is where the hatred is' 'Rivers of my father' 'The bottle' 그리고 'A very precious time' 등은 필청 싱글로 유명하다.

Album: Winter In America [1974]

1 Peace Go With You, Brother   5:27
2 Rivers of My Fathers 8:19
3 A Very Precious Time 5:17
4 Back Home 2:51
5 The Bottle 5:14
6 Song for Bobby Smith 4:38
7 Your Daddy Loves You 3:25
8 H2O Gate Blues [live] 8:08
9 Peace Go With You, Brother   1:10
10 Winter in America  8:23
11 Song for Bobby Smith  4:46
12 Your Daddy Loves You 4:25
13 The Bottle/Guan Guanco   11:56

Album Review by Ron Wynn
Gil Scott-Heron was at his most righteous and provocative on this album. The title cut was a moving, angry summation of the social injustices Scott-Heron felt had led the nation to a particularly dangerous period, while "The Bottle" was a great treatise on the dangers of alcohol abuse. He also offered his thoughts on Nixon's legacy with "The H2O Gate Blues," a classic oral narrative. Brian Jackson's capable keyboard, acoustic piano and arranging talents helped make this a first-rate release, one of several the duo issued during the 1970s.

Gil Scott-Heron - Rivers of my father

Gil Scott-Heron - A very precious time

Gil Scott-Heron - The bottle

펜실베니아의 링컨대학 재학시절 만난 흑인 키보디스트 브라이언 잭슨(Brian Jackson)은 스콧 헤론의 음악을 설명할 때 늘 그림자처럼 따라다니는 동반자다. 특히 스콧 헤론과 브라이언 잭슨의 협연이 돋보이는 걸작 < Winter In America >는 1970년대 부정한 미국사회에 대한 통렬한 비평적 선언을 담아 지금까지도 서구 비평가들에 의해 마스터피스로 거론된다. 미국인들이 스콧 헤론의 이름을 기억하기 시작한 시기도 이 앨범이 발표된 직후부터다.

브라이언 잭슨의 건반 연주 말고도 론 카터(Ron Carter)의 베이스, 허버트 로스(Hubert Laws)의 플루트와 색소폰의 조화는 스콧 헤론의 사운드 그림판에서 빠질 수 없는 '지적이고도 따뜻한' 편곡 묘미를 선사했다. 록 비평가 바니 호스킨스는 "스콧 헤론은 흑인 빈민가 우울증의 대변자이자 단호한 정치적 투사"라고 표현한 바 있다.

스콧 헤론은 훗날 미국 흑인음악에 지대한 영향을 끼쳤지만 국내에서는 그의 이름이 거의 알려지지 않았다. 소울시대를 강타한 비주류 흑인가수들의 작품이 라이선스 발매되질 않은 탓에 국내 FM 채널에서 스콧 헤론의 노래는 선곡조차 되지 않았다. 지금도 스콧 헤론의 앨범은 해외 인터넷 사이트로 주문하거나 수입상을 통해서만 만나볼 수 있는 꽤 까다로운 아이템 중 하나.

문제는 스콧 헤론이 1980년대 들어 미국의 메이저 필드에서도 거의 자취를 감추다시피 했다는 데 있다. 하지만 그의 음악은 1970년대 흑인문화를 고찰하고자 했던 21세기 힙합 및 네오소울 가수들에 의해 꾸준히 재조명되었다. 특히 신세대 스타 카니예 웨스트는 2집 < Late Registration >(2005)에서 'Home is where the hatred is'를 고스란히 담아내며 시카고 선배를 향한 존경을 표하기도 했다.

오늘날 유투브나 마이스페이스 같은 인터넷 공간이 활성화되면서 스콧 헤론의 공연 영상과 낡은 고전이 다시 되살아나고 있다. TV와 라디오 등 주류 방송은 스콧 헤론이 제시한 진보 성향의 노래를 그냥 무덤덤하게 바라봤지만 결국 뉴미디어 시대를 활짝 연 인터넷이 길 스콧 헤론을 재발견했다고 해도 과언이 아니다.

2009/03 김獨(quincyjones@hanmail.net)

[참 조] ▒ ▒ ▒ Gil Scott-Heron Biography ▒ ▒ ▒ by John Bush

One of the most important progenitors of rap music, Gil Scott-Heron's aggressive, no-nonsense street poetry inspired a legion of intelligent rappers while his engaging songwriting skills placed him square in the R&B charts later in his career, backed by increasingly contemporary production courtesy of Malcolm Cecil and Nile Rodgers (of Chic).

Born in Chicago but transplanted to Tennessee for his early years, Scott-Heron spent most of his high-school years in the Bronx, where he learned firsthand many of the experiences which later made up his songwriting material. He had begun writing before reaching his teenage years, however, and completed his first volume of poetry at the age of 13. Though he attended college in Pennsylvania, he dropped out after one year to concentrate on his writing career and earned plaudits for his novel, The Vulture.

Encouraged at the end of the '60s to begin recording by legendary jazz producer Bob Thiele -- who had worked with every major jazz great, from Louis Armstrong to John Coltrane -- Scott-Heron released his 1970 debut, Small Talk at 125th and Lenox, inspired by a volume of poetry of the same name. With Thiele's Flying Dutchman Records until the mid-'70s, he signed to Arista soon after and found success on the R&B charts. Though his jazz-based work of the early '70s was tempered by a slicker disco-inspired production, Scott-Heron's message was as clear as ever on the Top 30 single "Johannesburg" and the number 15 hit "Angel Dust." Silent for almost a decade, after the release of his 1984 single "Re-Ron," the proto-rapper returned to recording in the mid-'90s with a message for the gangsta rappers who had come in his wake; Scott-Heron's 1994 album Spirits began with "Message to the Messengers," pointed squarely at the rappers whose influence -- positive or negative -- meant much to the children of the 1990s.

In a touching bit of irony which he himself was quick to joke about, Gil Scott-Heron was born on April Fool's Day 1949 in Chicago, the son of a Jamaican professional soccer player (who spent time playing for Glasgow Celtic) and a college-graduate mother who worked as a librarian. His parents divorced early in his life, and Scott-Heron was sent to live with his grandmother in Lincoln, TN. Learning musical and literary instruction from her, Scott-Heron also learned about prejudice firsthand, as he was one of three children picked to integrate an elementary school in nearby Jackson. The abuse proved too much to bear, however, and the eighth-grader was sent to New York to live with his mother, first in the Bronx and later in the Hispanic neighborhood of Chelsea.

Though Scott-Heron's experiences in Tennessee must have been difficult, they proved to be the seed of his writing career, as his first volume of poetry was written around that time. His education in the New York City school system also proved beneficial, introducing the youth to the work of Harlem Renaissance poet Langston Hughes as well as LeRoi Jones. After publishing a novel called The Vulture in 1968, Scott-Heron applied to Pennsylvania's Lincoln University. Though he spent less than one year there, it was enough time to meet Brian Jackson, a similarly minded musician who would later become a crucial collaborator and integral part of Scott-Heron's band. Given a bit of exposure -- mostly in magazines like Essence, which called The Vulture "a strong start for a writer with important things to say" -- Scott-Heron met up with Bob Thiele and was encouraged to begin a music career, reading selections from his book of poetry Small Talk at 125th & Lennox while Thiele recorded a collective of jazz and funk musicians, including bassist Ron Carter, drummer Bernard "Pretty" Purdie, Hubert Laws on flute and alto saxophone, and percussionists Eddie Knowles and Charlie Saunders; Scott-Heron also recruited Jackson to play on the record as pianist. Most important on the album was "The Revolution Will Not Be Televised," an aggressive polemic against the major media and white America's ignorance of increasingly deteriorating conditions in the inner cities. Scott-Heron's second LP, 1971's Pieces of a Man, expanded his range, featuring songs such as the title track and "Lady Day and John Coltrane" which offered a more straight-ahead approach to song structure (if not content).

The following year's Free Will was his last for Flying Dutchman, however; after a dispute with the label, Scott-Heron recorded Winter in America for Strata East, then moved to Arista Records in 1975. As the first artist signed to Clive Davis' new label, much was riding on Scott-Heron to deliver first-rate material with a chance at the charts. Thanks to Arista's more focused push on the charts, Scott-Heron's "Johannesburg" reached number 29 on the R&B charts in 1975. Important to Scott-Heron's success on his first two albums for Arista (First Minute of a New Day and From South Africa to South Carolina) was the influence of keyboardist and collaborator Brian Jackson, co-billed on both LPs and the de facto leader of Scott-Heron's Midnight Band.

Jackson left by 1978, though, leaving the musical direction of Scott-Heron's career in the capable hands of producer Malcolm Cecil, a veteran producer who had midwifed the funkier direction of the Isley Brothers and Stevie Wonder earlier in the decade. The first single recorded with Cecil, "The Bottle," became Scott-Heron's biggest hit yet, peaking at number 15 on the R&B charts, though he still made no waves on pop charts. Producer Nile Rodgers of Chic also helped on production during the 1980s, when Scott-Heron's political attack grew even more fervent with a new target, President Ronald Reagan. (Several singles, including the R&B hits "B Movie" and "Re-Ron," were specifically directed at the President's conservative policies.) By 1985, however, Scott-Heron was dropped by Arista, just after the release of The Best of Gil Scott-Heron. Though he continued to tour around the world, Scott-Heron chose to discontinue recording. He did return, however, in 1993 with a contract for TVT Records and the album Spirits. For well over a decade, Scott-Heron was mostly inactive, held back by a series of drug possession charges. He began performing semi-regularly in 2007 and recorded an album, I'm New Here, released on XL in 2010.

[Country] 브렌트 메이슨 - Brent Mason

Wed, 30 Dec 2009 13:40:58 +0900

Country

컨트리

Brent Mason

활동그룹
사용장비	펜더 텔레캐스터

컨트리 기타리스트 쳇 엣킨스에게 인정받아 마크 오코너의 그룹 뉴 내쉬빌 캐츠에 80년대에 들어오면서부터 참여하기 시작한 젊은이 브렌트 메이슨의 연주는 독특하다. 브렌트 메이슨은 현재 내쉬빌에서 틀림 없는 제일인자의 기타리스트로 평가받고 있다.

라디오에서 흘러 나오는 최근 컨트리 히트곡들의 놀라운 리프나 솔로는 대부분 그의 것이라고 해도 절반은 맞는 말일 것이다.

1960년대~70년대 미국 컨트리 기타리스트인 제임스 버튼에서 70년대에서 80년대 초 활동했던 영국 출신의 컨트리/록 기타리스트 알버트 리로 향상된 컨트리 기타의 역사는 이 브렌트 메이슨에 의해 더욱 발전 중이라고 해도 좋다. 속주도 놀랍고 재즈적인 표현도 완벽하다.

섬 피크와 다른 손가락, 때로는 새끼손가락까지 사용하는 핑거 스타일이지만 빠르기는 프랫 피킹이라는 정설은 그에게는 통용되지 않는다.

즐겨 사용하는 악기는 텔레캐스터이고 프론트 픽업에는 깁슨의 세미 험배커를 사용한다. 완전히 올마이티한 기타리스트이다.

그의 연주는 컨트리 기타리스트인 마크 오코너의 앨범 [더 뉴 내쉬빌 캐츠]에 잘 나타나 있다.

더 뉴 내쉬빌 캐츠/마크 오코너 워너

1 Bowtie 2:40
2 Restless 5:25
3 Nashville Shuffle Boogie 6:10
4 Pick It Apart   4:59
5 Traveller's Ridge 3:35
6 Granny White Special  3:53
7 Cat in the Bag  2:43
8 The Ballad of Sally Anne   2:36
9 Swang 4:52
10 Dance of the Ol' Swamp Rap   3:03
11 A Bowl of Bula   4:05
12 Lime Rock  2:23
13 Sweet Suzanne 5:12
14 Orange Blossom Special  5:39
15 Now It Belongs to You 6:33

1991년

[참조] ▒ ▒ ▒ Album Review ▒ ▒ ▒ Album Title: The New Nashiville Cats

With an incredible lineup of Nashville's very best musicians, this package covers a wide range of musical territory, from bluegrass to the blues, with plenty of stellar pickin'. Ironically, this mostly instrumental album won a vocal Grammy when Vince Gill, Ricky Skaggs, and Steve Wariner teamed with Mark O'Connor on "Restless."

[ 참 조 ] ▒ ▒ ▒ Biography ▒ ▒ ▒

Brent Mason is a session guitarist that was in demand through much of the '90s, playing on albums by Alan Jackson, David Gates, Brooks & Dunn, George Strait, Neil Diamond and Shania Twain, among many others. He also played on commercials for Budweiser, Miller Brewing Co., Betty Crocker, Sears, Michelob, Ford and Wrangler. Mason began a solo career in 1997, when he released his instrumental debut album Hot Wired on Mercury Records.

[ 참 조 ] ▒ ▒ ▒ Album Review ▒ ▒ ▒ Album Title: Hot Wired

Album Title: Hot Wired [1997]
	1 Cayman Moon 4:46 2 Mellow Midnight 5:55 3 Blowin' Smoke 3:08 4 First Rule of Thumb 2:53 5 Hot Wired 3:09 6 Blue Water Girl 3:57 7 Gator Bite 2:18 8 My Little Ballerina 3:37 9 Sugar Foot Rag 2:33 10 Swing With a Sting 3:34
[Album Review] As a professional guitarist, Brent Mason demonstrated his virtuosity on sessions with a number of country and pop stars, including George Strait, Shania Twain, Aaron Neville, Trisha Yearwood, Randy Travis and Neil Diamond, but he never had a chance to demonstrate the full range of his talents until his 1997 debut album, Hot Wired. To be sure, Mason tackles country on the all-instrumental record, but he also stretches out, wandering into some jazzy territory here and there. While there are a couple of slow spots ? some of the songwriting is a little undistinguished ? Mason continually shines, proving that he's a guitarist's guitarist.

무생채

Sun, 01 Nov 2009 18:43:37 +0900

김장용 으로 심은 무,웃자란 무들을 많이 내다 파더군요,
더러는 동치미용 다발 무 도 팔고 있었구요,
무생채 는 자주 해 먹는 편이지만
무 에 따라 늘 맛이 달라지곤 합니다.
지난주 무 는 조금 단단 한 편인라 무쳐 두었을때도
수분이 많이 흐르지않아 비빔밥 에 넣어 도 좋더군요,
기호 에 따라 무 를 택하시겠지만요
무 를 볶아서 또 는 조림용, 무절임용,무쌈,국물용 은 수분이 많은 것 이 좋으나
무 생채 일 경우 는 수분이 덜 한 것이 전 좋더군요,
무 의 부위도 연두색 이 많이 있는 곳이 단단하고..고소하구요,
생채 를 무쳤을대 꼬들한 맛이 오래가더군요,

재료: 무 600g,파 약간(넣지 않아도 무방)마늘 다진것 1/2큰술
고춧가루 4큰술,까나리 액젓 1큰술반. 소금 1/2티스푼, 깨소금 2큰술

만드는방법

1, 무 는 흙을 부드러운 수세미 로 닦아내고
길이 4cm정도로 토막 을 내어 1~2mm두께로 나븟하게 설어
채설어 놓습니다
2, 마늘 다져 놓습니다
파 어슷 썰어 놓습니다
3, 볼 에 채선 무 를 담고 고춧가루 를 부어 골고루 붉은색 물이 스며들게 한 후
젓갈 과 마늘 다진것 . 파 를 넣고 양념이 골고루 배어들게 해 준 후
싱거우면 소금간 을 보시고 깨소금 추가 로 넣으시면 됩니다.

*까나리 액젓 을 많이 넣은건 아닙니다.
조금 더 까나리 맛을 줄려면
액젓을 양을 1/2큰술 정도 더 늘려잡으시고
소금을 넣지 마시구요,
대신 수분이 더 추가 되는거니
고춧가루 를 추가 로 더 넣으셔야 합니다.

무 껍질 을 벗겨내지 마시고
흙만 떨어 내세요.

무생채 길이 는 수분이 많은 무 일 경우 는
조금 길게 하시고
딱딱 하고 꼬들한 느낌이 드는 무 는 4cm
전 처음 김장무 용 을 구입 했으니 조금 꼬들한 감이 있을거란 생각에
무 채 길이를 조금 짧게 잡은거죠,
무 를 몇등분 내어 썰어 보니 웬걸 수분 함량이 의외 로 많아
무쳤을때도 모양새 가 살아 나질 않더군요,

고춧가루 를 미리 넣으셔서 버무렸다가
다른 양념을 넣으셔도 좋구요,
다 같이 넣으셔도 됩니다.

쪽파 가 없어서 대파 를 활용 했지요,
영~ 느낌이미끈거리 고 좋질 않아요.
늘 파 를 넣지 않고 무생채 를 하다가 어제는 웬 바람이 불어서
파 를 넣고 무쳤는지..^^
여러 번 의 무생채 경험으로보아 파 는 넣지 않는게 좋을것 같습니다.
정히 넣고 싶으면
쪽파 를 같이 넣어 버무리시면 됩니다.

블루스 명곡모음 앨범 전곡듣기 Feel the Blues Vol.Ⅵ-4

Sun, 06 Sep 2009 16:05:44 +0900

Feel the Blues

블루스 명곡모음 앨범 전곡듣기 Feel the Blues Vol.Ⅵ-4

Neal Schon - 16 - Love Trance

Ten Years After - 17 - Help Me

Stevie Ray Vaughan - 18 - Voodoo Chili

Moving Sidewalks - 19 - Joe Blues

[참 조] ▒ ▒ ▒ Neal Schon - Biography ▒ ▒ ▒

“산타나 밴드를 떠나 저니를 결성할 때 난 로큰롤의 마하비슈누가 되고 싶었다. 그후 몇 장의 앨범을 발표한 후에 팀 플레이에 치중하는 쪽으로 흐르게 되었다.”

뜨거운 필을 물밀듯이 쏟아내는 풍부한 감성의 소유자 닐 숀은 1955년 2월 27일 오클라호마에서 태어났다. 그는 10살 때부터 기타를 치기 시작해, 웨스 몽고메리나, 에릭 클랩튼, 지미 헨드릭스, B.B. 킹, 하비 만델, 마이크 블룸필드 등의 곡들을 들으며 대 기타리스트들을 꿈꾸었다.

닐 숀은 샌프란시스코 일대의 여러 로컬밴드에서 경력을 쌓았고, B.B. 킹, 엘빈 비숍 등과도 세션을 벌여 어린 나이에 록계의 주목을 받았다. 고등학교 졸업 후엔 에릭 클랩튼으로부터 Derek & the Dominos에 참가해 달라는 권유를 뿌리치고, 그룹 산타나에 가입하였다. 여기서 그는 카를로스 산타나와 함께 좋은 연주를 들려주었으나 앨범 [Caravanserai]를 끝으로 그룹을 탈퇴했다. 그리곤 그룹 슬라이 앤 더 패밀리 스톤(Sly And The Family Stone) 출신의 드러머 그렉 에리코(Greg Errico), 베이시스트 래리 그레함(Larry Graham) 등과 함께 세션활동을 걸쳐 산타나 시절의 동료 그렉 롤리와 73년 저니(Journey)를 결성했다.
그는 저니를 이끌면서 건반주자인 얀 해머와 [Untold Passion](81)과 [Here To Stay](83)를 발표, 록적인 강렬함과 재즈퓨전이 함께 하는 기타세계를 들려주었다. 또한 새미 헤이거 등과 함께 임시 프로젝트 HSAS를 조직하기도 했다. 이외에 닐 숀은 89년 자신의 첫 솔로앨범 [Late Nite]을 완성해 앨범 타이틀에서도 알 수 있듯이 서정적이며 내면적으로 기운 연주를 들려주었다.

90년대로 와 닐 숀은 Missing You’를 부른 John Waite와 배드 잉글리시(Bad English)에서 활약하다가 하드라인(Hardline)이라는 밴드를 만들어 계속되는 인기를 구가하였지만 1984년 스티브 페리의 솔로활동 등으로 그룹분위기가 와해되며 [Raised On Radio]에서는 오리지널 라인업이 깨지며 97년 공식해산에 이른다. 이후 닐 숀은 1996년 저니를 재결합해 싱글 ‘When You Love A Woman’을 히트시켰으며 2001년에는 스티브 페리가 빠진채로 앨범 [Arrival]을 발표했다.

이처럼 음악적인 활동 이외에도 그는 ‘Schon’기타를 제작해 화제를 가져다주기도 했다. 닐 숀의 연주는 한마디로 말해 ‘찐하고’ 강렬한 프레이즈를 들려준다. 물론 딜레이를 깊이 걸고 거기에 디스토션을 풀 업시킨 화려한 이펙팅의 소산이라지만 단순히 전자공학적인 수준에 머무르지 않고 폭발할 듯한 뜨거운 필과 즉흥적인 순발력으로 그것들을 커버해 연주가 더욱 박진감이 있다.

그의 기교는 대부분이 런 주법이나 해머링, 풀링, 벤딩 등 70년대식의 핑거 테크닉이 주류를 이루지만 엄청난 힘의 기타를 펼치기 때문에 고감도의 뜨거운 에너지를 분출해준다. 좀더 강한 필의 기타를 쳐보고 싶은 사람에게 있어 게리 무어, 존 사이크스, 그리고 닐 숀은 하나의 이상형인 것이다.

사 용 장 비
◇Schecter, Schon, Les Paul, Roland Synthesizer(81) - Strat Model(81)
◇100 - Hi Watt Head, Bolder(Swedish) Amp
◇Roland Jazz Chorus, Lexicon 224
그외

[출처: 음악창고, 글/조성진]

[참 조] ▒ ▒ ▒ Neal Schon - Discography ▒ ▒ ▒

Piranha Blues [1999년]
	1 Whiskey, Women & Blues 3:34 2 Gotta Get Back to You 6:32 3 Lonesome Road 3:58 4 Hole in My Pocket 5:21 5 Walkin' Out the Door 5:22 6 I'm in Love 5:07 7 Love Trance 6:53 8 Slow Down 5:06 9 Play the Blues 2:55 10 A Girl Like You 5:07 11 Hey, Hey, Babe 3:54 12 Blues for Miles 4:55

[참 조] ▒ ▒ ▒ Ten Years After - Biography ▒ ▒ ▒

영국 노팅험에서 결성된 4인조 블루스 록 그룹 텐 이어즈 에프터(Ten Years After, 이하 TYA)는, 팀의 리더이자 간판 스타인 알빈 리(Alvin Lee)의 환상적인 기타 연주로 크게 주목받기도 했지만 오히려 그의 그늘에 가려진 나머지 멤버들은 소위 알빈 리 쇼의 백킹 뮤지션에 불과하다는 평을 듣기도 했던 밴드이다.

65년 제이버즈(Jaybirds)라는 이름으로 알빈 리(기타·보컬), 칙 처칠(Chick Churchill, 키보드), 릭 리(Ric Lee, 드럼), 리오 라이언즈(Leo Lyons, 베이스)로 결성된 이들은 당시 붐처럼 일어났던 언더그라운드 프로그레시브 밴드들의 전례를 쫓아 너무 평범한 그들의 이름 대신 텐 이어즈 에프터로 밴드 이름을 바꾼다. 블루스와 로큰롤을 결합시킨 음악으로 당시 메인스트림 블루스 주자였던 플리트우드 맥(Fleetwood Mac), 치킨 샤크(Chicken Shack), 사보이 브라운(Savoy Brown)과 구별되었던 이들의 첫 앨범은 별 반응을 얻지 못했고, 이들은 다음 레코딩 작업에 들어가기 전까지 클럽가에서 연주활동을 하며 지냈다.

68년 라이브 실황앨범인 [Undead]에서 알빈의 빠른 기타 주법에 힘입어 'I'm Going Home'을 히트시킨 이들은 69년 [Stonedhenge]를 UK 차트 10위에 진입시키고 전미 투어를 실시한다. 당시 우드스탁 페스티발에 참가하여 'I'm Going Home'을 9분 짜리로 편곡하여 연주해 블루스적인 이미지에서 탈피, 록 스타로서 광적인 팬층을 형성하게 된 TYA는 이후에 발표하는 앨범들의 차트 등극을 보장받게 된다.

69년 발표한 [Ssssh]에서는 집약적인 사운드와 스타일이 표출된 'Stoned Woman'으로 UK 20위에 올랐고, [Cricklewood Green]의 히트 싱글 'Love Like a Man'으로 차트 14위에 오른 이들은 콜롬비아사와 계약을 맺고 주류 팝쪽으로 방향을 전환한다. 71년 골드 셀링에 빛나는 [A Space in Time]을 발표하고 'I'd Love to Change the World'를 성공시키며 기타가 기조를 이룬 사운드에 일렉트로닉 음악을 사용한 TYA는 72년 [Rock 'N'Roll To The World] 이후 잠깐의 휴식기를 갖는다. 이 시기에 알빈은 가스펠 가수 마일론 르 페브레(Mylon Le Fevre)와 함께 [On the Road to Freedom]을 발표하고 칙도 [You and Me]로 솔로 프로젝트를 수행한다. 74년 다시 밴드의 이름 하에 [Positive Vibrations]를 발표하지만 그다지 좋은 반응을 얻지 못하였고 결국 이들은 해체를 선언한다.

78년 알빈은 트리오로 TYA를 다시 결성했으나 별 반향을 일으키지는 못했다. 15년 만인 89년 원년 멤버들이 다시 재결합해 [About Time]을 발표하고 유럽 지역에서 순회공연을 가지기도 했지만 고정팬들만이 관심을 가질 뿐이었다. 그러나 이들은 90년대 들어서도 꾸준히 [Zoom](92), [I Hear You Rockin'](94), [Pure Blues] 등을 발표하며 다른 어떤 영국 밴드보다도 많은 미국 순회공연을 통해 라이브 밴드로서 입지를 공고히 하고 있다.

[출처: 음악창고, 글 / 조성진]

[참 조] ▒ ▒ ▒ Ten Years After - Discography ▒ ▒ ▒

Ten Years After [1967년]
	1 I Want to Know 2:12 2 I Can't Keep from Crying, Sometimes 5:34 3 Adventures of a Young Organ 2:37 4 Spoonful 6:20 5 Losing the Dogs 3:09 6 Feel It for Me 2:45 7 Love Until I Die 2:10 8 Don't Want You Woman 2:41 9 Help Me 10:16

스티비 레이 본은 지미 헨드릭스의 팔로우적인 존재로 이야기되는 경우가 많은데 그도 역시 짐과 마찬가지로 블루스의 전통을 록의 시대에 재현하는 것을 이어온 위대한 기타리스트의 한 명이다.

1954년 텍사스의 달라스 태생인 그는 어렸을 때부터 그의 형인 Jimmie Vaughan(역시 이름난 블루스 기타리스트 이다)의 영향으로 중학교 때부터 그의 형과 더불어 동네의 블루스 클럽에서 연주 기회를 가질 정도로 뛰어난 재능을 보였다.

그의 나이 17세에 학교를 그만두고 전문적인 음악인의 길로 들어서면서 70년대 중반 텍사스의 오스틴 등지에서 'Cobras' 라는 이름의 밴드를 결성하여 본격적인 음악생활을 시작하였고, 여러 음악인들과 함께 해체와 재결성을 거듭하여 클럽활동을 하던 중 1982년 오티스 러쉬의 곡에서 이름을 붙인 더블 트러블이라는 그룹을 조직한 그는 몬트레이 페스티벌에 참가하게 된다. 이때 그는 이미 오스틴 지역의 최고 기타 플레이어로 인정 받고 있던 유능한 음악인이 되어있었다.

이 공연에서 당시의 인기 가수이던 David Bowie의 눈에 띄게 되고 이러한 인연으로 David Bowie가 82년 발표한 [Let's Dance] 앨범에 객원 기타리스트로 참여하면서 본격적인 음악시장과 인연을 맺게 되어 그 만남을 계기로 일렉트로 팝 전성시대에 새로운 타입의 블루스맨으로서 데뷔하여 음악계에 충격을 주었다

이듬해인 1983년 Stevie는 그의 밴드인 Double Trouble과 함께 데뷰 앨범인 [Texas Flood] 를 발표하게 되고 이 앨범은 큰 히트를 하게 되며 블루스 앨범으로는 드물게 그 해 앨범차트 38위에 오르는 업적을 달성하게 된다. 그는 원래 David Bowie의 [Let's Dance] 앨범 프로모션을 위한 순회공연에 객원 기타리스트로 참여하기로 되어있었으나 이 앨범의 예상치(?) 못했던 성공으로 자신의 밴드들 위한 단독 전국 순회공연을 나서게 된다.
.
.

이 후 성공적인 순회공연을 마치고 1984년 5월 두 번째 앨범인 [Couldn't Stand the Weather] 를 발표하게 되고 이 앨범은 차트의 31위까지 오르는 성과를 거두며 그는 이제 메이져 시장에서 확고한 위치를 굳히게 된다. 1985년에 발표된 그의 세 번째 앨범인 [Soul to Soul] 역시 전과는 달리 정식으로 키보디스트를 영입하여 보다 안정적인 사운드 뿐만 아니라 폭 넓은 음색의 구성을 통해 대중적으로 크게 인기를 끌게 된다.

숨돌릴 틈 없이 10여년 가까이 왕성한 음악활동(계속되는 공연으로 1989년도 한해에는 기타의 플렛을 4번이나 새 걸로 바꾸었다는 애기도 전해진다)을 해온 이 천재적인 기타리스트를 하늘이 아까워 해서일까? 그의 음악 생활 중에서 가장 성공적인 공연 중 하나로 평가 받은 거장들과의 합동공연을 마치고 시카고로 가던 중 그의 연주 곡인 "Little Wing" 처럼 보이지 않는 날개를 달고 세상을 떠나고 만다.

1990년 8월 26일 Eric Clapton, Buddy Guy등 쟁쟁한 블루스 기타 리스트들과 위스콘신에서 합동 공연을 마치고 시카고로 가던 중 헬리콥터 추락사고로 인해 35세의 젊은 나이로 세상을 떠난 그는 시카고 블루스, 델타 블루스 와 더불어 블루스 음악계의 커다란 축으로 부각되는 텍사스 특유의 깔끔한 스타일의 블루스를 연주하는 기술과 천재성을 겸비한 대표적인 블루스 기타 리스트라 할 수 있다.

백인으로서 흑인의 음악인 블루스를 자신의 기타로 완벽하게 표현할 수 있었던 레이 본은 정말 아이러니 하게도 자신이 가장 존경했던 지미 헨드릭스처럼 너무 빨리 세상을 뜨고 말았다. 요즘 스티비 레이 본의 후계자로는 케니 웨인 쉐퍼드 같은 인물이 지목되고 있다.

1990년 여름에 막을 내린 그의 짧은 생애 최후의 스테이지는 에릭 클랩튼의 게스트로서 였다고한다. '입을 딱 벌리고 구경할 수밖에 없었다'고 클랩튼은 그 스테이지에 관해서 이야기하고 있다.

스포츠 팬이 아니더라고 텍사스 하면 연상되어지는 것? 메이저 리그의 박찬호 선수. 블루스 팬이 아니더라도 텍사스 블루스 하면 연상되어지는 기타리스트? Stevie Ray Vaughan(스티브 레이 본). 그를 텍사스 블루스를 대표하는 거장이라 표현해도 무리가 없을 것이다.

몇 해 전 지미 헨드릭스의 누이가 한국의 모음악지가 전화 인터뷰를 통해 지미 헨드릭스의 영향을 받은 아티스트 중 가장 뛰어나다고 생각되는 인물로 바로 스티비 레이 본을 지적한 바 있다.

이 천재 기타리스트를 애도하는 차원에서 그의 형인 Jimmie Vaughan이 생전에 동생이 해왔던 작업들을 모아서 콜렉션 앨범으로 1991년 10월에 발표한 "The Sky is Crying"은 그의 천재성과 뛰어난 음악성을 기억하려는 팬들에 의해서 3개월 만에 백만장이 넘게 팔리는 기록을 세우면서 사람들에게 그의 천재성을 다시 한번 알리게 된다.

우리들에게 음악이 줄 수 있는 감동이 어떤 것인가를 알려준 Stevie Ray Vaughan - Jimi Hendrix와는 또 다른 해석을 통해 맑고 힘있는 여운을 주는 "Little Wing"을 들으며 더운 여름 저 하늘 어딘가에서 특유의 웃음을 지으며 Jimi 와 함께 우리를 보고 있을 그를 떠올려 본다.

“인생을 통해 좋은 찬스는 자주 오지 않는다. 따라서 그 찬스를 놓치지 않도록 하라!”

스티비 레이 본은 1954년 10월 3일 텍사스주에서 태어났다. 그가 기타에 관심을 갖게 된 것은 3살 위인 형 지미 본 때문이었다. 평소 블루스 음악에 심취해 있던 지미 본의 기타연주를 보며 그는 형의 밴드에 베이시스트로 가입하였다. 하지만 곧 기타로 바꿔 버디 가이, B.B.킹, 프레디 킹, 지미 리드, 장고 라인하르트, 지미 헨드릭스, 케니 버렐 등을 들으며 자신의 연주세계를 다져갔다.

댈러스의 흑인 클럽에서 연주활동을 하다가 고교를 중퇴하고 곧 오스틴으로 가 본격적인 음악생활을 시작하였다. 얼마 후 스티비 레이 본은 더블 트러블(Double Trouble)이라는 자신의 밴드를 결성해 82년 7월부터 정력적인 라이브 활동을 하였다. 이와 함께 그는 데이빗 보위의 히트곡인 'Let’s Dance'에서 알버트 킹 스타일의 기타솔로를 세션해 주어 크게 유명해졌다. 이 곡을 계기로 그는 데이빗 보위의 투어에도 참가할 수 있었다.

그와 더블 트러블은 83년 6월 [Texas Flood]로 데뷔하는 데, 이 앨범은 예상외로 각종 차트에 오르며 상업적인 성공까지 가져다주었다. 84년 5월에 스티비 레이 본과 더블 트러블은 두 번째 앨범으로 골드 디스크 상을 수상하고 빌보드 차트 32위에 오르기도 했다. 그는 상복도 꽤 있는 뮤지션인데, 지난 83년에서 87년까지 네 차례에 걸쳐 그래미상을 수상하였다.(그가 받은 부분은 베스트 록 인스트루멘틀, 베스트 블루스 레코딩 등) 이처럼 깊은 음악성 이외에도 대중적인 사랑을 받던 그는 아쉽게도 지난 90년 8월 27일 헬리콥터 추락사고로 목숨을 잃고 말았다.

스티비 레이 본의 연주는 올드팬 뿐만 아니라 지금의 기타 세대에게까지 폭넓은 지지를 받는 뮤지션이다. 그의 블루스 연주는 60∼70년대의 전통미와 현대의 세련된 감각이 공존하고 있다. 그 때문에 블루노트 감각에 있어 고전적인 체취가 늘씬 풍기면서도 유려하고 세련된 프레이즈가 막힘이 없이 흘러나온다.

스티비 레이 본은 블루스의 대가답게 자신만의 리듬을 갖고 있다. 따라서 유창한 블루스 솔로를 감동적으로 그려내는 데, 특히 핑거 폼의 변화가 탁월하다. 블루스 이외에도 웨스 몽고메리 풍의 옥타브 주법에 의한 감칠 맛 나는 연주도 곧잘 들려준다. 'Chitlins Con Carne', 'Riviera Paradise'가 그 예다. 그가 지미 헨드릭스로부터 영향을 받았다는 건 익히 알려진 사실이다. 실제로 그는 [Couldn’t Stand The Weather]와 [The Sky Is Crying] 등에서 각각 'Voodoo Chile', 'Little Wing' 등을 리바이벌하고 있다.

▒ 사 용 장 비 ▒
◇Fender Stratocaster(59,57,62,64), Gibson ES 335, Fender Telecaster
◇Marshall 4x12 Cabinets, Dumble Head 150, 300W
◇Fuzz Face, Cry Baby(Vox), Ibanez Tube Screamer, Quadraverb

블루스와 록을 접목시키고 거기에 재즈적인 사운드까지 섭렵하여 자신만의 독특하고 열정적인 연주 스타일을 개발한 뮤지션 스티비 레이 본(Stevie Ray Vaughan)은 80년대 블루스를 재생시킨 탁월한 재능을 가진 블루스 기타리스트이다.

큰형인 지미 본(Jimmi Vaughan)의 영향으로 11살 때 기타 연주를 시작한 스티브는 고등학교 시절 로컬밴드의 일원으로 일대의 나이트클럽에서 연주했고, 학교를 자퇴한 이후 70년대 중반까지 코브라즈(Cobras)의 일원으로 연주경력을 쌓게 된다. 75년 트리플 쓰렛(Triple Threat)이라는 자신의 밴드를 결성한 그는 텍사스 주변의 바와 클럽에서 활동했고, 81년 그룹의 이름을 더블 트러블(Double Trouble)로 바꾸면서 리드 싱어로 자리잡게 된다.

몇 년간의 연주활동을 통해 텍사스 일대의 최고 인기 그룹이 된 이들은 82년 "Montreux Festival"에서 데이빗 보위(David Bowie)와 잭슨 브라운(Jackson Browne)의 눈에 띄게 되고, 그해 데이빗의 앨범 [Let's Dance]에 스티브가 리드 기타 트랙을 맡게 된다. 이듬해 에픽(Epic) 레코드사와 계약을 맺고 발표한 [Texas Flood](83)는 블루스와 록 평론가들로부터 호평을 받았고, 그래미 몇 몇 부문에 노미네이트 되었으며, 라디오 방송국의 애청곡으로 자리잡으면서 블루스 블록버스터로서의 성공을 누리게 된다.

순회공연을 마치고 두 번째 앨범 [Couldn't Stand the weather](84)를 발표하여 'Tin Pan Alley'를 히트시키며 골드를 기록하는 등 전작에 능가하는 성공을 거둔 밴드는 85년 세 번째 앨범인 [Soul To Soul] 또한 골드를 기록함으로써 더 더욱 명성을 얻게 된다. 그러나 이 같은 인기에도 불구하고 스티비는 마약과 알코올 중독으로 급격히 건강이 악화되었으며, 독일 공연 중 쓰러져 클리닉에서 치료를 받게 된다. 87년 아내와 이혼하는 불운까지 겪게 되지만 이 모든 문제들을 접고 그는 다시 음악활동에 전념했고, 87년 영화 [Back to the Beach]에 전설적인 로커 딕 데일(Dick Dale)과 열연하는 등 재기에 성공한다.

88년 MTV에서 어쿠스틱 기타 연주 실력을 선보인 그는 제프 백(Jeff Beck)과 함께 공연을 하던 중에 더블 트러블의 다섯 번째 앨범인 [In Step]을 발표해 그래미상을 수상했고, 싱글 'Crossfire'로 AOR 라디오 부문 정상을 차지했다. 90년 형 지미와 함께 녹음한 [Family Style]로 록 앤 블루스부문(Rock & Blues Categories)의 그래미상을 수상한 스티비는 60년대 로커인 조 카커(Joe Cocker)와 2개월간 공동 콘서트를 갖기도 하는 등 활발한 연주활동을 한다.

그러나 스티비는 90년 8월 27일 남부 위스콘신에서 에릭 클렙튼(Eric Clapton), 버디 가이(Buddy Guy), 로버트 크레이(Robert Cray)와 공연을 마치고 시카고로 가던 중 헬리콥터 추락 사고로 사망하고 만다. 아이러니컬하게도 비극적인 죽음 후 그의 명성은 더욱 높아졌고, 91년 형 지미에 의해 앨범으로 발표되지 않았던 이전 스티비의 곡들을 모은 [The Sky is Crying]이 앨범 차트 톱 텐에 오르면서 발매 3개월만에 플래티넘을 기록해 그의 인기를 실감하게 했다.

비록 그는 사망했지만 그가 남긴 음악 속에서 영원히 들을 수 있는 독특한 기타 톤과 테크닉은 스티비 레이 본을 지미 헨드릭스(Jimmi Hendrix) 이래로 최고의 기타 주법을 구사하는 불후의 기타 신으로서 많은 기타리스트들의 추앙을 받게 하고 있다.

블루스 명곡모음 앨범 전곡듣기 Feel the Blues Vol.Ⅵ-3

Sun, 04 Oct 2009 13:48:07 +0900

Feel the Blues

블루스 명곡모음 앨범 전곡듣기 Feel the Blues Vol.Ⅵ-3

The Red Hot Blues - 11 - Records Of The Blues

Essex Blues Band - 12 - Soul For Sale

Peter Green - 13 - Just Another Guy

Fleetwood Mac - 14 - Something Inside Of Me

Gary Moore - 15 - Blues For Narada

[참 조] ▒ ▒ ▒ Red Hot Blues - Discography ▒ ▒ ▒

News About the Blues [2001년]
	1 Not by Man Alone 3:05 2 99 Pounds 3:18 3 You Walked Out on Me 4:39 4 Damn Your Eyes 4:10 5 Bad Thing 3:00 6 Where You Been So Long 5:04 7 Guilty 5:25 8 Waitin' on the Hurricane 5:38 9 Last Call for Love 5:33 10 News About the Blues 3:17

[참 조] ▒ ▒ ▒ Peter Green & Fleetwood Mac - Biography ▒ ▒ ▒

플리트우드 맥의 역사는 가장 뛰어난 백인 블루스 기타리스트의 한 명으로 인정되는 피터 그린으로부터 비롯되었다. 다른 많은 천재들이 그랬듯, 약물 남용과 편집광적인 괴팍한 성격으로 특징 되는 피터 그린은 1946년 10월 29일, 런던에서 피터 그린봄(Peter Greenbaum)이라는 본명으로 태어났다. 어린 시절부터 머디 워터스(Muddy Waters)와 비비 킹(B.B. King) 등 유명한 블루스 뮤지션들의 여러 작품들과 유태인의 전통 음악에 영향을 받은 그는 1966년, 이후 카멜(Camel)에서 활동하게 되는 키보드 연주자 피터 바든스(Peter Bardens)의 그룹 피터 비스 루너스(Peter B's Looners)의 멤버가 된다. 이 즈음 브리티시 블루스 계의 대부로 손꼽히는 존 메이욜(John Mayall)의 그룹 블루스브레이커스(Bluesbreakers)는 에릭 클랩튼(Eric Clapton)의 탈퇴로 기타리스트의 자리가 비어 있었고, 결국 열 아홉 살의 피터는 블루스브레이커스의 정식 멤버가 된다.

‘플리트우드 맥’이라는 그룹명이 만들어지게 된 계기는 꽤 재미있다. 피터가 스무살 생일을 맞이하자 존 메이올은 그에게 생일 선물로 몇 시간 동안 스튜디오를 마음껏 사용할 수 있도록 했다. 몇 시간의 세션을 통해 그는 연주곡 하나를 녹음했는데 그 곡의 제목이 바로 ‘Fleetwood Mac'이다. 이 독특한 제목에 대해 피터는 블루스브레이커스의 멤버들인 믹 플리트우드와 존 맥비가 세션에 참여하여 연주를 했기 때문에 그들의 이름을 딴 이 제목을 떠올릴 수밖에 없었다고 밝힌 바 있다. 1967년, 에릭 클랩튼이 다시 복귀를 하자 피터 그린은 자신이 그룹을 떠날 때가 왔음을 알아챘다. 결국 그는 과한 음주를 이유로 존 메이올에게 해고당한 믹 플리트우드와 함께 새로운 밴드를 시작하기로 하고 자신들이 연주했던 노래의 제목을 그대로 그룹명으로 하여 플리트우드 맥을 결성한다.

리바이 세트(Levi Set)라는 그룹의 기타리스트였던 제레미 스펜서, 그리고 (임시)베이시스트 밥 브루닝(Bob Brunning)을 맞이한 밴드는 1967년 8월 13일, 영국 재즈 및 블루스 페스티벌을 통해 공식적인 무대 데뷔를 이루었다. 곧 블루스브레이커스로부터 존 맥비를 영입하여 완전한 라인업을 갖춘 플리트우드 맥은 신생 레이블 <블루 호라이즌(Blue Horizon)>과 계약을 맺고 10월에 첫 싱글 ‘I Believe My Time Ain't Long'을 발매한다. 이듬해에 이들은 브리티시 블루스의 정수를 담은 두 앨범 [Peter Green's Fleetwood Mac]('68)과 [Mr. Wonderful]('68)로 영국 내에서 그 실력을 인정받았다. 이후 피터는 열 여덟 살의 기타리스트 대니 커원을 새로이 발굴해냈고 트리플 기타의 편성이 된 밴드는 유럽 내에서 완전한 전성기를 맞이하게 된다.

'69년 한 해 동안 첫 히트 싱글 ‘Black Magic Woman'을 필두로 하여 영국 차트 1위를 차지한 ’Albatross'와 ‘Oh Well' 등 초기 플리트우드 맥을 대표할 수 있는 여러 싱글들이 발매되었다. [English Rose]와 [The Pious Bird Of Good Omen], [Fleetwood Mac In Chicago], 그리고 [Then Play On] 등 1969년에 발표된 네 장의 앨범들에서 이들이 지닌 역량은 여지없이 드러난다.

1970년 봄, 환각제의 남용으로 심각한 정서 장애에 시달리던 피터 그린이 갑작스레 밴드를 떠났다.

▶ Band Line Up ◀

Peter Green - vocals, guitar, harmonica
Jeremy Spencer - vocal, guitar
John McVie - bass
Mick Fleetwood - drums

While most bands undergo a number of changes over the course of their careers, few groups experienced such radical stylistic changes as Fleetwood Mac. Initially conceived as a hard-edged British blues combo in the late '60s, the band gradually evolved into a polished pop/rock act over the course of a decade. Throughout all of their incarnations, the onl　y consistent members of Fleetwood Mac were drummer Mick Fleetwood and bassist John McVie the rhythm section that provided the band with its name. Ironically, they had the least influence over the musical direction of the band. Originally, guitarists Peter Green and Jeremy Spencer provided the band with its gutsy, neo-psychedelic blues-rock sound, but as both guitarists descended into mental illness, the group began moving toward pop/rock with the songwriting of pianist Christine McVie. By the mid-'70s, Fleetwood Mac had relocated to California, where they added the soft rock duo of Lindsey Buckingham and Stevie Nicks to their lineup. Obsessed with the meticulously arranged pop of the Beach Boys and the Beatles, Buckingham helped the band become one　　　 of the most popular groups of the late '70s. Combining soft rock with the confessional introspection of singer/songwriters, Fleetwood Mac created a slick but emotional sound that helped 1977's Rumours become one　 of the biggest-selling albums of all time. The band retained its popularity through the early '80s, when Buckingham, Nicks, and Christine McVie all began pursuing solo careers. The band reunited for one　 album, 1987's Tango in the Night, before splintering in the late '80s. Buckingham left the group initially, but the band decided to soldier on, releasing one　 other album before Nicks and McVie left the band in the early '90s, hastening the group's commercial decline.

The roots of Fleetwood Mac lie in John Mayall's legendary British blues outfit, the Bluesbreakers. Bassist John McVie was one　 of the charter members of the Bluesbreakers, joining the group in 1963. In 1966 Peter Green replaced Eric Clapton, and a year later drummer Mick Fleetwood joined. Inspired by the success of Cream, the Yardbirds, and Jimi Hendrix, the trio decided to break away from Mayall in 1967. At their debut at the British Jazz and Blues Festival in August, Bob Brunning was playing bass in the group, since McVie was still under contract to Mayall. He joined the band a few weeks after their debut; by that time, slide guitarist Jeremy Spencer had joined the band. Fleetwood Mac soon signed with Blue Horizon, releasing their eponymous debut the following year. Fleetwood Mac was an enormous hit in the U.K., spending over a year in the Top Ten. Despite its British success, the album was virtually ignored in America. During 1968, the band added guitarist Danny Kirwan. The following year, they recorded Fleetwood Mac in Chicago with a variety of bluesmen, including Willie Dixon and Otis Spann. The set was released later that year, after the band had left Blue Horizon for a one　-album deal with Immediate Records; in the U.S., they signed with Reprise/Warner Bros., and by 1970, Warner began releasing the band's British records as well.

Fleetwood Mac released English Rose and Then Play On during 1969, which both indicated that the band was expanding its music, moving away from its blues purist roots. That year, Green's "Man of the World" and "Oh Well" were number two hits. Though his music was providing the backbone of the group, Peter Green was growing increasingly disturbed due to his large ingestion of hallucinogenic drugs. After announcing that he was planning to give all of his earnings away, Green suddenly left the band in the spring of 1970; he released two solo albums over the course of the '70s, but he rarely performed after leaving Fleetwood Mac. The band replaced him with Christine Perfect, a vocalist/pianist who had earned a small but loyal following in the U.K. by singing with Spencer Davis and the Chicken Shack. She had already performed uncredited on Then Play On. Contractual difficulties prevented her from becoming a full-fledged member of Fleetwood Mac until 1971; by that time she had married John McVie.

Christine McVie didn't appear on 1970's Kiln House, the first album the band recorded without Peter Green. For that album, Jeremy Spencer dominated the band's musical direction, but he had also been undergoing mental problems due to heavy drug use. During the band's American tour in early 1971, Spencer disappeared; it was later discovered that he left the band to join the religious cult the Children of God. Fleetwood Mac had already been trying to determine the direction of their music, but Spencer's departure sent the band into disarray. Christine McVie and Danny Kirwan began to move the band towards mainstream rock on 1971's Future Games, but new guitarist Bob Welch exerted a heavy influence on 1972's Bare Trees. Kirwan was fired after Bare Trees and was replaced by guitarists Bob Weston and Dave Walker, who appeared on 1973's Penguin. Walker left after that album, and Weston departed after making its follow-up, Mystery to Me (1973). In 1974, the group's manager, Clifford Davis, formed a bogus Fleetwood Mac and had the band tour the U.S. The real Fleetwood Mac filed and won a lawsuit against the imposters after losing, they began performing under the name Stretch but the lawsuit kept the band off the road for most of the year. In the interim, they released Heroes Are Hard to Find. Late in 1974, Fleetwood Mac moved to California, with hopes of restarting their career. Welch left the band shortly after the move to form Paris.

Early in 1975, Fleetwood and McVie were auditioning engineers for the band's new album when they heard Buckingham-Nicks, an album recorded by the soft rock duo Lindsey Buckingham and Stevie Nicks. The pair were asked to join the group and their addition revived the band's musical and commercial fortunes. Not onl　y did Buckingham and Nicks write songs, but they brought distinctive talents the band had been lacking. Buckingham was a skilled pop craftsman, capable of arranging a commercial song while keeping it musically adventurous. Nicks had a husky voice and a sexy, hippie gypsy stage persona that gave the band a charismatic frontwoman. The new lineup of Fleetwood Mac released their eponymous debut in 1975 and it slowly became a huge hit, reaching number one　 in 1976 on the strength of the singles "Over My Head," "Rhiannon," and "Say You Love Me." The album would eventually sell over five million copies in the U.S. alone.

While Fleetwood Mac had finally attained their long-desired commercial success, the band was fraying apart behind the scenes. The McVies divorced in 1976, and Buckingham and Nicks' romance ended shortly afterward. The internal tensions formed the basis for the songs on their next album, Rumours. Released in the spring of 1977, Rumours became a blockbuster success, topping the American and British charts and generating the Top Ten singles "Go Your Own Way," "Dreams," "Don't Stop," and "You Make Loving Fun." It would eventually sell over 17 million copies in the U.S. alone, making it the second biggest-selling album of all time. Fleetwood Mac supported the album with an exhaustive, lucrative tour and then retired to the studio to record their follow-up to Rumours. A wildly experimental double album conceived largely by Buckingham, 1979's Tusk didn't duplicate the enormous success of Rumours, yet it did go multi-platinum and featured the Top Ten singles "Sara" and "Tusk." In 1980, they released the double-album Live.

Following the Tusk tour, Fleetwood, Buckingham, and Nicks all recorded solo albums. Of the solo projects, Stevie Nicks' Bella Donna (1981) was the most successful, peaking at number one　　　 and featuring the hit singles "Stop Draggin' My Heart Around," "Leather and Lace," and "Edge of Seventeen." Buckingham's Law and Order (1981) was a moderate success, spawning the Top Ten "Trouble." Fleetwood, for his part, made a world music album called The Visitor. Fleetwood Mac reconvened in 1982 for Mirage. More conventional and accessible than Tusk, Mirage reached number one　　　 and featured the hit singles "Hold Me" and "Gypsy."

After Mirage, Buckingham, Nicks, and Christine McVie all worked on solo albums. The hiatus was due to a variety of reasons. Each member had his or her own manager, Nicks was becoming the group's breakaway star, Buckingham was obsessive in the studio, and each member was suffering from various substance addictions. Nicks was able to maintain her popularity, with The Wild Heart (1983) and Rock a Little (1985) both reaching the Top 15. Christine McVie also had a Top Ten hit with "Got a Hold on Me" in 1984. Buckingham received the strongest reviews of all, but his 1984 album Go Insane failed to generate a hit. Fleetwood Mac reunited to record a new album in 1985. Buckingham, who had grown increasingly frustrated with the musical limitations of the band, decided to make it his last Fleetwood Mac project. When the resulting album, Tango in the Night, was finally released in 1987, it was greeted with mixed reviews but strong sales, reaching the Top Ten and generating the Top 20 hits "Little Lies," "Seven Wonders," and "Everywhere."

Buckingham decided to leave Fleetwood Mac after completing Tango in the Night, and the group replaced him with guitarists Billy Burnette and Rick Vito. The new lineup of the band recorded their first album, Behind the Mask, in 1990. It became the band's first album since 1975 to not go gold. Following its supporting tour, Nicks and Christine McVie announced they would continue to record with the group, but not tour. Vito left the band in 1991, and the group released the box set 25 Years ? The Chain the following year. The classic Fleetwood Mac lineup of Fleetwood, the McVies, Buckingham, and Nicks reunited to play President Bill Clinton's inauguration in early 1993, but the concert did not lead to a full-fledged reunion. Later that year, Nicks left the band and was replaced by Bekka Bramlett and Dave Mason; Christine McVie left the group shortly afterward. The new lineup of Fleetwood Mac began touring in 1994, releasing Time the following year to little attention. While the new version of Fleetwood Mac wasn't commercially successful, neither were the solo careers of Buckingham, Nicks, and McVie, prompting speculation of a full-fledged reunion in 1997. Say You Will, the first Fleetwood Mac studio album in 15 years, appeared in April 2003. It also marked the group's first set without Christine McVie since 1997's live effort, The Dance.

[참 조] ▒ ▒ ▒ Gary Moore - Biography ▒ ▒ ▒

“뮤지션이 나이를 먹어간다는 건 결코 두려운 게 아니다. 그것은 곧 정신적인 면에서 더욱 성숙해져서 감정을 적절히 조절해 음악활동을 할 수 있기 때문이다.”

유례가 없을 만큼 강력한 왼손과 오른손으로 정통 록기타의 진수를 들려주는 게리 무어는 기성 기타리스트 모두가 부러워하는 살아있는 록기타의 화신이다. 1954년 6월 4일 아일랜드에서 태어난 게리 무어는 일렉트릭 기타를 10살 때부터 치기 시작했다. 처음 기타를 잡을 당시 그의 우상은 지미 헨드릭스와 제프 벡, 피터 그린 등이었다. 그는 이러한 기타리스트의 곡을 카피하며 아마추어 시절을 보냈다.

16세가 되자 게리는 ‘Skid Row’라는 밴드를 결성해 정식으로 록계에 데뷔하였는 데, 이 당시 스키드 로우는 블루스와 하드록 소울 등이 섞인 음악을 연주하였다. 스키드 로우 해체 후 게리는 에릭 벨의 후임으로 그룹 씬 리지(Thin Lizzy)에 가입 좋은 연주를 들려주었다. 그러나 게리는 이즈음 음악적으로나 인간적으로나 가장 많은 방황과 갈등을 겪고 있었는 데, 이 때문에 씬 리지에서도 그는 오래 있지 못하고 탈퇴하였다. 그리곤 자신의 독자적인 ‘게리 무어 밴드’를 결성해 73년 [Grinding Stone]을 발표하였다. 2년 후인 75년에는 재즈퓨전을 프로그레시브하게 연주했던 그룹 콜로세움Ⅱ에 가입, [Strange New Flesh](76)와 [Electric Savage], [WarDance](77) 등에 참여하게 된다. 그룹 콜로세움 투는 게리 무어를 맞아들여 인스트루멘틀 재즈록 지향의 뛰어난 음악세계를 한껏 과시할 수 있었다.

78년에 게리는 존 하이스먼, 돈 에일리 등의 콜로세움 친우들과 앤드류 로이드 웨버의 녹음작업에도 참여했다. 얼마 후 게리는 탈퇴한 브라이언 로버트슨의 후임으로 다시 씬 리지에 들어가 명반[Black Rose]녹음을 도왔다. 그리고 비슷한 시기에 자신의 첫 솔로앨범 [Back On The Street]을 완성하기도 했다.

씬 리지의 앨범작업을 마친 게리는 다시 그룹을 탈퇴하고 79년에 드러머 코지 파웰의 첫 솔로앨범을 세션해 주며 때를 기다리게 된다. 그러다가 80년에 ‘제트’레코드와 계약하고 그룹 G-Force를 결성했다. 현재까지도 록 역사의 명 그룹으로 기록되는 지 포스는 수많은 뮤지션과 팬들의 관심 속에서 셀프 타이틀의 데뷔앨범을 녹음하였다. 하지만 뜻하지 않게 제트 레코드가 도산해버리는 바람에 지 포스는 난관에 봉착되고 말았다. 결국 이 그룹은 제대로 활동도 못하고 해산되고 게리는 81년말 ‘버진’레코드사와 계약을 하고 이듬해에 명반 [Corridors Of Power]를 발표했다. 그리고 이 앨범을 시발로 게리는 본격적인 솔로 뮤지션으로의 길을 가기 시작했다.

솔로 뮤지션으로 활발한 활동을 벌인 게리는 90년대로 들어와 그간의 헤비메틀 지향의 기타에서 벗어나 블루스 쪽으로 눈을 돌리게 된다. 그 첫 신호탄이 바로 90년의 앨범 [Still Got The Blues]이다. 이 앨범이후 게리는 완전히 블루스 뮤지션으로 그 모습을 바꾸어 현재에 이르고 있다.

게리 무어의 연주는 강력하고 어태키한 피킹과 지판을 짓눌러 버릴 것만 같은 정력적인 핑거링을 주축으로 초강력 에너지를 발산하는 프레이즈를 들려준다. 한때 그는 라이트핸드를 사용하지 않고 라이트핸드적인 프레이즈를 치며, 풀링 오프나 해머링을 멋지게 사용해 스피디한 애드립을 전개하기도 했다. 이러한 형태의 프레이즈가 너무도 강렬해 때론 난폭하다는 인상을 줄 정도이다.

그는 헤비메틀 기타리스트이기 이전에 블루스 뮤지션이다. 그 때문에 그의 연주에선 고감도의 뜨거운 블루지함이 배어있다. 펜타토닉과 블루노트 스케일에 기반하여 마이너적인 느낌으로 음을 진행시킨다. 그외 디미니쉬와 도리안 등도 사용해 독자적인 멜로디라인을 창출한다. 거기에 그 특유의 다양한 초킹들이 얽혀 록의 정통성을 더욱 짙게 하고있다.

그는 언제나 최고의 음색을 추구해왔다. 콜로세움 Ⅱ에서 오늘날의 'Still Got The Blues'에 이르기까지 그의 기타 톤은 앰프자체의 게인을 최대한 활용한다는 점에선 가히 당대 최고중의 하나라 할만한 것이다. 공격적인 위협감과 우수어린 정서를 모두 뛰어나게 표현하는 그의 연주야말로 록기타 바로 그 자체인 것이다.

사 용 장 비
◇Gibson Les Paul Standard(59), Les Paul Junior(55), Fender Stratocaster(71),Charvel Strat, Hamer
◇Marshall 100W Amp, Soldano, Mesa Boogie
◇Roland Digital Delay SDE 2000 MXR Distortion, BOSS Overdrive Eventide Digital Delay, Marshall Gav’ner, Alesis MIDIVerb

[출처: 음악창고, 글 / 조성진]

게리 무어(Gary Moore; 1952년 4월 4일 북아일랜드 Belfest 출생)는 자신의 그룹은 물론 많은 다른 사람들의 프로젝트에 참여하여 Heavy Metal에서 Blues까지 다양한 장르에서 그만의 피가 끓는 듯한 뜨겁고 처절한 연주를 들려준 기타연주자 겸 가수이다.

1. 10대 소년 Gary Moore와 Skid Row

그는 7세 때부터 부친의 권유로 피아노를 치기 시작했으며 그러던 중 Shadows의 음악에 깊은 감명을 받고 11세 때 기타연주자가 되기로 결심한다. 67년 본격적인 음악 활동을 위해서 Dublin으로 이주한 Gary Moore는 Skid Row(미국의 Heavy Metal 그룹인 Skid Row와는 다른 그룹)에 가입하게 되며, 여기서 그는 자신의 음악 여정에 막대한 영향을 줄 두 사람 -이후 그룹 Thin Lizzy에서 음악적 교류와 우정을 다지게 될 필 리뇻(Phil Lynott, v; 당시엔 아직 베이스를 배우지 않았다고 한다), 그리고 Skid Row를 Opening 밴드로 세워 후원해 줬으며 Gary Moore에게 직접 자신이 사용하던 기타를 선물로 주며 격려했던 Fleetwood Mac의 피터 그린(Peter Green)- 과의 운명적 만남을 가짐과 동시에 16세라는 어린 나이에 그의 재능을 확인 받게 된다.

Phil은 Thin Lizzy의 결성을 위해 Skid Row를 곧 떠나게 되어 Gary Moore는 나머지 멤버인 브랜던 쉴즈(Brendan "Brush" Shields, 베이스), 노엘 브릿지모어(Noel "Nollaig" Bridgemore, 드럼)의 3인조로 첫 앨범 [Skid]를 1970년 Peter Green의 소개로 CBS에서 발매한다. 이어서 71년 [34 Hours](이 앨범의 녹음을 34시간에 마쳐서 붙여진 제목이라고 한다)의 발표와 함께 유럽 공연을 가졌으며, 아일랜드 잡지 [New Spotlight]에서 그 해 최고의 밴드로 선정되기도 하였다. 다음 해 3번째 앨범을 녹음했으나 발매 전 Gary Moore가 솔로 활동을 위해 탈퇴하는 바람에 앨범 발매가 취소되어 90년에야 겨우 발매되게 된다.

2. 20대 청년 Gary Moore의 다양한 음악 체험

Skid Row를 탈퇴한 Gary Moore는 73년 피어스 켈리(Pearse Kelly, d), 존 커티스(John Curtis, b)와 함께 그의 첫 솔로 앨범 [Grinding Stone]을 발표하였으나 큰 주목은 받지 못한 채 Phil Lynott의 권유로 당시 공석이던 Thin Lizzy의 기타연주자 자리를 얻게 된다. Thin Lizzy의 74년 앨범 [Nightlife]에서 Gary Moore가 참여한 것은 'Still in Love with You' 단 한 곡이지만, 이 곡은 그의 애절한 연주 덕분에 처음으로 대중적인 이름값을 얻는 계기가 된다. Gary Moore는 다시 Thin Lizzy를 탈퇴하여 Eddie Howell의 [Gramophone]에 세션으로 참가하기도 한다. 그러던 중 그룹 Colosseum의 존 하이스먼(Jon Hiseman, k)을 만난 그는 Colosseum II라는 실험적인 프로젝트에 참여한다. 여기서 그는 그와 함께 여러 그룹을 방랑하며 자주 마주치게 될 돈 에어리(Don Airey, k)와 활동한다.

Colosseum II와 76년 [Strange New Flesh], 77년 [Electric Savage], [War Dance]를 제작하였으며 이 앨범들은 비록 상업적인 성공은 거두지 못했지만 실험성 강한 명작들로 인정받는다. 78년 다시 Phil Lynott과 만난 Gary Moore는 2번째 솔로 앨범을 발표한다. 강한 Hard Rock 스타일의 [Back on the Streets]는 이 앨범에 수록된 너무도 유명한 'Parisienne Walkways'와 함께 본격적으로 그의 이름을 널리 알리게 된다. 79년 Gary Moore의 앨범에 우정 출현해 큰 성공을 거두게 해준 Phil Lynott은 이번에는 그를 다시 Thin Lizzy에 초대하여 명반 [Black Rose]를 완성시킨다. 하지만 투어 도중 말없이 사라진 Gary Moore는 Phil Lynott과 불편한 관계가 되고 만다.

이 시기에 Gary Moore는 역시 방랑 연주인이자 명 드럼연주자인 코지 파웰(Cozy Powell, d)의 솔로 앨범 [Over the Top]에 일부 참여한다. 80년 Gary Moore는 G-Force란 프로젝트를 결성하지만 좋은 결과를 얻지 못한 채 Emerson Lake & Palmer 출신의 그렉 레이크(Greg Lake)의 솔로 앨범에 참여하고 투어에도 동참한다.

3. 30대 Gary Moore의 정열적인 Heavy Metal

82년은 Gary Moore에게 있어선 가장 바쁜 해이자 솔로로서 본격적인 활동을 시작한 해이다. 먼저 강력한 Heavy Metal 사운드와 감미로운 Rock Ballad가 어우러진 그의 앨범 [Corridors of Power]가 엄청난 앨범 판매고를 올렸으며, 동시에 [Live at Marquee] 앨범 녹음, Greg Lake의 [Manoeuvres], Cozy Powell의 [Octopuss]에도 참여하여 모두 좋은 성과를 거뒀다. [Corridors of Power]의 성공으로 일본에서 공연을 마친 Gary Moore는 당시의 실황인 [Rockin' Every Night]을 83년 일본에서만 발매한다. 동시에 Thin Lizzy의 고별 공연에 우정 출연해 주기도 한다.

84년 소련에 의한 KAL기 격추사건을 규탄한 'Murder in the Skies'와 그의 두 번째 히트 발라드 'Empty Rooms'가 수록된 [Victims of the Future]가 발매되었으며, 그에 따른 세계 순회 공연을 내용으로 한 [We Want Moore]가 발매된다.

이후 Phil Lynott과 화해한 Gary Moore는 공동작업으로 EP [Out in the Fields]를 85년 발표하지만 다음해 Phil의 요절로 결국 두 사람의 마지막 작품이 되고 만다. 이 앨범의 수록곡은 같은 해 발표된 [Run for Cover]에도 수록되었다. 87년에는 아일랜드적인 색채가 강한 [Wild Frontier]를 발표하였으며, 89년에는 블루스의 거장 Roy Buchanan의 명곡 'Messhia Will Come Again' 커버곡이 실린 [After the War]를 발표한다.

4. 40대 Gary Moore의 Blues로의 회귀

87년 [Wild Frontier]서부터 기존의 Heavy Metal로부터 탈피하려는 변화가 엿보이더니 마침내 90년 [Still Got the Blues]를 발표하여 본격적인 Blues로의 회귀라는 커다란 변화를 단행하였다. 앨버트 콜린스(Albert Collins)와 조지 해리슨(George Harrison)이 게스트로 참가한 이 앨범의 결과는 예상외로 좋아서 음악적으로 호평을 받았음은 물론 커다란 상업적 성공도 거두게 된다. 앨범 발표 후의 공연에서는 앨버트 킹(Albert King)까지 가세하여 Albert Collins와 함께 2명의 Albert와 같은 무대에 서기도 하였다.

92년 [After the Hours] 역시 좋은 반응을 얻었으며 이번엔 비비 킹(B.B. King)과 Albert King이란 2명의 Blues 'KING'이 참가해 주었다. 거장들이 동참해준 멋진 실황은 93년 [Blues Alive]로 발매되어 다시 감상할 수 있는 좋은 기회를 만들어 주었다.

90년대 중반 Gary Moore는 헌정 앨범에 참여하거나 과거의 거장들과 활동하는 등 약간 독특한 활동으로 Blues음악을 추구한다. 93년 폴 로저스(Paul Rodgers)가 주도한 무디 워터스(Muddy Waters) 헌정 앨범에 참여하기도 하였으며, 95년에는 오래 전 그가 음악을 시작하던 무렵 큰 도움을 준 Peter Green에 대한 헌정 앨범 [Blues for Greeny]를 스스로 만들어 바치기도 하였다. 94년에는 Cream의 옛 멤버들과 BBM을 결성, [Around the Next Dream]을 발표하였다. 95년 베스트 앨범인 [Ballads & Blues 1982-1994] 이후에 발표된 앨범으로는 역시 베스트 앨범인 [Out in the Fields : The Very Best of Gary Moore](98)와 [Collection](99)이 있으며, 정규 앨범으로는 [Dark Days in Paradise](97)와 [A Different Beat](99) 등이 있다. 여기서는 정통 Blues보다는 Pop, Hard Rock, Jazz 등의 다양한 요소를 다시 도입해보려는 시도가 엿보이지만 전성기만큼 주목을 받지는 못하고 있다.

[출처:음악창고, 글 / 박준택]

One of rock's most underrated guitarists (both from a technical and compositional point of view), Gary Moore remains relatively unknown in the U.S., while his solo work has brought him substantial acclaim and commercial success in most other parts of the world ? especially in Europe. Born on April 4, 1952, in Belfast, Ireland, Moore became interested in guitar during the '60s, upon discovering such blues-rock masters as Eric Clapton, Jimi Hendrix, and perhaps his biggest influence of all, Fleetwood Mac's Peter Green. After relocating to Dublin later in the decade, Moore joined a local rock group called Skid Row, which featured a young singer by the name of Phil Lynott, who would soon after leave the group to double up on bass and form Thin Lizzy. Skid Row persevered, however, eventually opening a show for Moore's heroes, Peter Green and Fleetwood Mac, and making such an impression on the veteran group that Green personally requested their manager help secure Skid Row a recording contract with CBS (in addition, Green sold Moore one　 of his most-used guitars, a maple 1959 Gibson Les Paul Standard, which would become Moore's primary instrument).

Skid Row would go on to issue several singles and albums (including 1970's Skid and 1971's 34 Hours), and although the group mounted a few tours of Europe and the U.S., it failed to obtain breakthrough commercial success, leading to Moore's exit from the group in 1972. Moore then formed his own outfit, the Gary Moore Band (along with members drummer Pearse Kelly and bassist John Curtis), for which the guitarist also served as vocalist. But after the trio's debut album, 1973's Grinding Stone, sunk without a trace, Moore hooked up one　 more with ex-bandmate Lynott in Thin Lizzy. Moore's initial tenure in Lizzy proved to be short-lived, however, as his fiery playing was featured on onl　y a handful of tracks. Moore then set his sights on studio work (appearing on Eddie Howell's 1975 release, Gramaphone Record), before joining up with a prog rock/fusion outfit, Colosseum II. But onc　e more, Moore's tenure in his latest outfit was fleeting; he appeared on onl　y three recordings (1976's Strange New Flesh, plus a pair in 1977, Electric Savage and War Dance), as Moore accepted an invitation by his old buddy Lynott to fill in for a Thin Lizzy U.S. tour, playing arenas opening for Queen.

Moore proved to be quite busy in 1978, as the guitarist appeared on three other artists' recordings Andrew Lloyd Webber's Variations, Rod Argent's Moving Home, and Gary Boyle's Electric Glide. The same year, Moore issued his second solo release (almost five years after his solo debut), Back on the Streets, which spawned a surprise Top Ten U.K. hit in May of 1979, the bluesy ballad "Parisienne Walkways," and featured vocal contributions by Lynott. Moore joined forces with his Lizzy mates onc　e more in 1979, appearing on arguably the finest studio album of their career, Black Rose, which proved to be a huge hit in the U.K. (for a fine example of Moore's exceptional guitar skills, check out the album's epic title track). But predictably, Moore ultimately exited the group onc　e more (this time right in the middle of a U.S. tour), as a rift had developed between Moore and Lynott. Undeterred, Moore lent some guitar work to drummer Cozy Powell's solo release, Over the Top, in addition to forming a new outfit, G Force, which would onl　y remain together for a lone self-titled release in 1980.

During the early '80s, Moore united with former ELP guitarist/bassist/singer Greg Lake, appearing on a pair of Lake solo releases (1981's self-titled release and 1983's Manoeuvres), in addition to guesting on another Cozy Powell solo release, Octopuss. But it was also during the '80s that Moore finally got serious with his solo career issuing such heavy metal-based works as 1982's Corridors of Power, 1983's Victims of the Future, 1984's Dirty Fingers and the in-concert set We Want Moore!, 1985's Run for Cover, 1987's Wild Frontier, plus 1989's After the War establishing a large following in Europe, despite remaining virtually unknown stateside. The decade wasn't all rosy for Moore, however although he was able to patch up his friendship with Phil Lynott (appearing with Lizzy for several tracks on Life/Live, and teaming with Lynott for a pair of tracks in 1985, "Military Man" and "Out in the Fields," the latter a U.K. hit), years of hard living finally caught up with Lynott, leading to his passing in January of 1986. Moore would subsequently dedicate "Wild Frontier" to Lynott, and honored Thin Lizzy's former frontman on the track "Blood of Emeralds" (from After the War).

Fed up with the pressure to pen hit singles and tired of his metallic musical direction, Moore returned to his blues roots for 1990's Still Got the Blues, the most renowned and best-selling release of his career, as the album featured such special guests as Albert Collins, Albert King, and George Harrison. Moore continued in his newly rediscovered blues style on such subsequent releases as 1992's After Hours and 1993's Blues Alive, before forming the short-lived supergroup BBM along with Cream's former rhythm section bassist Jack Bruce and drummer Ginger Baker which lasted for a single album, 1994's Around the Next Dream. Up next for Moore was a tribute album for Peter Green, 1995's Blues for Greeny, which saw him put his own personal stamp on 11 tracks either penned or performed at some point by Green. Moore experimented with different musical styles on his next two solo releases, 1997's Dark Days in Paradise and 1999's A Different Beat, before embracing the blues onc　e more on his first release of the 21st century, 2001's Back to the Blues.

Over the years, Gary Moore has been the subject of countless compilations, the best of the bunch being 1998's metal-oriented Collection and 2002's blues-based Best of the Blues, as well as Out in the Fields: The Very Best of Gary Moore, which was split 50/50 between his metal and blues excursions. Teaming with Skunk Anansie bassist Cass Lewis and Primal Fear drummer Darrin Mooney, Moore started work on much harder and alternative-influenced rock in the spring of 2002 and released the results as Scars. The powerful Live at Monsters of Rock from 2003 proudly declared "no overdubs used" while 2004's raw Power of the Blues featured nothing but the blues, as did 2006's Old New Ballads Blues on Eagle Records.

One of rock's most underrated guitarists (both from a technical and compositional point of view), Gary Moore remains relatively unknown in the U.S., while his solo work has brought him substantial acclaim and commercial success in most other parts of the world especially in Europe. Born on April 4, 1952, in Belfast, Ireland, Moore became interested in guitar during the '60s, upon discovering such blues-rock masters as Eric Clapton, Jimi Hendrix, and perhaps his biggest influence of all, Fleetwood Mac's Peter Green. After relocating to Dublin later in the decade, Moore joined a local rock group called Skid Row, which featured a young singer by the name of Phil Lynott, who would soon after leave the group to double up on bass and form Thin Lizzy. Skid Row persevered, however, eventually opening a show for Moore's heroes, Peter Green and Fleetwood Mac, and making such an impression on the veteran group that Green personally requested their manager help secure Skid Row a recording contract with CBS (in addition, Green sold Moore one　 of his most-used guitars, a maple 1959 Gibson Les Paul Standard, which would become Moore's primary instrument).

Skid Row would go on to issue several singles and albums (including 1970's Skid and 1971's 34 Hours), and although the group mounted a few tours of Europe and the U.S., it failed to obtain breakthrough commercial success, leading to Moore's exit from the group in 1972. Moore then formed his own outfit, the Gary Moore Band (along with members drummer Pearse Kelly and bassist John Curtis), for which the guitarist also served as vocalist. But after the trio's debut album, 1973's Grinding Stone, sunk without a trace, Moore hooked up onc　e more with ex-bandmate Lynott in Thin Lizzy. Moore's initial tenure in Lizzy proved to be short-lived, however, as his fiery playing was featured on onl　y a handful of tracks. Moore then set his sights on studio work (appearing on Eddie Howell's 1975 release, Gramaphone Record), before joining up with a prog rock/fusion outfit, Colosseum II. But onc　e more, Moore's tenure in his latest outfit was fleeting; he appeared on onl　y three recordings (1976's Strange New Flesh, plus a pair in 1977, Electric Savage and War Dance), as Moore accepted an invitation by his old buddy Lynott to fill in for a Thin Lizzy U.S. tour, playing arenas opening for Queen.

Moore proved to be quite busy in 1978, as the guitarist appeared on three other artists' recordings Andrew Lloyd Webber's Variations, Rod Argent's Moving Home, and Gary Boyle's Electric Glide. The same year, Moore issued his second solo release (almost five years after his solo debut), Back on the Streets, which spawned a surprise Top Ten U.K. hit in May of 1979, the bluesy ballad "Parisienne Walkways," and featured vocal contributions by Lynott. Moore joined forces with his Lizzy mates onc　e more in 1979, appearing on arguably the finest studio album of their career, Black Rose, which proved to be a huge hit in the U.K. (for a fine example of Moore's exceptional guitar skills, check out the album's epic title track). But predictably, Moore ultimately exited the group onc　e more (this time right in the middle of a U.S. tour), as a rift had developed between Moore and Lynott. Undeterred, Moore lent some guitar work to drummer Cozy Powell's solo release, Over the Top, in addition to forming a new outfit, G Force, which would onl　y remain together for a lone self-titled release in 1980.

During the early '80s, Moore united with former ELP guitarist/bassist/singer Greg Lake, appearing on a pair of Lake solo releases (1981's self-titled release and 1983's Manoeuvres), in addition to guesting on another Cozy Powell solo release, Octopuss. But it was also during the '80s that Moore finally got serious with his solo career issuing such heavy metal-based works as 1982's Corridors of Power, 1983's Victims of the Future, 1984's Dirty Fingers and the in-concert set We Want Moore!, 1985's Run for Cover, 1987's Wild Frontier, plus 1989's After the War establishing a large following in Europe, despite remaining virtually unknown stateside. The decade wasn't all rosy for Moore, however although he was able to patch up his friendship with Phil Lynott (appearing with Lizzy for several tracks on Life/Live, and teaming with Lynott for a pair of tracks in 1985, "Military Man" and "Out in the Fields," the latter a U.K. hit), years of hard living finally caught up with Lynott, leading to his passing in January of 1986. Moore would subsequently dedicate "Wild Frontier" to Lynott, and honored Thin Lizzy's former frontman on the track "Blood of Emeralds" (from After the War).

[Folk] 페어포트 컨벤션(Fairport Convention) - < Liege & Lief >

Sun, 14 Jun 2009 22:11:39 +0900

페어포트 컨벤션(Fairport Convention) < Liege & Lief >

“영국의 음악역사를 탐구하는 브리티시 포크의 걸작”

1960년대는 비틀스의 록 혁명 시대이자 밥 딜런의 포크 혁명기이기도 했다. 비틀스처럼 일렉트릭 밴드를 꾸리는 유행에 못지않게 전 세계의 젊은이들이 너도나도 밥 딜런처럼 통기타를 연주하며 시대를 이야기했을 정도로 포크 음악의 반향은 컸다. 영국도 밥 딜런의 영향 아래 놓였지만 지정학적 역사와 환경이 달랐기 때문에 '브리티시 포크(British Folk)'는 미국 포크와는 지향과 색깔에 있어서 차이를 드러낼 수밖에 없었다.

영국 포크의 정체성을 논할 때 반드시 거론되는 문제작이 바로 페어포트 컨벤션(Fairport Convention)의 1969년 < Liege & Lief > 앨범이다. 영국의 BBC라디오2 방송국은 이 앨범을 '역사상 가장 중요한 포크 레코드'로 선정했다. 그것을 과장이라고 여긴다 하더라도 '브리티시 포크의 역사적 걸작'이란 평가는 부인하기 어렵다. 만약 1960년대와 1970년대에 구체화된 영국 포크의 대표작 하나를 택하라면 이 앨범은 단연 영순위다. (오리지널 앨범에다가 당시 스튜디오에서 녹음한 다른 곡들과 BBC 세션을 묶어 디럭스 버전으로 선보이게 된 것은 개인적으로 감개무량 그 자체다)

지금의 젊은 세대가 들을 때는 감수성 차이로 금방 동화되기는 쉽지 않은 이 앨범이 커다란 역사적 위상을 차지하는 데는 두 가지 이유가 있다. 먼저 포크를 통기타 포크로 해석하는데 그치지 않고 당대의 트렌드인 일렉트릭 록과 섞어 독특한 포크 사운드를 들려주고 있기 때문이다. '포크 록'이야 밥 딜런의 전유물이기는 하지만 페어포트 컨벤션의 포크 록은 즉흥적이면서도 울림이 사색적이다.

또 하나 이유는 영국 음악역사와의 관련성이다. 두 번째 앨범인 < What We Did On Our Holidays >와 3집 < Unhalfbricking >을 내놓고 평단의 주목과 함께 승승장구하던 그룹은 뜻밖에 버밍햄에서 공연을 마치고 집에 돌아가는 중에 밴이 충돌하면서 드러머 마틴 램블과 드레스메이커가 사망하는 비극을 맞았다. 고통 속에 그들은 윈체스터 외곽에서 11마일 떨어진 햄프셔 다운스의 '팔리 챔버린'이란 외딴 곳에서 칩거하며 암중모색을 꾀했다.

이때 그룹의 베이스주자인 애슐리 허칭스(Ashley Hutchings)는 < Unhalfbricking >에서 민요 '선원의 생활(A sailor's life)'를 11분짜리로 해석한 이후로 가일층 영국의 전통과 음악사 탐색에 골똘하게 되었다. 이 무렵 그룹 멤버들은 창작 대신에 영국의 지나간 역사가 남겨놓은 민요를 현대화하기로, 그것에 집중하기로 마음먹었다. < Liege & Lief(충실하게 그리고 기꺼이) >의 'Come all ye', 'Farewell, farewell', 'Crazy man Michael' 등 3곡을 제외한 나머지 'Reynardine', 'Matty groves', 'Tam lin' 그리고 'The medley(the lark in the morning/ Rakish paddy/ Foxhunter's jig/ Toss the feathers) 등 다섯 곡은 전부 영국 전래의 민요들이다.

이 앨범이 지금도 영국인들 뇌리에 깊이 박혀있는 것은 이처럼 아름다운 음악과 하모니로 재현된 자신들 영국의 역사를 접하는 각별함이 작용하기 때문이다. 미국의 우디 거스리와 답 딜런의 초기 민요채집과 맥을 같이하는 것이지만 한창 세계적인 록 바람으로 앞서 가기에 분주하기만 하던 시대에 시계추를 되돌린다는 것은 참신했고 동시에 깊은 맛을 제공했다. (우리에게는 생경한 영국의 음악전통을 알리기 위해 앨범의 속지는 역사의 중요한 편린들을 소개하고 있다)

깊은 샘에서 길어 올린 물처럼 순수하고 정제된 맛은 이 앨범의 생명이다. 영국의 역사는 굴절 그 자체로 즐거운 동시에 아련한 속성을 지니고 있기에 과거 행(行)은 '희로애락'이라는 인간 정서를 새기는 작업이기도 하다. 앨범을 관통하는 미학은 'Matty groves', 'The medley', 'Tam lin'과 같은 토속적이나 상대적으로 빠른 울림 그리고 'Reynardine'에서 나타나는 처연함이다. 어쩌면 이 처연함이야말로 당대의 앨범 청취자를 붙잡은 힘일지도 모른다. 창작곡인 'Farewell, farewell'과 'Crazy man michael'에서 그 구슬픈 애상 조(調)는 정점에 도달한다. 이 두 곡은 앨범의 베스트 트랙들이기도 하다.

페어포트 컨벤션은 비록 초창기의 라인업이 빠르게 해체되었지만 이후 각 멤버들이 브리티시 포크의 총아들로 빛나는 각개약진을 함으로써 더욱 유명해졌다. 음악감독이자 나중 아내 린다 톰슨과 함께 일련의 수작을 만들어낸 리처드 톰슨(Richard Thompson)이 이 그룹 출신이라는 것 하나만으로도 이미 거대하다. 베이스를 친 정신적 리더이자 이후 그룹 스틸리 스팬(Steeleye Span)을 만든 애슐리 허칭스와 기타를 연주한 사이먼 니콜(Simon Nicol)도 빼놓을 수 없다. 3집 때 세션이었다가 정식 멤버가 된 데이브 스와브릭(Dave Swarbrick)은 고감도 바이올린과 비올라 연주로 이 앨범의 사운드와 느낌을 결정했다.

하지만 그 누구보다도 노래하는 샌디 데니(Sandy Denny)를 기억해야 한다. 투명하면서도 처연한 음색으로 어떤 곡을 들어도 즉시 그녀의 것임을 알게 하는 샌디 데니는 영국 포크 아니 전체 포크 음악을 대표하는 여성 보컬로 남아 있다. 직접 곡을 쓰고 부른 < What We Did On Our Holidays >의 'Fotheringay'와 < Unhalfbricking >의 'Who knows where time goes?'-이제는 '클래식 엘레지'로 불리는 곡들이다-에 이어 < Liege & Lief >에서도 샌디 데니는 'Reynardine'과 'Farewell, farewell'로 다시 한 번 진가를 유감없이 발휘한다. 1947년생인 그녀는 서른 한 살인 1978년에 사망했다.

상기한 앨범 3장, 페어포트 컨벤션의 마스터피스이자 브리티시 포크의 명작들인 3장의 앨범은 모두 1969년 한해에 출시되었다. 멤버들의 뜨거운 열정을 알 수 있는 대목. 애슐리 허칭스는 지금도 그 때, 팔리 챔버린 집에서 모여 마냥 즐겁게 연주하던 시절을 떠올리면 마음이 뜨거워진다고 술회한다. “집안을 소란 일색이었다. 날마다 깨는 즉시 연주에 매진했다. 멤버들 누구나 중요한 역할이었고 그것은 너무나 매혹적이었다. 그런 새로운 방식으로 오래된 곡에 도전하는 것은 아마도 처음 있는 일이었을 것이다.” 그런 열정이 명작을 잉태했다. 명작의 공통분모는 아티스트의 무모한 실험, 한없이 흘리는 피와 땀이다. 페어포트 컨벤션의 걸작 < Liege & Lief >는 우리에게 다시금 아티스트와 앨범의 기본을 일깨운다.

Fareport Convention - Fotheringay

Fareport Convention - Farewell, Farewell

[참 조] ▒ ▒ ▒ Fareport Convention - Biography ▒ ▒ ▒

The best British folk-rock band of the late '60s, Fairport Convention did more than any other act to develop a truly British variation on the folk-rock prototype by drawing upon traditional material and styles indigenous to the British Isles. While the revved-up renditions of traditional British folk tunes drew the most critical attention, the group members were also (at least at the outset) talented songwriters as well as interpreters. They were comfortable with conventional harmony-based folk-rock as well as tunes that drew upon more explicitly traditional sources, and boasted some of the best singers and instrumentalists of the day. A revolving door of personnel changes, however, saw the exit of their most distinguished talents, and basically changed the band into a living museum piece after the early '70s, albeit an enjoyable one　　　 with integrity.

When Fairport formed around 1967, their goal was not to revive British folk numbers, but to play harmony- and guitar-based folk-rock in a style strongly influenced by Californian groups of the day (especially the Byrds). The lineup that recorded their self-titled debut album in 1968 featured Richard Thompson, Ian Matthews, and Simon Nicol on guitars; Ashley Hutchings on bass; Judy Dyble on vocals; and Martin Lamble on drums. Most of the members sang, though Matthews and Dyble were the strongest vocalists in this early incarnation; all of their early work, in fact, was characterized by blends of male and female vocals, influenced by such American acts as the Mamas & the Papas and Ian & Sylvia. While their first album was derivative, it had some fine material, and the band was already showing a knack for eclecticism, excavating overlooked songs by Joni Mitchell (then virtually unknown) and Emitt Rhodes.

Fairport Convention didn't reach their peak until Dyble was replaced after the first album in 1968 by Sandy Denny, who had previously recorded both as a solo act and with the Strawbs. Denny's penetrating, resonant style qualified her as the best British folk-rock singer of all time, and provided Fairport with the best vocalist they would ever have. What We Did on Our Holidays (1969) and Unhalfbricking (1969) are their best albums, mixing strong originals, excellent covers of contemporary folk-rock songs by the likes of Mitchell and Dylan, and imaginative revivals of traditional folk songs that mixed electric and acoustic instruments with a beguiling ease.

Matthews had left the band in early 1969, and Lamble (still in his teens) died in an accident involving the group's equipment van in mid-1969. That forced Fairport to regroup, replacing Lamble with Dave Mattacks, and adding Dave Swarbrick on fiddle. Their repertoire, too, became much more traditional in focus, and electrified traditional folk numbers would dominate their next album, Liege and Lief (1969). Here critical thought diverges; some insist that this is unequivocally their peak, marking a final escape from their '60s folk-rock influences into a much more original style. This school of thought severely underestimates their songwriting talents, and others feel that they were at their best when mixing original and outside material, and contemporary and traditional styles, in fact becoming more predictable and derivative when they opted to concentrate on British folk chestnuts.

The Liege and Lief lineup didn't last long; by the end of the '60s, Ashley Hutchings had left to join Steeleye Span, replaced by Dave Pegg. More crucially, Denny was also gone, helping to form Fotheringay. Thompson was still on board for Full House (1970), but by the beginning of 1971 he too had departed, leaving Nicol as the onl　　　y original member.

Fairport have kept going, on and off (mostly on), for the last 25 years, touring and performing frequently. It may be too harsh to dismiss all of their post-Thompson records out of hand; Angel Delight (1971), the first recorded without the guitarist on board, was actually their highest-charting LP in the U.K., reaching the Top Ten. Nicol's exit in late 1971 erased all vestiges of connections to their salad days. Fairport was now not so much a continuous entity as a concept, carried on by musicians dedicated to the electrified British folk style that had been mapped out on Liege and Lief.

So it continues to this day, supported by a devoted fan base (Dirty Linen, the top American roots music magazine, originally began as a Fairport Convention fanzine). Denny would actually return to the group for about a year and a half in the 1970s, prior to her death in 1978; Nicol rejoined in 1976. Keeping track of Fairport's multitudinous lineup changes is a daunting task, and the group has coexisted on an erratic basis with the various other projects of the most frequent members (Nicol, Mattacks, and Pegg, the last of whom has played with Jethro Tull since the late '70s). They played annual reunion concerts during the 1980s and '90s (sometimes joined on-stage by Fairport alumni like Thompson), events that turned into some of the most popular folk festivals in Europe. They've also released some albums of new material intermittently throughout the last couple of decades, mostly pleasant, unexceptional traditional-oriented outings that appeal primarily to diehards.

The most distinguished graduates of Fairport, however, have continued to shape the British folk and folk-rock scene with notable solo and group projects. Richard Thompson is one　　　 of the most critically acclaimed singer/songwriters in the world; Ian Matthews made some interesting recordings as a solo act and with Plainsong and Matthews Southern Comfort; Denny sang with Fotheringay and released several solo albums before her death; and Hutchings carried on the most traditional face of British folk-rock with Steeleye Span, the Albion Band, and the Etchingham Steam Band.

Fareport Convention - Mr Lacey

[Rock] Super Band - Blind Faith

Mon, 08 Jun 2009 11:28:45 +0900

"Super Cream"으로 불리웠던 그룹 : 블라인드 페이쓰 (Blind Faith)

'수퍼 크림'이라는 별칭이 붙었던 그룹입니다.
최고의 락밴드인 크림(Cream)의 해체에 아쉬워 하던 팬들에게 에릭 클랩튼과 진져 베이커, 여기에 그룹 트래픽(Traffic)을 통해 천재 뮤지션의 평판을 얻고 있던 건반주자 겸 보컬리스트 스티브 윈우드가 합친다는 소식은 그 자체만으로도 많은 상상을 불러 일으킨 이벤트였습니다. 비유하자면 메틀리카의 라스 율리히와 제임스 햇필드가 스티브 바이(또는 죠 새트리아니), 빌리 쉬핸과 팀을 만든 것 정도가 될까요? 그 정도로 센세이셔널한 사건이었습니다.

트래픽 활동을 통해서 리듬앤블루스 보컬을 특유의 바이브레이션 없는 매끈한 창법으로 훌륭하게 소화해냈던 스티브 윈우드의 보컬과 건반이 당대 최고의 뮤지션이랄 수 있는 에릭 클랩튼과 진져 베이커의 연주 위에서 어떻게 조화될 것인지 많은 기대를 모았던 밴드입니다.

비행기 모형을 들고 있는 소녀의 누드를 앨범 커버로 채택해서 논란이 되기도 했던 셀프 타이틀 앨범 "Blind Faith"는 대가들이 모여서 만든 앨범답게 제작 기간이 길지 않았음에도 독창적인 컬러를 갖고 있으면서도 매력적인 곡들이 많이 담겨 있는데요. "Sea of joy"나 "Can't find my way home" 같은 곡은 40여년이 지난 지금도 많은 인기를 모으고 있는 명곡이죠. 특히 "Sea of joy"는 크림풍의 도입부로 시작해서 스티브 윈우드의 해먼드 올갠과 팽팽한 보컬이 진져 베이커의 기교적인 드럼과 잘 어울린 곡으로, 에릭 클랩튼의 아르페지오 위에 얹힌 중반부의 아름다운 바이얼린 솔로는 트래픽의 포크적 정취와 크림의 락적인 면모가 최상의 조화를 이루고 있는 느낌을 줍니다.

Blind Faith - Sea Of Joy

이 앨범을 비롯해서 크림의 앨범을 들을 때마다 드는 생각은 에릭 클랩튼이라는 뮤지션이 정말 대단하다는 건데요. 요즘에는 거의 팝 스타라고 할 수 있을 정도로 편안한 모습으로 듣기 편한 노래를 부르고 있습니다만 60년대 말이나 70년대 연주는 블루스에서 하드락까지 정말 종횡무진 화려한 연주를 들려주고 있습니다. 크림 시절의 와와를 가미한 공격적 솔로나 블라인드 페이쓰 시절의 감각적인 백킹은 스티브 레이 본을 강하게 의식했던 블루스 기타리스트 에릭 클랩튼이나 언플러그드 라이브를 하는 최근의 이미지와 너무나 다르죠.

똑같이 야드버즈를 거쳤던 지미 페이지나 제프 벡과는 또 다른 면에서 에릭 클랩튼은 대단히 다채로운 컬러를 갖고 있습니다. 단순히 블루스 기타리스트로 규정할 수 없는 풍부한 감각과 연주력을 가진 뮤지션입니다. 로져 워터스의 솔로 데뷔 앨범 "The pros and cons of hitchhiking"에서의 펜더 스트래토캐스터의 느낌을 잘 살린 블루스 풍 연주와 크림 시절의 "White room"에서 들려 준 리프 및 격정적인 솔로 사이의 차이는 정말 작지 않습니다.

스티브 윈우드는 80년대에 "Higher love", "Back in the high life again" 등으로 싱글 챠트를 석권하기도 했습니다. 60년대부터 활동했던 락/재즈/블루스 뮤지션이 20-30년이 지나서도 싱글 챠트 1위곡을 내놓을 수 있는 풍토, 그런게 있기 때문에 영, 미 쪽이 대중음악을 계속 선도해 나가고 있지 않나 생각됩니다.

Blind Faith - Can't Find My Way Home

[Rock/Blues] 게리무어 (Gary Moore)

Sun, 07 Jun 2009 12:31:31 +0900

기타리스트 이야기 : 게리 무어 (Gary Moore)

게리 무어(Gary Moore)와 필 라이넛(Phil Lynott)이 함께 연주한 "Parisienne walkways" 라이브를 보았습니다. 정말 너무 잘 친다는 생각밖에 안 들더군요.

게리 무어는 일본이나 유럽, 우리 나라에서는 큰 인기를 모았지만 미국 쪽에서는 별로 큰 관심을 받지 못 한 뮤지션입니다. 연주 실력으로는 누구와 견주어도 손색이 없는 기타리스트인데 곡을 들어 보면 미국풍은 확실히 아니죠.

게리 무어는 10대 때부터 밴드를 했었고 블루스에서 락, 하드락, 재즈락 등 다양한 쟝르에 걸쳐서 좋은 연주를 참 많이 들려 주었습니다. "My love"나 "Warrior" 같은 아름다운 명곡으로 우리 나라에서도 인기를 모은 영국 밴드 "Lucifer's friend" 출신의 보컬리스트 마이클 스타즈와 하드락계의 대표적인 건반주자 돈 에어리 등과 함께 "Colosseum II"를 결성해서 재즈와 블루스, 락이 절묘하게 혼합된 좋은 연주를 들려 주기도 했고, 파워 드럼의 대명사 코지파웰(Cozy Powell)의 솔로 앨범 "Over the top"이나 "Octopuss", "tilt"에도 기타리스트로 참여해서 게리 무어가 결코 단순한 블루스 기반의 기타리스트가 아님을 확실하게 보여주기도 했습니다. 코지 파웰 솔로 앨범에서의 게리 무어의 연주야 말로 그의 쟝르를 넘나드는 뛰어난 감각과 화려한 테크닉의 결정판인 것 같습니다. 게리 무어는 그 외에도 여러 장의 솔로 앨범을 내며 "Empty rooms"나 "Shape of things" 같은 힛 싱글을 만들어 내기도 했습니다.

아마츄어 락 밴드라면 누구나 한 번 쯤 연주해 보았을 정도로 많은 인기를 모은 "Parisienne Walkways"는 씬 리지 결성 이전부터 게리 무어를 이끌어 주고 교류하던 베이씨스트 겸 보컬리스트 필 라이넛의 매력적인 읊조리는 보컬과 베이스가 게리 무어의 격정적인 연주와 잘 어울린 곡입니다. 이번에 라이브 무비를 보면서 새삼스럽게 게리 무어의 가공할 만한(?) 연주력에 대해 대단하다는 생각을 했습니다.

게리 무어는 무대 위에서 열정적인 액션을 취하면서 연주하기 때문에 마구 치는 것 같지만, 그 와중에 소절마다 볼륨을 조절해 가며 섬세하게 싸운드를 맞춰갈 정도로 테크니컬한 측면이 강한 연주자입니다. 그는 독특한 기타 톤으로도 특기할 만한데요. 게리 무어의 그 독특한 톤은 정말 많은 이펙터의 조합이라고 하죠. 게리 무어하면 땀 뻘뻘 흘리며 무대에서 현장감 있게 연주하는 것이 먼저 떠오르지만 제 생각에는 굉장히 정교하게 소리를 만들고 연주하는 쪽인 것 같습니다.

게리 무어의 곡 중 가장 좋아하는 것은 코지 파월과 함게 연주한 "Sunset"입니다.

Gary Moore & Cozy Powell - Sunset

Gary Moore - Parisienne Walkways

이명헌 [ 2004/9/11,17:42 ]

"Sunset" 도입부의 기타 톤은 맑게 부서지는 일몰의 햇살 같은 느낌을 줍니다. 특기 플레이인 6연음을 활용해서 분위기를 상승시켜 나가는 후반부도 좋고, 주제부 멜로디도 오직 게리 무어만이 만들어 낼 수 있을 것 같은데요. 블루스에 기반한 기타리스트이면서 재즈적 텐션과 락적인 격렬함을 동시에 갖고 있기 때문에 그런 선율을 만들어 낼 수 있는 것 같습니다. 제가 코지 파웰 앨범에서의 게리 무어 연주를 특히 더 좋아하는 것도 게리 무어만의 그 독특한 느낌이 가장 잘 살아 있는 음악이라고 생각하기 때문입니다.

미국에서 인기를 끌지 못 한 것에 대해서... 아무래도 선율에 동양적인 느낌이 좀 있어서가 아닐까 싶네요. 일본과 우리 나라에서 게리 무어가 큰 인기를 모은 것도 그런 면이 작용한 것 같구요. 역시 아일랜드 출신 뮤지션이라는게 영향을 미쳤겠죠. 아일랜드는 유럽에 있으면서도 웬지 동양적인 정취가 있는 것 같아요. 그런데 같은 아일랜드 출신인 U2는 어떻게 미국 시장에서도 먹혀 들었는가라는 생각을 해 볼 수 있는데.... U2 얘기를 잠시 해보자면... U2가 미국 시장에서 본격적으로 이름을 알리게 된 게 [Joshua Tree] 앨범입니다만, 제 느낌으로는 그 앨범 역시 미국적인 싸운드와는 꽤 거리가 있는 것 아닌가 생각합니다. 그 앨범 이후 브라이언 에노의 영향력이 커진 '야시시'한 U2 앨범은[ Joshua Tree] 당시의 직선적이고 건조한 느낌과는 사뭇 다르고 어떻게 들어보면 무척이나 팝적이죠. 그 앨범들 때문에 U2의 종래 이미지가 많이 희석되긴 했는데, 아무리 그래도 U2라 하면 분노에 찬 메마른 보컬과 왜곡없는 단순한 기타리듬의 반복, 무덤덤한 8비트 베이스, 저항적 느낌, 이런 거라 생각합니다. 최근의 U2 음반은 U2 멤버가 연주하는 락시뮤직에 더 가까운 것 같고, 노동 현장이나 탄광촌을 생각나게 하던 초중기 음반과 달리 네온사인 불빛과 몽롱함이 어우러진 도회적인 느낌입니다. 담백한 음악에서 버터가 발린 것으로 바뀐 거라 할까요? 어쨌든 '미국적'인 느낌이 많이 강해진 음반들이죠. '미국적' 느낌이란 뭐냐고 한다면, Scorpions의 곡 중에 "Rock you like a hurricane"을 생각해 보면 될 것 같습니다. 스콜피온스의 많은 곡 중에 유독 그 곡이 미국 시장에서 제일 크게 성공했고 또 오랫동안 계속 리퀘스트되고 있는 것도 그런 겁니다.

다시 게리 무어로 돌아와서. 코지 파웰 솔로 앨범에서 보여준 [재즈+락+블루스]의 절묘한 균형이 느껴지는 연주와 함께 자주 듣게 되는 연주는 "Wild Frontier" 앨범의 "Johnny Boy"와 "The Loner"입니다. "The Loner"는 코지 파웰 솔로 앨범에서 선보인 곡으로 락적인 느낌을 조금 줄여서 다시 편곡한 것입니다. "Johnny Boy"는 아일랜드 민요풍의 포근한 멜로디가 좋은 곡인데 도입부의 현악기가 무슨 악기인지 모르겠습니다만 아일랜드 전통악기인 것 같구요. 이 곡을 들어 보면 아일랜드적 정서가 역시 우리와 무척 가깝구나라는 생각을 하게 됩니다.

"Johnny Boy" 가사를 잠깐...

When I hear that wind blow,
all across the Wicklow mountains.
Is it you I hear a calling?
Johnny boy, oh Johnny boy.

When I look to the west,
out across the River Shannon.
I can still see you smiling.
Johnny boy, oh Johnny boy.

When the leaves have turned to brown
and winter's due.
As I watch the sun go down,
I'll think of you.

When I hear that wind blow,
all across the Wicklow mountains.
Sure it's you, I'll hear a calling.
Johnny boy, oh Johnny boy.

Gary Moore - Johnny Boy

Gary Moore - The Loner

Gary Moore - The Prophet

"Wild Frontier" 앨범을 비롯한 다른 앨범에서의 일반적인 록 넘버는 게리 무어의 컬러를 제대로 살려 내지 못 한 평이한 곡들인 것 같습니다.

[Rock] Led Zeppelin 이야기 ③ : 죤 본햄 (John Bonham)

Thu, 04 Jun 2009 08:11:52 +0900

Led Zeppelin 이야기 ③ : 죤 본햄 (John Bonham)

보컬리스트에 있어서 음색의 중요성은 아무리 강조해도 지나치지 않습니다. 좋은 음색을 갖고 있는 것은 커다란 특혜입니다. 특별한 기교가 없어도 또 탁월한 음감이 없더라도 오로지 좋은 음색 하나만 있으면 그 즉시 존재감 있는 보컬리스트의 반열에 올라설 수 있습니다. 가수 양희은을 생각해 보세요.

사람마다 음성이 조금씩이나마 차이가 있는데도 불구하고 듣는 즉시 확 드러나는 개성적인 음색을 갖고 있는 보컬리스트가 그다지 많지는 않다는 점은 자신만의 목소리를 갖는 과정이 얼마나 험난한가를 잘 드러내 줍니다. 음성이 그러한데 하물며 소리의 차이가 거의 없는 '북'은 어떨까요? 드럼에서 존재감 있는 자신만의 소리를 갖고 있다는 것은 정말 대단한 것입니다. 프레이즈의 독창성을 얘기하는 것이 아닙니다. 문자그대로 북소리, 즉, 터치의 다름을 얘기하는 것입니다.

자신만의 '드럼 목소리'를 가진 드문 드러머로, 하드락쪽에는 죤 본햄이 있습니다. 그외에도 크림의 진져 베이커, 사망한 코지 파월, 딥 퍼플의 이안 페이스, 메탈리카의 라스 울리히 정도가 생각납니다. 죤 본햄은 분명한 자기만의 드럼 소리를 갖고 있었습니다. 그는 드럼을 느슨하게 튜닝해서 울림이 깊으면서도 무거운 싸운드를 만들어 냈습니다. 셋팅은 단순했습니다. 기본적인 스네어 드럼과 베이스 드럼, 그리고 심벌 외에 탐탐 하나와 2개의 플로어 탐뿐이었습니다.

죤 본햄은 단순히 소리만 탁월했던 게 아닙니다. 프레이즈의 독창성도 월등했습니다. 놀라운 프레이즈가 존재감 큰 소리에 실려나왔다는 것이 굉장한 것입니다. 이런 말 할 필요도 없지만 죤 본햄은 정말 기본이 충실한 드러머였습니다. 기본적인 4 연음을 쳐도 확실히 '살아 튀는' 느낌을 줍니다. 탁탁 튀는 다이내믹한 느낌을 주면서도 소리에 무게가 있었습니다. (혹자는 그의 큰 몸집 때문에 소리가 묵중하다고도 합니다만) 죤 본햄의 드럼은 드럼의 목소리라고 할 수 있을 스네어 드럼 소리부터 무척 깊습니다. 무거우면서도 둔하지는 않은 깊은 소리입니다. 하이햇 심벌 소리마저 확실히 다릅니다. "Stairway to heaven"을 들어보면 평범한 8 비트 리듬이 어떻게 이렇게 다른 소리로 들릴 수 있는지 신비롭습니다. 하이햇을 강약 강약(down-up down-up)으로 짚어가면서 묵중하게 8비트를 만들어 냅니다. Paiste 심벌 특유의 울림인지는 모르겠습니다. 라이드 심벌 역시 깊다는 표현 외에 달리 표현할 길이 없습니다. 죤 본햄의 크래쉬 심벌 소리는 우리 나라의 '종소리'를 연상케 합니다.

죤 본햄 싸운드는 깊으면서도 둔하지 않다는 점과 팽팽하다는 점으로 특징지워 질 수 있습니다. 죤 본햄의 싸운드가 팽팽한 것은 하이햇 심벌 소리를 길게 끌어갈 수 있는 데서 비롯됩니다. (오픈한다는 얘기와 다른겁니다) 같은 8 비트라도 긴장감이 있습니다. 비트 뒷부분이 강한 하이햇 심벌 싸운드와 살아 뛰는 듯한 스네어 드럼. 이렇게 드럼으로 긴장감을 조성할 수 있는 드러머는 죤 본햄이 유일합니다. 잘 치는 드러머나 뛰어난 드러머는 여럿 지목할 수 있겠지만 긴장감을 주는 팽팽한 드럼은 오직 죤 본햄뿐입니다.

"Stairway to heaven"의 경우 드럼이 등장한 뒤부터 드럼이 싸운드 전체를 팽팽한 줄로 묶어서 끄는 듯한 느낌입니다. 천둥 같은 머쉰건 타법이야 익히 알려진 대로입니다. 10집 "Coda" 앨범의 "Bonzo's montreux"를 들어 보면 죤 본햄 특유의 무너뜨리는듯 엄습하는 4연음과 6연음을 들어볼 수 있습니다. 이 정도 파워를 느끼게 해 주는 드러머는 카마인 어피스 정도뿐입니다.

로버트 플랜트의 바이브레이션을 배제한, 꽉 조이는 느낌의 보컬과 지미 페이지의 긴장감을 느끼게 하는 코드 진행, 여기에 죤 본햄의 팽팽한 드럼이 섞이면서 레드 제플린은 전무후무한 긴장감 어린 싸운드를 창조해 냅니다. 요란한 밴드도 많고 힘에 넘치는 밴드도 많습니다. 하지만 곡에서 팽팽한 긴장감을 느끼게 하는 밴드는 오직 레드 제플린과 에어로스미쓰뿐이라고 감히 단언합니다. 펍 대디와 지미페이지가 근자에 다시 리메이크 했던 곡, "Kashmir" 같은 긴장감 어린 곡을 만들고 연주해 낼 밴드가 다시 나올 수 있을까요?

우아한 비틀즈가 있었다면, 팽팽한 레드 제플린이 있었습니다. 이것은 깨뜨리기 힘든 색깔입니다.

Coda - Bonzo's Montreux

Houses of the holy

5집 "Houses of the holy"는 야한 재킷으로 유명한 앨범입니다. 벌거벗은 여자들이 바위산을 기어 올라가는 그림이 이채로운 앨범입니다. 이 앨범을 좋아하는 분이 많습니다. 곡이 무척 정돈된 느낌이어서인 것 같습니다. 현장감보다는 잘 포장된 완성품을 대하는 느낌입니다. 예쓰의 "Fragile"같은 느낌입니다. 첫곡 "The song remains the same"은 레드 제플린이 아니면 절대 만들어 낼 수 없는 명곡입니다. 컨츄리 음악의 느낌을 자아내는 지미 페이지 특유의 코드 진행과 리듬 커팅, 절정의 기교를 보여주는 로버트 플랜트의 보컬, 무게있는 죤 본햄의 드럼이 어우러진 가히 명곡 중 명곡입니다.

뒤이어 나오는 "The rain song"은 잔잔한 어쿠스틱 기타 리듬 위에 얹힌 지미페이지 특유의 '얇은' 레스폴 싸운드가 살아있는 곡으로, 곡 중반부의 멜로트론 싸운드는 바햐흐로 프로그래시브락마저 잠식해 들어가는 듯 합니다. 어쩌면 이렇게 기타 싸운드가 예쁘면서도 '폭'이 있는지 모르겠습니다. 죤 폴 죤스의 멜로트론 싸운드와 스트링 싸운드도 여간 감동적인 것이 아닙니다.

다음 곡 "Over the hills and far away"에서도 지미페이지 장기 플레이 중 하나인 재밌는 어쿠스틱 기타 리프가 여러 겹으로 오버 더빙된 것을 즐길 수 있습니다. 리프의 독특함에 비해 보컬 멜로디는 상대적으로 평범한 것 아닌가 생각합니다. "The crunge"는 기이한 절분 감각으로 박자를 헷깔리게 만드는 곡입니다. "Dancing days"는 싸이키델릭한 코드 진행이 독특합니다. "D'yer Mak'er"는 놀랍게도 레개 리듬의 곡입니다. 제플린과 레개? "No quarter"는 프로그래시브 락으로 일컬어야 할 정도로 실험적이면서 몽환적인 곡입니다. 보컬에도 이펙트를 걸어서 그런 효과를 더욱 가중시켜 놓았습니다. 여전히 본죠의 드럼은 '타이트' 그 자체입니다. 싸운드가 규모 있게 레코딩되었다는 점만 제외하면 우리 나라 밴드 마그마의 음악을 연상시키기도 합니다. 다종다양한 싸운드 이펙트와 죤 폴 죤스의 건반 연주도 좋습니다.

Houses Of The Holy - The Song Remains The Same

Presence

프레즌스 앨범에서는 역시 첫 곡 "Achilles last stand"가 많은 사랑을 받았습니다. '쟝자가 쟝자가' 리듬이 재밌는 곡입니다. 아이언 메이든이 생각나는 곡입니다. 프레즌스 앨범은 아무래도 죤 본햄의 앨범이 아닐까 할 정도로 드럼이 튀는 앨범입니다. "For your life" , "Royal Orleans"에서 들어볼 수 있는 리듬 만들기 천재 본죠의 감각은 "Nobody's fault but mine"에서 완결편을 보는 듯합니다. "Nobody's fault but mine"은 몇 년전에 나왔던 로버트 플랜트와 지미페이지의 MTV 언플러그드 앨범에서 잔잔한 블루스로 확 바뀌었던 곡이기도 합니다.

마지막 곡 "Tea for one　　"은 "Moby Dick"을 연상시키는 인트로로 시작해서 갑자기 블루스로 바뀌는 것이 독특합니다. 이 곡과 데뷔 앨범의 "I can't quit you babe", 3 집의 "Since I've been loving you", 그리고 9 집의 "I'm gonna crawl"이 제플린 블루스 싸운드의 대표작들입니다. 극적이기는 "Since I've been loving you"가 최고지만, 처절하기로는 "I'm gonna crawl" 쪽이고, "Tea for one　　"은 본죠의 라이드 심벌이 청아하게 울리는 평이한 곡입니다.

Presence - Nobody's Fault But Mine

Presence - Tea For One　　

Physical Graffiti

"Physical Graffiti" 앨범이야말로 제플린 앨범 중 최고의 수작이라는 얘길하는 사람이 많습니다. 저도 상당히 동감합니다. 제플린 유일의 스투디오 더블 앨범입니다. 그리고 디스크 1과 디스크 2는 분위기가 많이 다릅니다. "Custard Pie"의 경쾌한 리프로 시작하는 디스크 1은 전반적으로 '거침'을 강조하고 있습니다. "Custand Pie"는 제플린 해산 후 로버트 플랜트의 솔로 앨범 투어 중에도 간간히 들어볼 수도 있었던 곡으로 왜 단순한 리프가 더 강렬한지 느끼게 합니다. 동시대 블랙 쌔버쓰 음악에서 들어 볼 수 있었던 무거운 리프와 달리, 코드음 전체를 두루 활용한 다채로운 느낌의 하드락 리프를 들어 볼 수 있습니다. 죤 본햄의 드럼은 쉬고 있을 때도 진행되고 있는 것 같은 느낌을 줍니다. 같은 리듬도 훨씬 더 다이내믹하게 들립니다. 아무리 악보대로 연주해 봐야 카피가 안 된다는 것은 그런 그루브를 만들어 내는 것이 힘들기 때문입니다.

뒤이어 죤 본햄의 드럼 솔로로 시작되는 독특한 단음 리프의 "The rover"에서는 로버트 플랜트의 보컬을 귀담아 들어보세요. 이 곡에서의 로버트 플랜트 목소리와 "The song remains the same", "Thank you"에서의 목소리를 비교해보세요. 각기 전혀 다른 음색입니다. 로버트 플랜트는 곡에 가장 잘 어울리는 보컬을 들려주는 것을 너머 음색마저 바꿔 가며 불러 냅니다. 그 다음 곡, "In my time of dying"은 죽음을 묘사한 곡입니다. 슬라이드 기타를 통한 몽환적 분위기 조성에 나선 지미 페이지의 연주를 천둥 같은 죤 본햄의 드럼이 받쳐 줍니다. 이 곡에서는 죤 본햄이 만든 독특한 리듬 패턴에 주목하세요. 죽음에 점점 더 임박하는 것을 묘사하는 곡 후반부에 본죠가 터뜨리는 더블 베이스 연타와 복잡한 리듬은 죤 본햄 없는 레드 제플린이 왜 불가능한지를 웅변하고 있습니다.

Physical Graffiti - In My Time Of Dying

뒤이어 나오는 "Houses of the holy"는 친숙한 멜로디와 쉬운 구성으로 적쟎은 인기를 모았습니다. 마지막 곡 "Kashmir"는 "Stairway to heaven", "Rock 'n' Roll", "Black dog"등과 함께 레드제플린의 대표곡으로 꼽힙니다. 팀 해체 후에 멤버 생일이라든지 기념일 등을 계기로 모일 때마다 꼭 연주하곤 합니다. "Kashmir"는 모로코 풍의 멜로디도 신비롭지만 베이씨스트 죤 폴 존스의 멜로트론 연주가 압권인 곡입니다. 몇 년 전에 펍 대디가 리메이크 하기도 했습니다. 고질라 싸운드 트랙, "Come with me".

Physical Graffiti - Kashmir

디스크 2 는, 디스크 1의 거침과 대비되는 재미와 감동이 섞인 앨범입니다.

첫 곡 "In the light"에서는 장엄함과 함께 레드 제플린의 곡 구성력을 느껴보세요. 파트 별로 각자 자신의 정돈된 멜로디를 만들어내고 있는데 (일종의 패턴입니다.) 이것이 정말 훌륭합니다. 그리고 몇 번만 듣고나도 하루 종일 멜로디가 머리 속에 떠오를 정도로 보컬 멜로디 라인이 강한 흡인력을 갖고 있습니다. 로버트 플랜트의 보컬 멜로디 라인 만들기의 뛰어남이 잘 드러난 곡 중 하나입니다. 두 번째 곡"Down by the seaside"는 파도 같은 샤플 리듬을 타고 지미 페이지의 잔뜩 에코를 먹인 기타가 윈드서핑하듯 휘젓는 곡입니다. 멜로디의 친숙함 때문에 많은 사랑을 받았던 곡입니다. "Night Flight"같은 곡도 로버트 플랜트가 얼마나 멜로디를 잘 만들어 내는지를 알 수 있습니다. "Black country woman"은 장난기어린 보컬과 하모니카, 죤 본햄의 묵중한 드럼을 느껴볼 수 있습니다.

Physical Graffiti - In The Light

In through the outdoor

9집 "In through the out door" 앨범은 로버트 플랜트가 아들을 잃고 난 뒤 불거졌던 해체설을 잠재우며 등장한 앨범입니다. 바햐흐로 80년대 싸운드를 적극 채용한 앨범으로 죤 폴 죤스가 마침내 자기 목소리를 제대로 드러내기 시작합니다. 이 앨범은 전작의 하드락 싸운드와 판이하게 현대적 느낌이 가득 차 있습니다. 죤 폴 죤스가 멜로트론에 이어 야마하 씬써싸이져까지 전면에 등장시켜 만든 곡들이 주종을 이룹니다. 이 앨범의 명곡으로는 역시 "I'm gonna crawl"입니다. 더 이상의 보컬리스트는 없다는 것을 확인케 한 곡입니다. "All my love"는 팝적인 곡으로 많은 인기를 모았습니다. 다른 곡들에서는 로버트 플랜트가 중저음 위주로 선회한 것이 확연히 드러납니다. 이후 나오게 될 솔로 앨범 음성의 전조를 엿볼 수 있는 음반입니다.

In Through The Outdoor - I'm Gonna Crawl

10 집 "Coda" 는 편집 앨범이므로 생략합니다. 본죠의 드럼 솔로곡인 "Bonzo's Montreux"는 놓치지 마세요. 이 곡을 연주하고 있는 본죠의 모습을 상상해 보면 분출하지 못 한 어떤 열정을 느끼게 됩니다.

이상으로 제플린 여행기를 마치겠습니다. 레드 제플린 앨범 10장은 락 팬이라면 다 갖고 있어야 한다고 생각합니다. 영화 싸운드 트랙인 'The song remains the same' 앨범보다는 BBC 라이브 쪽이 싸운드 면에서 더 좋습니다.

레드 제플린은 하드락이란 쟝르를 만들어 낸 밴드로 일컬어지지만, 그들의 음악을 단순히 하드락으로 규정하기엔 너무나 다양하고 깊이가 있습니다. 대부분의 밴드는 앨범 한두 장만에 창조성의 한계에 도달해서 기존 싸운드의 재판만을 보여주거나 인기를 위해 자신의 색채를 포기하고 최신 트랜드에 과하게 빠져 듭니다. 레드 제플린과 비틀즈는 많은 앨범을 만들어 내었으면서도 앨범마다 색다른 느낌을 전해주며 오직 자신들만이 보여줄 수 있는 강한 개성을 일관되게 유지했습니다. 헤비메틀 밴드 중에 굳이 앨범을 전집으로 모을 만한 밴드는 많지 않습니다. 한두 장 들어보면 나머지는 다 비슷합니다. 레드 제플린과 비틀즈는 그렇지 않습니다. 자기 컬러를 유지하면서도 앨범마다 곡마다 새로운 느낌을 줍니다. 진정한 수퍼그룹, 진정한 쟝르 창조자, 레드 제플린 소개를 마칩니다.